BABEL XXI-536

Por SERGIO MONSALVO C.

BXXI-536 (FOTO)

THE LONG BLACK VEIL

(THE CHIEFTAINS)

Programa Radiofónico de Sergio Monsalvo C.

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BABEL XXI – SINOPSIS (47)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (231-235)

SINOPSIS 47 (FOTO 2)

 BXXI-231 SYD BARRETT

Los entusiasmos e influencias de Syd Barrett se volvieron tópicos: oráculos chinos y cuentos de hadas infantiles; ciencia ficción de serie B y los textos de J.R.R. Tolkien; las baladas folk inglesas, el blues de Chicago, la música electrónica de vanguardia, Donovan, los Beatles y los Rolling Stones. Lirismo, ingenio y surrealismo. Todo cuajó en el molde del subconsciente de Syd para reemerger con una voz, un sonido y un estilo únicos. En el escenario, cuando los músicos de Pink Floyd no se perdían por completo tras las proyecciones visuales y el destello de las luces, Barrett dominaba la imagen del grupo con la intensidad de su presencia; de manera ominosa agitaba los brazos envueltos en una larga capa, entre ráfagas de feedback interestelar.

VIDEO SUGERIDO: Pink Floyd Interstellar Overdrive Live January 27, 1967 UFO Club, London, YouTube (SydBarrettOpel)

SINOPSIS 47 (FOTO 3)

BXXI-232 NOSFERATU

Primero fueron los literatos, los poetas, quienes hicieron salir a Nosferatu (y Drácula a la postre) de su ataúd. Luego vinieron los cineastas (con F.W. Murnau a la cabeza) y los actores como Bela Lugosi, Max Schreck, Klaus Kinski. En tiempos recientes les ha tocado a los músicos del rock evocar al vampiro. Subgéneros como el dark, el illbient o el gótico lo convocaron para crear sus atmósferas. Sin embargo, en el rock fusionado con las llamadas Nuevas Músicas (contemporáneas y experimentales), este personaje (re)surgió por primera vez a cargo primero de Art Zoyd (como Nosferatu en 1989). Reunir a Nosferatu con el grupo francés resultó un acierto y garantía de un infalible ambiente desasosegante.

VIDEO SUGERIDO: Art Zoyd – Le Chateau, YouTube (Alonso Leeds)

SINOPSIS 47 (FOTO 4)

BXXI-233 ROCKPILE

 

Con la exégesis musical que dio aquel grupo británico esa noche, en aquel auditorio de la ribera suiza, algo se movió para mí transfiriendo unos minutos de actuación en un tiempo de eternidad personal conectada permanentemente a su dinamo (y que gracias a la edición del disco con dicha presentación, Rockpile Live at Montreux 1980, puedo revisitar cada vez que lo requiera). Es un disco comparable a un sitio de retiro, al que de vez en cuando me acerco para recargar energías, recuperar recuerdos, aclarar las cosas, indicar una ruta a seguir o simplemente un refugio ante un desgarro existencial. Creo que todas las personas deberían tener discos así, unos cuantos, elegidos por las causas precisas y por la cura que proporcionan.

 

VIDEO SUGERIDO: Rockpile – Teacher, Teacher, YouTube (bthomas1001)

SINOPSIS 47 (FOTO 5)

BXXI-234 JANIS JOPLIN

Todo mundo se preguntó quién era esa mujer tan intensa y desacostumbrada y así surgió la información: se llamaba Janis Joplin, era una vocalista que vivía lo que cantaba; una estudiosa que hacía esfuerzos por poner al día la tradición de la bluesera clásica, tan olvidada, con Bessie Smith como materia prima de la cual abrevar; era una mujer liberada que le entraba fuerte al alcohol y a la pasión amorosa, dándole con ello un matiz propio a la era psicodélica, una cultura consumidora de ácido. A la par de esto, su cabello orgullosamente largo y revuelto, ropa de segunda mano y emociones a flor de piel la convirtieron en una heroína femenina. Pero, sobre todo, su voz denotaba el intenso y auténtico deseo de comunicarse con el público.

