PULSOR 4×4 – 52

Por SERGIO MONSALVO C.

PULSOR 2005 (FOTO 1)

 EL BEAT DE LA IDENTIDAD

 (2005)

 A fines de enero de ese año en el desierto del Sahara se registró una sorprendente ola de frío. A unos 800 kilómetros al sur de Argel una densa capa de nieve cubrió el suelo. La última vez que esto pasó fue en 1979. La Tierra mandaba avisos.

La británica Ellen MacArthur estableció en 71 días y 14 horas el récord de la vuelta al mundo de manera solitaria a través de un velero.

El 14 de febrero en San Bruno, California, se fundó el sitio web YouTube por Chad Hurley, Steve Chen y Jawed Karim.

El escritor, actor y director teatral Harold Pinter obtuvo ese año el Premio Nobel de Literatura.

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De la penumbra parecieron surgir las notas de las cuerdas puestas desde ese momento al servicio de las emociones. Todo un menú de ellas. El tiempo  dejó de contar en cuanto se puso el disco. El crescendo de la pieza “Hope There’s Someone” difuminó las sombras y dejó intuir la presencia de Antony Hegarty tras esa levísima cortina sonora. La cual iría subiendo lentamente conforme surgían las palabras de su garganta. “Creo que no hay arte sin sufrimiento”, había dicho Hegarty.

Eso está de manifiesto en I Am a Bird Now, un disco (de Antony & The Johnsons) que demostró cómo la belleza puede llegar a convertirse en algo tenso, inquietante y hasta siniestro. La voz andrógina de Antony es bella y tersa, pero lo que comunica en su profundidad es algo que nos revela el terror que puede existir en la melancolía, en la desolación de los amores perdidos, en la angustia de la infelicidad. Con el agregado de esa portada con Candy Darling, la musa travestida de Andy Warhol, en un lecho agónico.

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Por otra parte, James Murphy, acaso el autor que dotó de contenido al revival del pospunk, actuó como catalizador del exitoso cruce entre electrónica y música indie, con su grupo LCD Soundsystem. Éste apareció en escena en el momento apropiado, principios de los años cero, para reivindicar una serie de referencias sonoras que nadie parecía extrañar. Dicha banda incorporó al escenario musical una corriente como el punk funk y recuperó, asimismo, la filosofía vanguardista de tal música mutante.

Una corriente que a finales de los setenta del siglo pasado se fraguó en sellos discográficos como Ze y Factory. LCD Soundsystem mezcló todo eso con el krautrock, el house, el minimalismo y el trance y, desde su primer álbum (el homónimo del 2005) en su haber se convirtió en un referente imprescindible para sonorizar una época que comenzaba bajo los estatutos del terror y la aprehensión.

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El concepto musical de los Gorillaz (tecnología de punta en 3D, dibujo animado, música de vanguardia) ha llevado consigo el espíritu de la época desde que apareció en el 2001 con una mezcla que fluctúa entre el hip hop, el pop, el trip hop, el rock alternativo y la rítmica afrocubana pasando por el punk, la electrónica, el reggae-dub, el breakbeat, britpop o el ambient: mixtura a la que en muchos lugares se le ha denominado dark pop o –como ellos mismo la denominan– zombie hip hop. Eclecticismo puro fundamentado en la música negra, sobre todo.

Demon Days (2005), su segundo álbum, obtuvo mejores resultados aún que el debut homónimo. De él se extrajeron los sencillos “Feel Good Inc.” y “Dare” y se reafirmó el concepto de la música como aparato social (del Método Suzuki al hipermodernismo), expandiéndolo con el uso de los coros London Community (gospel) y Children’s Choir of San Fernandez y más invitados (De la Soul, Neneh Cherry, Roots Manuva, Shaun Ryder, Bootie Brown, el también desaparecido Ike Turner, et al), el extinto actor Dennis Hopper y la nueva producción corrió a cargo del DJ Danger Mouse, Jason Cox y James Dring.

VIDEO SUGERIDO: Gorillaz – DARE (Official Video), YouTube (Gorillaz)

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PULSOR 4x4 (REMATE)

PULSOR 4×4 – 51

Por SERGIO MONSALVO C.

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 EL BEAT DE LA IDENTIDAD

                                                                    (2004)

 Fue el año en que Mark Zuckerberg creó el sitio Facebook.

