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Por SERGIO MONSALVO C.

ENERO-MARZO (2021)

El inicio de la tercera década del siglo XXI ha sido traumático, desdichado e impredecible. El bicho que nos infestó desde el 2020 continúa su marcha contagiosa y mortal. Millones de personas han fenecido en el mundo por su causa. Pero a la ciencia y al sentido comunitario confiamos el combate.

En el ínterin muchos músicos han desaparecido por tal motivo o por otros, producto del oficio. Tras dichos anuncios cada uno a su manera se pregunta por lo que fue, es y será la época que nos tocó vivir. Y todos, a nuestra manera, esperamos que aparezca algo para darnos una señal, algo que nos lleve otra vez a la carretera (como quiere todo buen rockero).

Y ese algo será su música, porque, como reza el poema: “Todo lo que ha vivido, vive para siempre. Sólo la cáscara, es lo que perece, muere. El espíritu de aquello no tiene fin, es eterno. Inmortal”.

Así que voy y pongo un disco determinado de aquellos que se fueron, porque algo he aprendido de la reflexión y el confinamiento: que los demás seguimos aquí, y a cada uno le toca dar aliento al otro, respirar en compañía y hablar entre todos. Habrá vida tras la muerte como dice ese poema. El espíritu de la obra de aquellas personas que nos subyugaron con su música nos mantendrá su memoria y con la intención de seguir en el camino.

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Sylvian Sylvian

Entre 1972 y 1973 nació el rock decadente (o glam rock) al que asimismo se le llama «padrino del punk». En Inglaterra, David Bowie, Marc Bolan y Roxy Music se dieron a conocer, mientras que en Estados Unidos los New York Dolls pasaban prácticamente desapercibidos para la mayoría, excepto unos cuantos: “Cuando vimos en escena a los Dolls nos llevamos la impresión de nuestra vida”. declaró Joey Ramone.

New York Dolls fue un grupo que precedió inmediatamente al punk: “Personality Crisis” o “Jet Boy”, un rock de trajes pegados, trasvestidos y solos relámpago. Es decir, la síntesis del rhythm and blues de Chicago, Muddy Waters, John Lee Hooker y Chuck Berry en versión reactivada, sobrecargada y anfetaminizada, con Sylvian Sylian entre sus miembros. Falleció el 13 de enero.

Hilton Valentine

Graham Bond les sugirió el nombre The Animals debido a la fuerza con que tocaban. De Newcastle se trasladaron a Londres a mediados de la década de los sesenta. Pronto comenzaron a aparecer en las listas de popularidad. Su primera grabación fue «Baby Let Me Take You Home», seguida de la ya hoy clásica versión de «The House of the Rising Sun» (con el famoso riff del bajo de Hilton Valentine, muerto el 29 de enero).

Es un hecho que la interpretación de Bob Dylan de ella fue el punto de inflexión para la novedosa y potente versión de The Animals (aunque Eric Burdon, asegure convenientemente haber escuchado antes la de Josh White). Como sea, en 1964 el tema se convirtió en número uno de las listas internacionales, contribuyendo a la solidificación de la era del folk-rock.

Mary Wilson

Para las Supremes, la lista de éxitos fue grande. El trío se convirtió en el grupo femenino más importante del siglo XX, y no sólo en las listas de la industria (con doce primeros lugares durante los años sesenta) sino también como símbolo de la femineidad afroestadounidense, de la lucha del género contra el racismo, del buen gusto en el vestir y con un gran repertorio musical. El grupo se había formado en 1959 como cuarteto y se llamaban The Primettes: Diana Ross, Mary Wilson, Florence Ballard y Barbara Martin. Amigas todas ellas.

Discográficamente debutaron en 1960, con el sello Lupine. Al año siguiente firmaron para la compañía Motown de Berry Gordy Jr. y empezaron los cambios: el primero, su nombre, por The Supremes. A partir de ese momento y durante los tres años siguientes The Supremes mostraron un enorme potencial expresivo. con coreografías estilizadas y un estilo muy visual, con el que triunfaron tanto en sus presentaciones en televisión como en sus conciertos en vivo, mientras el equipo de compositores producía a tope. Mary Wilson falleció el 8 de febrero.