VIDEO SUGERIDO: Janis Joplin – Piece Of My Heart, YouTube (ender cañizalez)

SINOPSIS 47 (FOTO 6)

BXXI-235 CREAM

 

Si bien la existencia de Cream se redujo a dos años, el tríptico formado por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, representó el prototipo del grupo de rock exitoso y “moderno” de los años sesenta, el “Power Trio”. Caracterizado por un volumen fuerte, basado en el blues, audaz en el aspecto instrumental (imbuido en la improvisación del jazz del que 2/3 de sus componentes eran originarios) y muy rítmico. Cream conquistó al mundo con sus bombásticas y largas interpretaciones en vivo, que abrieron el camino para un gran número de formaciones, incluyendo al Led Zeppelin —Page había sido amigo, colaborador y fan de Clapton por varios años—, Mountain y las oleadas de heavymetaleros de la futura era del rock de estadio.

VIDEO SUGERIDO: Cream – Spoonful Live 1968, YouTube (Cream of Cream)

 

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

Roberto Hernández C.

Horario de trasmisión:

Todos los martes a las 18:00 hrs.

Por el 1060 de AM

96.5 de FM

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BABEL XXI – SINOPSIS (46)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (226-230)

SINOPSIS 46 (FOTO 2)

 BXXI-226 MOTOWN

Lo llamaban “Snake Pit”, un estudio de grabación en el centro de Hitsville USA, en Michigan, donde se producía la música que llevaba el sello de Detroit o el sonido Motown, a fin de cuentas. Y con eso quedaba todo establecido, porque en ello se inscribían gloriosas composiciones, el frenesí juvenil, voces de leyenda, arreglos sublimes y bases rítmicas históricas. Hoy, los éxitos de los Four Tops, The Supremes, The Temptations, Marvin Gaye, Smokey Robinson & The Miracles, Martha & The Vandellas o de las Marvelettes, son temas clásicos inconmensurables que, generación tras generación, reciben el reconocimiento y la certificación de encapsular las emociones positivas en el corto espacio de una canción.

VIDEO SUGERIDO: Barrett Strong – Money (That’s What I Want) (with lyrics), YouTube (jiegave)

SINOPSIS 46 (FOTO 3)

BXXI-227 ALEXIS KORNER

En la Gran Bretaña de mediados del siglo XX todos los músicos descubrieron en algún momento su identidad musical. Y su punto de partida común fue el blues. Gente como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor asistieron a la estricta escuela del blues que John Mayall dirigía, los Bluesbreakers. Otros tomaron clases con el cosmopolita de ascendencia griega y gurú de la escena musical Alexis Korner, como integrantes de su grupo, Blues Incorporated. Entre aquella multitud figuraron muchachos de los suburbios londinenses que al poco tiempo se transformarían en herederos de tales enseñanzas, con sus propios grupos: los Rolling Stones, Cream, Manfred Mann, Free o Led Zeppelin, entre otros.

VIDEO SUGERIDO: Alexis Korner And Steve Marriott – Get Off My Cloud (live 1975), YouTube (Bertha0815007)

SINOPSIS 46 (FOTO 4)

BXXI-228 JAZZKANTINE

En lo netamente musical, el jazz-rap es un subgénero del hip hop que incorpora influencias jazzísticas en diversos grados y niveles, según el artista y sus intenciones. El desarrollo en este sentido entre finales de los años ochenta (sus comienzos) y mediados de la segunda década de los años cero (cuando cumple ya un cuarto de siglo) ha sido patente. Es decir, utiliza los andamios interiores del género a base de la rítmica propia del hip hop, para luego construir una sólida edificación con el fraseo, las instrumentaciones y los solos del jazz. Un ejemplo contundente de tal evolución es el grupo germano Jazzkantine, que ha cumplido dos décadas de existencia, o sea, ha cubierto prácticamente la cronología del subgénero.