 

En el 2004 la Unión Europea expandió su geografía y nexos con la inscripción de diez países miembros más: Polonia, Lituania, Latvia, Estonia, República Checa, Eslovaquia, Eslovenia, Hungría, Malta y Chipre.

 

La mala noticia fue que George W. Bush fue reelecto como presidente de los Estados Unidos.

 

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Tras una década de trabajo sólido y ejemplar como solista, por estética, estilo, actitud y por la frescura de cada uno de sus lanzamientos desde entonces a Björk, con la aparición de su álbum Medulla, se le podía ya definir como una artista total. Y una de las más singulares en el mundo, cabría decir. Escuchándola se podía confirmar que el arte no nace por generación espontánea. Todo forma parte de una cadena de influencias a las que el talento individual sintetiza y conduce a la excelencia. Eso era Björk en primera y última instancia.

 

Una artista islandesa cuya originalidad se había convertido en parámetro para los creadores en general. Aquí su exploración fue hacia la voz humana desde su manifestación primigenia y tribal hasta el coro etéreo y ambiental. Con este disco se ligó a la cadena que siempre ha pugnado por ir a la vanguardia.

 

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En la obra Funeral las canciones de Arcade Fire, grupo de pop orquestal, encabezado por el matrimonio integrado por Win Butler (cantante, guitarrista y pianista) y Régine Chassagne (ex vocalista de jazz, organista y mandolinista), se desarrollaron opulentas y a la vez suaves entre los extremos.

 

Lo hicieron desde un pop sencillo con textos naive, que indujo a seguirlo con las palmas de las manos, hasta una epopeya acompañada por un voluptuoso piano, además de las  guitarras, violines, cellos, glockenspiel, arpa y percusiones. Los miembros de esta banda crearon momentos sublimes, propios de un musical de Broadway o de un soundtrack para la pantalla cinematográfica. El grupo afincado en Montreal escogió el título para el disco durante las grabaciones, cuando murieron varios familiares de los músicos, a quienes se dedicó este álbum.

 

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Real Gone fue, desde el momento de su aparición, un hito entre los discos de Tom Waits. Contiene dos de sus obras más sombrías y melancólicas: “Sins of My Father”, de diez minutos de duración, y “How It’s Gonna End”, una marcha fúnebre minimalista. En el otro extremo del espectro está “Shake It”, música producida por un instrumento rítmico de cuerdas defectuosas. O bien “Metropolitan Glide”, donde Waits armado de una sierra eléctrica disecta y vuelve a armar de manera experta a James Brown.

 

Tal rompecabezas se deberá aprender a escuchar por su naturaleza oscura, la garantía del carácter lowlife y el aroma del blues astroso. Música de un hombre que no se anda con rodeos y que del mundo conoce en profundidad el crujido de sus vísceras. Waits sigue los pasos de un alquimista al intentar la transformación del hombre en su propio grito. Pero de todas maneras sigue siendo el Waits de siempre, el gran crooner cabaretil y sabiondo que como detalle acústico incluye los chillidos de un perro atropellado, mientras en primer plano late el rock puro y llano, reproducido con unos antiguos amplificadores de garage.

 

VIDEO SUGERIDO: Tom Waits – Shake it, YouTube (ChocolateJesus101)

 

 

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PULSOR 4x4 (REMATE)

PULSOR 4×4 – 50

 

Por SERGIO MONSALVO C.

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EL BEAT DE LA IDENTIDAD

                                                                    (2003)

 Ese año murió la oveja Dolly, el primer mamífero clonado.

Comenzó la Guerra del Golfo en Irak.

Se constituyó en La Haya (Países Bajos) el Tribunal Penal Internacional.

El periódico The Boston Globe recibió el Premio Pulitzer por su cobertura de los escándalos sexuales de la Iglesia Católica en los Estados Unidos.

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Nueva York, una vez más, aportó su cuota de calidad con el garage punk representado por la onomatopéyica banda de los Yeah Yeah Yeahs. La música de este grupo de la Urbe de Hierro era una mezcla de estilos retro complementados con el fuerte apoyo de las guitarras de extracto punk.

El fuerte guitarreo, los sonidos sintéticos y chillones, desvariados y la voz melancólica de su cantante, Karen O, caracterizaron el garage punk de esta banda líder. El indie rock, el rock alternativo, la psicodelia y el punk, adornaron con sus salpicaduras de brocha gorda los nuevos caminos del garage.