Chick Corea

Filles de Kilimanjaro e In A Silent Way fueron un punto de partida para el jazz-rock.  A fines de los años sesenta Miles Davis intentaba poner énfasis en las raíces africanas de su música, lo cual resultó en una ampliación del concepto en la sección rítmica. El sentido de la oportunidad histórica le ayudó muchísimo y desde luego también su visión a futuro. El uso de la guitarra eléctrica y de múltiples teclados, también eléctricos (entre ellos Chick Corea), en lugar de concentrarse en complejidades armónicas o en el sutil juego entre el solista y la sección rítmica.

Todo ello hizo que esta música se distinguiera por sus texturas múltiples generadas por las improvisaciones simultáneas tanto de los metales como de dicha sección rítmica. Los públicos jóvenes estaban muy abiertos al rock muy experimental, así como al sonido jazz-rock o a cualquier otro que expandiera el concepto musical. Corea participó de todo ello en más de una decena de discos y a la postre como solista hasta su muerte el 9 de febrero.

Chris Barber

Su verdadero nombre fue Donald Christopher Barber y fue un músico de jazz, trombonista y director de orquesta británico. Además de conseguir un buen número de éxitos en el la Gran Bretaña en el campo del trad jazz, tuvo una colaboración decisiva en la popularización del género llamado skiffle durante los años cincuenta. Sus colaboraciones con Lonnie Donegan, puntal del mencionado ritmo, y, más tarde, con el padrino del blues británico, Alexis Korner, hicieron de Barber una figura fundamental de aquella escena musical y posteriormente, en los años 60, del auge la corriente beat u Ola Inglesa.

Entre el final de la década de los cicuenta y principios de la siguiente los años 50 Barber fue el impulsor de las giras británicas de artistas como Big Bill Broonzy y Muddy Waters, entre otros. Hecho importante y fuente de inspiración para jóvenes artistas como los Rolling Stones, el Fleetwood Mac de Peter Green y los Bluesbrakers donde figuraría Eric Clapton. Barber falleció el 2 de marzo.

Phil Spector

Phil Spector, el más legendario de los productores musicales en la historia de la música; cuyo nombre fue sinónimo de genialidad en ese rubro; el que produjo discos míticos de las Ronettes, de Leonard Cohen, de los Ramones o el Let it Be de los Beatles, murió apenas cumplidos los 81 años de edad (el 16 de enero). De su lado oscuro ya se ha hablado y escrito mucho, pero en el otro lado de la moneda estuvo el Phil Spector luminoso, el mimado por la genialidad. El que lleva a lugares mágicos con su cancionero único y placentero, mezcla fascinante de euforia, inocencia y nostalgia atemporal.

Spector aportó cuidadas sinfonías pop, en pequeños adornos que serán decisivos en el terminado, pero sobre todo demostró un conocimiento pleno del estudio de grabación en donde desplegó toda su habilidad para captar la fogosidad de la música. Lo impuso como el lugar para concretar todo el esplendor de las ideas sonoras (cuando las hay), ordenadas a base de horas y horas de trabajo, de sensibilidad y desgaste en las relaciones personales con los intérpretes. Eso tuvo un nombre, clásico entre los conocedores de la música popular: The Wall of Sound (el muro de sonido, su criatura).

Otros que cayeron en el camino: Gerry Marsden (de los Peacemakers), Bunny Wailer (integrante de los primeros Wailers de Bob Marley), Lawrence Felinghetti (quien no fue músico, pero sí un poeta que inspiró en mucho a los rockeros y apoyó a los escritores de la Generación Beat),

A todos ellos: ¡Gracias!

VIDEO SUGERIDO: New York Dolls, Peronality Crisis, YouTube (Miguel Rodrigues)