VIDEO SUGERIDO: Jazzkantine – Mit Dir, YouTube (Andy Linder)

SINOPSIS 46 (FOTO 5)

 BXXI-229 EXILE ON MAIN STREET

A comienzos de los años setenta los Rolling Stones huyeron de Inglaterra en desbandada. Hacienda los tenía en la mira y les mordía los talones (como brazo armado del stablishment). Y también tenían detrás de ellos a un mánager que, tras quedarse con los derechos de todas sus canciones de la década anterior, quería zamparse por igual los derechos de temas todavía inéditos. Entonces, el grupo, disperso por diversos lugares del mundo, fue convocado por Keith Richards para que trabajaran y se refugiaran en la Costa Azul francesa. Fue ahí donde realizaron el esencial Exile on Main Street. Un disco (clásico, inmortal, definitorio) hecho a pesar de la policía francesa, los mafiosos marselleses y, sobre todo, de sus propios desenfrenos.

 

VIDEO SUGERIDO: The Rolling Stones – Happy (From “Ladies & Gentlemen”), YouTube (Eagle Rock)

SINOPSIS 46 (FOTO 6)

BXXI-230 PATSY CLINE

Las piezas que cantaba Patsy Cline distinguían a las mujeres de las niñas. Una balada suya cristalizaba las emociones, eliminaba las barreras entre el intérprete y el escucha, revelaba verdades y establecía la retroalimentación “soul to soul”. Lo cantado y contado por ella se entendió ayer, y se entiende ahora, conforme se presta atención a las letras y se intensifican las sutilezas y los matices de su interpretación vocal. Cada palabra cobra su real importancia. Las baladas que cantaba Patsy Cline les daban a los músicos tiempo para dar forma a cada nota y frase, a la vez que le brindaban a ella la oportunidad de hacer declaraciones significativas y de conectarse con el escucha en los niveles más íntimos.

 

VIDEO SUGERIDO: Patsy Cline Singing Crazy “Live” On The Grand Ole Opry, YouTube (shane8mm’s channel)

 

*BABEL XXI

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THE SHELTERING SKY

Por SERGIO MONSALVO C.

THE SHELTERING SKY (FOTO 1)

 PAUL BOWLES

(BAJO EL CIELO PROTECTOR)

Para Paul Frederick Bowles (Nueva York, 1910 – Tánger, 1999), el trabajo de escribir música y el de escribir palabras eran excluyentes entre sí. En la infancia y adolescencia fue autor de relatos y poesías. Posteriormente se inclinó por su otra vocación: la música. Bowles abandonó la Universidad de Virginia después del segundo semestre para no volver nunca más.

Sus proyectos se encaminaron a dejar la casa paterna y viajar a París, para conocer a Gertrude Stein. Todavía en Nueva York había estudiado música con Aaron Copland, compositor al que estuvo muy ligado. Una vez en París, continuó sus estudios musicales con Virgil Thompson, a sugerencia de Stein. Esta escritora tuvo una gran influencia sobre el joven Bowles, y ella también le sugirió visitar el norte de África –Tánger, concretamente–, consejo que le acarreó una experiencia de impresión duradera.

Como compositor, Bowles –inscrito en la corriente de la Gebrauchsmusik— produjo una buena cantidad de música de acompañamiento para obras de teatro contemporáneas como My Heart’s in the Highlands de William Saroyan, Summer and Smoke de Tennessee Williams y varias más. Escribió tres óperas: Denmark Vesey (1937), The Wind Remains (1943) y Yerma (1958), las últimas basadas en textos de Federico García Lorca.

Asimismo, cuatro ballets: Yankee Clipper (1937), The Ballroom Guide (1937), Sentimental Colloquy (1944) y Pastorela (1947). De igual forma, compuso una Suite para orquesta pequeña (1933), la Melodía para nueve instrumentos (1937), Danza Mexicana (1941), Sonata for Two Pianos, Winds and Percussion (1947), Suite for Medium Voice con texto de Jean Cocteau. Y también creó algunas canciones, entre ellas: “They Can’t Stop Death”, “Night Without Sleep”, “Song for My Sister” y “When Rain or Love Began”, y música para películas cuyos detalles y referencias pueden encontrarse en su autobiografía Without Stopping (1972; Memorias de un nómada).