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En el nuevo álbum, Elephant, de los White Stripes venía contenido un tema extraordinario tanto por su sencillez como su primitivismo (concepto tan caro para el rock) que no sólo se convertiría en un clásico del género, sino también en un himno deportivo que sería cantado por el público, desde su aparición, en todos los estadios alrededor del mundo, para alentar al equipo o celebrar una victoria, su título: “Seven Nations Army”.

 

Pero en tal álbum no sólo vendría esa joya, sino un puñado de títulos que pasarían a formar parte del legado mayúsculo del dueto de  Jack y Meg White. Vayan dos piezas como ejemplo: “In the Cold Cold Night” (cantada por Meg, con una vocesita frágil y melancólica) y una versión de Jack sobre un tema de  Burt Bacharach (“I Just Don’t Know What to Do with Myself”) que antaño haría famoso la llorada cantante Dusty Springfield.

 

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Por su parte, Radiohead entró de nueva cuenta al estudio de grabación en el mes de abril del año anterior y con ello se anunció la hechura de un álbum que llevaría por nombre Hail to the Thief. Este sexto disco con Parlophone salió a la venta la primera quincena de junio del 2003 y tuvo como sencillo el tema “There There”, acompañado de un impresionante video que se puso en circulación el 26 de mayo de ese mismo año.

Al escuchar al grupo se cae en la cuenta de que el legado de Can y Neu!, sus influencias manifiestas, han resistido el paso del tiempo. Donde más se nota su huella es en el tratamiento que Radiohead hace del post-rock, con su rítmica y matices sonoros. Yorke mantiene la sensación de viajar por una carretera recién inaugurada cada vez que los evoca. Sin embargo, ése es sólo uno de los elementos que el grupo maneja a lo largo de otro álbum magnífico, tanto para los integrantes como para la historia del rock mismo.

VIDEO SUGERIDO: Radiohead – There, There, YouTube (Radiohead)

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PULSOR 4x4 (REMATE)

PULSOR 4×4 – 49

 

Por SERGIO MONSALVO C.

PULSOR 4X4-2002 (FOTO 1)

EL BEAT DE LA IDENTIDAD

(2002)

 Al comienzo del año una nueva etapa para la economía mundial. La Unión Europea puso en circulación los billetes  de su nueva moneda: el euro.

El 6 de febrero en el Reino Unido, en Londres, se celebró el 50 aniversario de la llegada al trono de la reina Isabel II.

En el mismo mes la NASA, a través de la nave Mars Odyssey, comenzó a cartografiar la superficie de Marte.

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Dentro de sus piezas, al unísono de sus vívidos retratos, Tom Waits diseña también paisajes que evocan la imagen de esquinas desiertas iluminadas por la luz de neón. Las cuales comunican con plasticidad, con tino, los ambientes de los distintos escenarios urbanos en los que se llevan a cabo sus narraciones, a la orilla de lo cotidiano.

El factótum musical, por su parte, airea cada vez sus raíces en el blues, en el rock y en tendencias estilísticas como el country, el jazz, la palabra hablada, el avant-garde, el hip hop y por supuesto en los latigazos propinados al alma por sus baladas. La suma de todo ello equivale a calidad superior, artística, culta. Los dos álbumes Alice y Blood Money, que salieron al unísono ese año  marcaron su vena para crear atmósferas meditabundas.

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El revival del rock de garage en el siglo XXI, encarnado por los White Stripes, oriundos de Detroit, es la sublime síntesis donde confluyen todos los subgéneros del garage (sesentero, proto-punk, punk, psycho, psicodelia, underground…) junto al blues, el country y el folk. Jack White, el cerebro del dueto, entra en la categoría de los que hacen art-rock.

Su segundo álbum, White Blood Cells, por su evocación cultural y todos los intereses que muestra junto a la música: pintura, arquitectura, cine y músicas diversas, marca definitivamente su estilo, el cual se encuentra en lo musical y también en todo el arte que rodea al dúo: los videos (dirigidos siempre por reconocidos cineastas), escenografías, vestuarios y portadas de discos. Todo el bagaje de Jack se ha canalizado hacia un minimalismo donde el axioma “menos es más” ha conseguido la legitimación de lo auténtico.