Después de darse a conocer como autor de novelas y relatos, le dedicó escaso tiempo a la composición musical. Su primer libro importante fue The Sheltering Sky (El cielo protector) de 1949, que años después llevado a la pantalla por Bernardo Bertolucci.

A esta obra le siguieron un puñado de novelas (Let it Come Down, The Spider’s House y Up Above the World, entre ellas), muchas colecciones   cuentos, libros de viajes y numerables poemarios. La mayoría de sus libros de ficción se ubican en el norte de África (principalmente Marruecos), donde el autor se estableció definitivamente después de la Segunda Guerra Mundial.

El cielo protector es una obra tripartita, que se desmenuza en treinta capítulos y está “firmada” en Fez (Marruecos) por un tal Bab el Hadid. Los protagonistas de la misma son un solvente trío de estadounidenses, que vagabundean por el mundo en el momento inmediato al final de la Segunda Guerra Mundial. Han podido viajar en un carguero desde Nueva York a Argel para iniciar un recorrido por África del Norte, con el azar y la imprecisión como únicas brújulas.

El joven y refinado matrimonio de Nueva York, formado por Port y Kit Moresby, desembarca con la intención de viajar al desierto norteafricano acompañados de su amigo Tunner. Bajo el desconocido e impresionante paisaje que los rodea se esconden los peligros de una cultura que les resulta  completamente ajena y un hostil entorno natural. Poco a poco, ambas cosas los conducen hasta los límites de la crueldad y la razón. La novela conlleva una fuerte carga idiosincrásica, anarquista, existencial, corrosiva y nihilista.

El escritor Tennessee Williams, escribió en The New York Times Book Review, en el mismo año de la publicación del libro, que: “En su aspecto externo, la novela es la narración de una asombrosa aventura. En su aspecto interno, es una alegoría de la aventura espiritual del hombre plenamente consciente de la vida moderna”. El cielo protector es la obra más aclamada de Paul Bowles y una de las cumbres de la literatura del siglo XX.

THE SHELTERING SKY (FOTO 2)

Su anécdota autobiográfica trata en realidad de las vidas paralelas, distantes y difíciles del propio matrimonio Bowles, Jane y Paul, una pareja elegante y exitosa (Jane ya había publicado Two Serious LadiesDos damas muy serias) que vivió en una era en la que la literatura también era una aventura y quienes buscaron la libertad total en nuevos escenarios.

Instalados en Tánger (desde 1947), a la que transformaron en una ciudad internacional por la que medio mundo intelectual pasó, se convirtieron en epicentro del peregrinaje al exotismo de innumerables personajes y Paul en una leyenda para una triada de generaciones literarias y musicales: la Perdida y la Beat, entre las primeras, y la del rock clásico y psicodélico, en las segundas.

Por aquella ciudad, que hicieron suya en sus años dorados en los que resonaban los anhelos bohemios y cosmopolitas, circularon en un listado inacabable los nombres de Truman Capote, Tennesse Williams, Gore Vidal, Virginia Woolf, William S. Burroughs, Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Gregory Corso, Jimi Hendrix, Matisse, Cecil Beaton, los Rolling Stones, Timothy Leary, Ornette Coleman, Roland Barthes, Samuel Beckett, Jean Genet, Gertrude Stein o Marguerite Yourcenar, entre otros muchos. Los Bowles le abrieron a todos un mundo distinto y le imprimieron carácter: “Tánger es la ciudad de un sueño”, dijo Paul.

A la postre, la locura en la que se sumió la vida de Jane (demasiados excesos y promiscuidades) en aquella geografía, y que la condujo a la depresión y a la muerte (en 1973), se marcó como una sombra en la vida del escritor.

Luego del fallecimiento, el autor se fue apagando en medio de la melancolía, en una especie de desdén por la vida alrededor, del que lo sacaban la música y algunos amigos. Hasta que llegó el momento en que dejó de escribir porque según dijo “ya no le quedaban ideas”. Y canalizó sus restos de energía a la traducción de autores marroquís, hasta su fallecimiento en 1999.