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A su vez, la aparición en 2002 del álbum Yankee Hotel Foxtrot, pone de nueva cuenta a Jeff Tweedy en la palestra con Wilco. Y si antaño el grupo había esculpido con arcilla propia las figuras legendarias de Woody Guthrie y Hank Williams para crear su Alt country (los primeros discos de Wilco tuvieron esos moldes), con su nueva realización la agrupación se sublima. Yankee Hotel Foxtrot, es uno de esos discos que sorprende y emociona cada vez que se escucha. Es un clásico con todas las de la ley. Una obra destacada en términos de innovación.

Cuando se escucha a Wilco en esta obra no importa a qué género pertenezca cada canción o con qué instrumentos fue creada. Porque se sabe que estos músicos son guiados por un hombre que no ha dejado de sentir dolor desde que tiene memoria (sufre migraña aural). Ese estigma obliga al autor a enfrentarse con las preguntas obligadas sobre la vida. Y las respuestas siempre resultan sinceras y tan cínicas como profundas, arropadas con música tersa y de exquisito desarrollo.

VIDEO SUGERIDO: Wilco – “I Am Trying To Break Your Heart”, YouTube (moochyh)

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BABEL XXI – 529

Por SERGIO MONSALVO C.

BXXI-529 (FOTO)

EL BEAT DE LA IDENTIDAD / VI

(2011-2012)

 

Programa Radiofónico de Sergio Monsalvo C.

https://www.babelxxi.com/529-el-beat-de-la-identidad-vi-2011-2012/

Exlibris 3 - kopie

PULSOR 4×4 – 48 (2001)

Por SERGIO MONSALVO C.

PULSOR 4x4 2001 (FOTO 1)

EL BEAT DE LA IDENTIDAD

 (2001)

 En el 2001 comenzó el siglo XXI y el III milenio.

En los Estados Unidos los científicos presentaron al iniciático primate modificado genéticamente.

Jimbo Wales y Larry Sanger crean Wikipedia, la enciclopedia digital a nivel global.

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El surgimiento de un grupo como Gorillaz habló de que con la llegada del siglo XXI las relaciones existentes entre la música y su recepción, es decir, las maneras con las cuales se escuchaba y se “miraba” la música, habían sido modificadas gracias a los adelantos tecnológicos y a la interrelación con diversos medios de comunicación de una banda como ésta.

Gorillaz también vino a corregir la vieja idea de los apocalípticos acerca de que el aumento en el uso de la tecnología de vanguardia en la producción iría en detrimento de la creación artística. Para nada. Gorillaz fue un acontecimiento multimedial de alta tecnología y al mismo tiempo un sólido proyecto musical interdisciplinario. En suma, un fenómeno positivo y actual de la cultura popular.

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Amnesiac apareció en junio del 2001 y de acuerdo con los rumores sería “más accesible” que su antecesor, pero sólo fue así hasta cierto punto. Los textos seguían siendo oscuros y las melodías daban vueltas inesperadas. Este quinto álbum de Radiohead salió al mercado, y de inmediato se le consideró el hermano de Kid A (si se hace caso omiso de unas cuantas diferencias de matices): todos los tracks de ambos álbumes eran producto de las mismas sesiones y, aparentemente, sobraron un número suficiente de buenas canciones para justificar un segundo lanzamiento al cabo de nueve meses.

Es más, “Pyramid Song” (de Amnesiac) y “Everything in Its Right Place” (de Kid A) suenan parecidas. Yorke las grabó la misma semana en que se compró un piano. Para los acordes utilizó las teclas negras. Para “Everything…” cargó el piano en la laptop y lo programó, pero “Pyramid Song” sonaba mejor sin elaboración. Al trabajar esta última estaba obsesionado con la pieza “Freedom” de Charlie Mingus.

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El rock de garage, puro y llano, dio una nueva vuelta de tuerca al comenzar el siglo XXI. Y lo hizo en la ciudad cuna de muchos de sus hitos y mitologías: Nueva York. De la Babel de Hierro, no de sus pestilentes calles sino de sus penthouses, escuelas de arte y ambientes bohemios, brotaron los jóvenes adalides. Se hicieron llamar The Strokes y representaron al garage de raíces urbanas perfilado hacia el futuro.