Por otra parte, los estudios dedicados por Bowles a la música africana influyeron en su propia producción y en correspondencia él  trató de rescatar algunas de sus tradiciones musicales. A lo largo de los años Bowles grabó aunque fuera rudimentariamente los acercamientos a esta música. El motivo para llevar a cabo las grabaciones fue su temor a que estos fascinantes sonidos derivados de la vida pagana de Marruecos –sobre todo– pudieran perderse.

Y tuvo razón. El cazador cultural en la actualidad buscará en vano los cantos rituales y el acompañamiento con las palmas de las manos que el escritor grabó antaño en una de las últimas bodas tradicionales de la colectividad jilala.

La compañía disquera Sub Rosa sacó a la luz en 1990 parte de las joyas musicales que Bowles recopiló con el tiempo, en un álbum  titulado Moroccan Trance Music. Además de los rituales jilala, esta antología contiene música de la comunidad gnaova, recogida en ceremonias realizadas para expulsar el mal, con fines terapéuticos y como alabanza a las divinidades primitivas.

Asimismo, Bowles influyó con su música y sus libros a muchos y distintos artistas. Dentro del rock primeramente a Brian Jones, que hizo una labor etnológica semejante a la suya y grabó por aquellos lares The Pipes of Pan at Jajouka. Brian viajó a Yahyuca, con su novia Suki, un ingeniero con diversos  micrófonos y un magnetófono Uher. De guía le sirvió Brion Gysim, amigo de Paul Bowles y gran personaje del mundo underground literario y musical.

El objetivo de Jones era grabar los ritos paganos de aquel pueblo del Rif. Fueron un par días alucinados que generaron unas cintas que, tratadas en Londres, se publicaron, cuando Brian ya había fallecido. Y colocaron en órbita a los músicos de Yahyuca que se convirtieron, en palabras de William Burroughs, “en una banda de rock ‘n’ roll con 4 mil años de edad”.

Pero Bowles también inspiró a Sting, un ávido lector y conocedor musical, con la composición que éste hizo para el disco Synchronicity (1983) de Police, y a la que tituló “Tea in the Sahara”, pieza con la que cierra dicho álbum. Cosa semejante sucedió con el grupo King Crimson y su composición homónima “The Sheltering Sky”, incluida en el álbum Discipline (1981). Al igual sucedió con los mismos Rolling Stones que en su disco de 1989, Steel Wheels, le dedican un tributo con la pieza “Continental Drift”.

Aquella Tánger de mediados del siglo XX fue una ciudad que caló en las mentes de los pintores africanistas, de los estetas del orientalismo, de los músicos de diferentes épocas, así como en los escritores que buscaron en su laberinto algo diferente. Pero, ¿qué tenía Tánger que la hizo única? Que era una ciudad que parecía un escenario nacido de la literatura. De la de Bowles, por supuesto.

VIDEO: The Sheltering Sky – Goulou Limma – Ryuichi Sakamoto, YouTube (Maria Christodoulou)

 

THE SHELTERING SKY (FOTO 3)

 

 

 

 

 

 

 

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BABEL XXI – SINOPSIS (45)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (221-225)

SINOPSIS-45 (FOTO 2)

 BXXI-221 RUNAWAY

A los primeros productores de Del Shannon lo que los atrajo fue su canto (con un timbre de voz y falsete inconfundibles) y su estilo compositivo. Decidieron grabarlo. De tal manera apareció el tema “Runaway”, que lo daría a conocer en toda la Unión Americana y en el resto del mundo. Dicha pieza lo popularizó por su temática (el desamor y el abandono), pero también por la voz de Shannon que desprendía emoción y sinceridad, circunstancias que aparecerían siempre y a partir de entonces en todas sus creaciones. Asimismo, la canción destacó por el uso que hizo Max Crook (el tecladista) del Musitrón, que se convertiría en el primer sintetizador de la historia en ser utilizado dentro de una grabación del rock.