Los Strokes reactivaron la constante modernista del subgénero con inspiradas líricas y sonidos acuñados en lo-fi. Con su aparición el clasicismo del Uptown se hizo presente. Ritmos poderosos, elementales, melodías haciendo malabares en el swang de las cuerdas, vocalizaciones envasadas en deliciosos monotonos, todo el implícito necesario para el show del nuevo estilo.

Los Strokes ubicaron las raíces del garage en los nuevos tiempos. Los ecos del Velvet Underground y de los ex inquilinos punks del CBGB’s reververaron en la Sala Lounge de Manhattan donde los Strokes sentaron sus convicciones “políticamente incorrectas”. Con ellos se dieron cita la tradición y el hipermodernismo justo en el preludio de una era diferente, la cual  enfrentaba al rock a inéditos retos existenciales.

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Comienzos del siglo XXI. Año 2001. Un nuevo orden mundial acompañado de nuevos léxicos y nuevos miedos. El 11-S —la referencia histórica a los atentados de extremistas islámicos contra las torres gemelas de Nueva York—  quedó impreso en la conciencia de todos.

VIDEO SUGERIDO: The Strokes – Las Nite (Official Music Video), YouTube (The Strokes)

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PULSOR 4x4 (REMATE)

PULSOR 4×4 – 47

Por SERGIO MONSALVO C.

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EL BEAT DE LA IDENTIDAD

(2000)

 No se manifestaron los fallos “catastróficos” del Y2K (efecto 2000) que se habían predicho en las computadoras de todo el mundo para esta fecha.

El grupo alemán de telecomunicaciones Mannesmann aceptó fusionarse con el británico Vodafone Airtouch.

Se publicó la última tira cómica original de Peanuts (conocido en español como Charlie Brown) debido al fallecimiento de su autor, Charles Schultz (1922-2000).

La empresa Microsoft lanzó el Sistema operativo Windows 2000.

El Premio Nobel fue Ganado por el escritor chino Gao Xingjian.

Se estrenaron las películas Gladiator, Dancer in the Dark y X Men.

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La historia de una palabra es a veces la historia de un siglo. “Rock” es una de ellas.

El rock cambia constantemente las estéticas musicales. En el año 2000 los discos que destacaron fueron: Ecstasy de Lou Reed, Felt Mountain de Goldfrapp, Stankonia de Outkast, Gong-Ho de Patti Smith, Conspiracy of One de Off Spring, Parachutes de Coldplay y Kid A de Radiohead, entre otros.

El rock había sido durante medio siglo un fenómeno de vastas consecuencias en la vida y costumbres de millones de personas en el mundo, hasta ese momento: fin de siglo y de milenio.

El rock había calado fuerte en generaciones sucesivas, por encima de profundas diferencias sociales, económicas, de educación e ideológicas.

El rock ya no debía ser definido como un estilo musical en sí mismo, por su vaga relación con el ritmo del cuatro por cuatro, ni tampoco como una especie de ideología juvenil, sino como una cultura viva y en constante evolución.

El tradicionalismo y la falta de atención eran en ese momento los males del público. La gente en general se contentaba con escoger entre pocas cosas harto conocidas, en lugar de buscar otras posibilidades.

 

El rock no era ya una versión del imperialismo cultural, sino una forma de vida comunitaria.

La tecnología había estado unida al rock desde su nacimiento.

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El universo de sonidos del rock podía oírse en todo el planeta por medio de satélites/ cables de televisión/ anunciantes multinacionales/ en los soundtracks de las películas/ walkman/ deck/ autoestéreo/ reproductor de cassettes/ DVD.

El cambio producido por la revolución digital afectaría a futuro nuestra manera de escuchar.

Internet diversificaría aún más la variedad del rock.

La grabación digital sería revolucionaria porque miles de bits de información en cada segundo de sonido podrán ser manipulados.

Las palabras “músico” o “compositor” quedarían atrás sustituidas por  programador/ DJ/ tornamesista/ sutilizador/ alquimista sonoro/ ilusionista ambiental.

La revolución digital cambiaría la manera en que sería hecha la música.

Las fuerzas sociales y políticas serían significativas en el cambio de nuestra manera de concebir la música, y en la forma en que la tecnología sería comprendida.

Nadie podía decir en esa época que en el universo sonoro del rock no hubiera siempre un futuro expansivo.

 

VIDEO SUGERIDO: Radiohead – In Limbo live Pinkpop 2001 (high qulity), YouTube (RadioheadSnatcher)

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Por SERGIO MONSALVO C.