VIDEO SUGERIDO: Del Shannon *RUN AWAY*, YouTube (Eve Reine)

 

SINOPSIS-45 (FOTO 3)

 BXXI-222 NNENNA FREELON

Nnenna Freelon pertenece a esa nueva generación de mujeres afroamericanas que tuvo en la primera dama estadounidense de la misma ascendencia a su representante más visible. Son mujeres elegantes, distinguidas y, sobre todo, educadas, cultas y con un interés real y profundo por el bienestar social de la comunidad. Y si la Casa Blanca ha tenido a Michelle Obama, el jazz hace lo propio con Nnenna Freelon, cantante, compositora, arreglista y productora, surgida del gospel y del soul de su natal Massachusetts. Nacida en tal estado fue material humano de aquella tradición, pero también creció con los catálogos contemporáneos. Es una intérprete de Duke Ellington y de Thelonious Monk al igual que de Burt Bacharach.

VIDEO SUGERIDO: If I Had You – Nnenna Freelon, YouTube (Touche Turtle)

SINOPSIS-45 (FOTO 4)

BXXI-223 1959

Hay un afán obsesivo que aúna a los rocanroleros que dejan de serlo con los que siempre han estado en contra del rock: darlo por muerto, una y otra vez, como al mundo. Todos éstos además de renegar de tal música la quieren enterrar. El rock, por su inherente razón de ser, se evade de lo acostumbrado y mantiene en forma constante las innovaciones (no en balde sus 70 años de existencia), y tan pronto como éstas se vuelven comunes por el uso y abuso, va separándose de ellas con nuevos distanciamientos, al igual que el proceso social, bajo distinto signo aunque con el mismo nombre: rock, a pesar de que algunos despistados lo “acaben” una y otra vez, como al mundo. El rock, como el Ave Fénix, no muere, siempre resurge de entre sus cenizas con un nuevo plumaje.

 

VIDEO SUGERIDO: Ray Charles – What’d  I Say LIVE, YouTube (funkyfrog51)

SINOPSIS-45 (FOTO 5)

BXXI-224 WOODY GUTHRIE

El cantautor estadounidense Woody Guthrie murió en octubre de 1967, pero su legado dentro de la música popular y dentro del rock, en específico, ha permanecido tan fresco como el primer momento en que Bob Dylan lo presentó a una nueva generación, con versiones de sus cantos. Y ésta supo que el nuevo rock ahora era posible porque Guthrie había sabido llegarle a la gente con la música, hablándole de sus problemas, de sus esperanzas y de sus luchas. Desde entonces la lista de quienes le han rendido tributo no ha parado de crecer: Byrds, Donovan, Bruce Springsteen, U2, Klezmatics, Wilco, Anti-Flag, Meat Puppets, Lou Reed, etcétera. Guthrie entró en el Salón de la Fama del Rock en 1988.

VIDEO SUGERIDO: Woody Guthrie – All You Fascists Bound To Lose, YouTube (UnAmericanBandstand)

SINOPSIS-45 (FOTO 6)

BXXI-225 SERGE GAINSBOURG

 

Serge Gainsbourg ocupará un lugar en la historia del siglo XX como un artista ejemplar. Incursionó en la pintura, la literatura, la arquitectura, el grabado, e hizo publicidad, cine como actor y director, videoclips, en fin, todo lo que el siglo XX consideró su propia cultura. Y en ella destacó sobremanera en la música. Compositor e intérprete de sus creaciones en el jazz, la chanson y el rock. De este último dijo que era la columna vertebral de la época y lo demostró acostumbrando a su pueblo, el francés, a todos los sonidos. Sus canciones, de estilo íntimo y sensual, fueron muy apreciadas e incluidas en los repertorios de muchas personalidades, pero mayormente en el de quienes lo amaron: Jane Birkin, Brigitte Bardot, Juliette Gréco y Françoise Hardy, entre otras.

 

VIDEO SUGERIDO: BRIGITTE BARDOT & SERGE GAINSBOURG – JE T’AIME, YouTube (carlos palma)

 

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BABEL XXI – SINOPSIS (44)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (216-220)

SINOPSIS 44 (FOTO 2)BXXI- 216 MASAAKI HIRAO

Para hablar del J-Rock, como hoy se le denomina al género surgido por aquellas praderas del Sol Naciente, hay que remontarse a los años 50 del siglo XX cuando comenzaron las influencias occidentales llegadas de la Unión Americana con el rockabilly al frente, primordialmente. Los principales exponentes de este estilo como Masaaki Hirao y sus colegas Mickey Curtis y Keijiro Yamashita, a quienes pronto se agregaría Kyu Sakamoto, al contar con la aprobación de los novedosos estratos adolescentes, incluyendo a los estudiantes universitarios que exigían cambios modernizadores en el país, consiguieron el reconocimiento popular incluso traspasando las fronteras niponas.