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EL BEAT DE LA IDENTIDAD

(1999)

 En 1999 se llevó a cabo la Guerra de los Balcanes, con la intervención de las fuerzas de la OTAN.

 

Un temblor en Turquía cobró la vida de por lo menos 50 mil personas.

 

Ese año murieron Mario Puzo, Joaquín Rodrigo, Joe DiMaggio.

 

Se estrenaron las películas Shakespeare enamorado, Matrix y el Episodio I de La Guerra de las Galaxias.

 

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En 1999, Howie B se fue adentrando casi sin transición a terrenos cada vez más abstractos y centrados en los beats. Armó sus tracks de tendencias funk y con base en sonidos de producción casera. Lo más importante para él era evitar que una cauda de sintetizadores rellenara al funk.

 

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El cuarteto de cuerdas finlandés llamado Apolyptica subrayó el parentesco que existe entre la música clásica y el heavy metal. Extendieron al unísono una alfombra sonora tejida con fibras de acero, sin perder fuerza ni virtuosismo. El sonido de los cellos conectados a los amplificadores otorgó un tono amenazador a las melodías.

 

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El grupo Rammstein, de origen alemán, estableció con su música un equilibrio perfecto en el agudísimo filo entre el metal y el dance electrónico. Los temas de sus canciones, que ya ilustran muchos soundtracks, son el totalitarismo, el fascismo, el sadomasoquismo, la necrofilia, el incesto y algunas otras formas oscuras del erotismo.

 

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Eels, agrupación angelina, brincaron a la fama con su primer disco, Beautiful Freak. Sin embargo, su segundo disco, Electro-shock Blues, fue mejor, con canciones de primera clase, en las que hay una mezcla convincente de acordes distorsionados en la guitarra, ritmos jazzeados, sampleos atmosféricos y ambientes sonoros peculiares.

 

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Tom Waits, hombre y género en uno, lanzó Mule Variations, el regreso de sus excursiones por el cine, el teatro y los discos de otros. El factótum musical del nuevo disco aireó sus raíces en el blues, y descansó en tendencias estilísticas familiares como el country, el jazz, la palabra hablada, el avant-garde y por supuesto los latigazos propinados al alma por sus baladas en el piano.

 

 

VIDEO SUGERIDO: Tom Waits – Com On to the House – Mule Variations, YouTube (Steve D)

 

 

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PULSOR 4×4 – 45

 

Por SERGIO MONSALVO C.

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EL BEAT DE LA IDENTIDAD

(1998)

 En 1998, trece naciones europeas firmaron en París un acta que prohibía la clonación de seres humanos.

Ese año obtuvo José Saramago el Premio Nobel de Literatura.

Comenzó el escándalo “Mónica Lewinsky”, que involucraba al presidente Bill Clinton.

Ese año murieron Frank Sinatra, Carlos Castaneda y Octavio Paz.

Se estrenaron las películas Dark City, Nirvana y Antz.

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En 1998, el grupo Moloko emprendió una cruzada sonora contra lo anquilosado, con una pizca de jungle, house, sintetizadores, break beats, un bajo funk y otras cosas, revuelta y mezclada con soul, grooves apasionados, manejo del kitsch y un sonido sensual que seducía.

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Las tradiciones paralelas de espectacularidad siniestra y autodestructividad violenta se habían mezclado con la novedad del technopop electrónico y el creciente decibelaje del rock metálico, y dado paso a antihéroes ultradepresivos como Marilyn Manson, cuyo talento publicitario lo convertió en imagen del rock maldito.

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El máximo talento de los big beats se llamaba Propellerheads. Al parecer habían encontrado un camino medio entre el carácter accesible y la aventura musical con su mezcla de grooves funky, jams relajados de hip hop y pesados big beats; entre el comercio y la credibilidad del underground.

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Norman Cook, alias Fat Boy Slim, tuvo que aprender de varios grupos para concretar su obra maestra: House Martins, Freak Power y Beat International son parte de su currículum. Su disco de 1998, You Have Come a Long Way, Baby, fue el mejor resumen de lo que sería aquel año. Cientos de sampleos, alegría y big beat.

 

VIDEO SUGERIDO: Right Here, Right Now by Fatboy Slim (Official Video), YouTube (Fatboy Slim)

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