VIDEO SUGERIDO: 01 – JAPAN OLD ROCK’N’ROLL 1956 – 78 RPM, YouTube (sevennightsrock)

SINOPSIS 44 (FOTO 3)

BXXI-217 RUBBER SOUL

Las innovaciones técnicas y el aprovechamiento de los procesos mecánicos fueron características del siglo XX, manifiestas en todas las artes reproductivas, del grabado a la serigrafía, del cartel y el comic a la publicidad y a la fotografía. Las artes gráficas cobraron un poder y una fuerza que derivaban del culto a la imagen como una forma non plus ultra de comunicación. Las obras creadas así, fueron propuestas de preceptos. Formas de conocimiento sobre la recepción y la retención de sensaciones que  arrojaron siempre luces distintas sobre el arte. Fueron, en resumen, el signo del estilo. Determinado como una de las artes menores, el diseño gráfico de los álbumes L.P., surgió en la década de los sesenta con la portada del disco Rubber Soul de los Beatles.

VIDEO SUGERIDO: The Beatles – Michelle, YouTube (II Ribelle)

SINOPSIS 44 (FOTO 4)

BXXI-218 PAGE & PLANT

El rock, como música y prioritariamente como cultura, siempre ha buscado la oportunidad y también el motivo para manifestar su selección de influencias. En el caso de los ingleses, éstos han sentido –desde los años sesenta del siglo XX– especial apego a todo lo indio y árabe por la misma causa por la cual los rocanroleros estadounidenses se sienten ligados a la música negra. De esta manera, y continuando la línea establecida antaño, los rocanroleros británicos como en el caso particular del Robert Plant y el Jimmy Page de los años noventa, buscaban un ideal primitivo que se remontara más allá de la historia, más allá de los registros, más allá incluso de la transmisión oral, hasta los cimientos de la Tierra. El resultado, un disco fantástico: No Quarter.

VIDEO SUGERIDO: Page & Plant. Battle of Evermore. A True unplugged, YouTube (viktapia)

SINOPSIS 44 (FOTO 5)

BXXI-219 ROY LICHTENSTEIN

El pintor neoyorquino Roy Lichtenstein a mediados de los años sesenta pasó de la perspectiva de las mujeres como extensiones del mobiliario doméstico, a las que había representado en sus cuadros, al de seres que sentían, pensaban y creaban su imagen moderna. Su guía francesa le habló del nuevo sentir de las jóvenes de su país, quienes se manifestaban así en contra de la solemnidad feminista de una izquierda dogmática (con la figura de Simone de Beauvoir) y una derecha anquilosada en las tradiciones, las cuales permearon el periodo de crisis de la posguerra. Emuló entonces las sensaciones que la música del momento le producía, para ordenar de una forma única y representativa los elementos visuales de la cultura contemporánea.

VIDEO SUGERIDO: SYLVIE VARTAN “si je chante” 1964, YouTube (5249candice)

SINOPSIS 44 (FOTO 6)

BXXI-220 METRONOMY

La historia de un grupo como Metronomy no comenzó a fines del siglo XX como lo puede indicar cualquier monografía sobre él. No. Su esencia, su origen ontológico es otro, uno que evoca tiempos idos y, antes que nada, la primigenia idea de la exclusividad para los momentos recreativos, como el privilegio de disfrutar de un ocaso, por ejemplo. Tal idea llevó a la integración de un cuarteto (tras haber trabajado como solista con dos obras anteriores), formación que comenzó a laborar en la que sería la nueva propuesta de Joseph Mount, el líder fundador y compositor del grupo. Algo distinto y en lo que se había concentrado casi tres años: The English Riviera. Una vuelta espiritual a sus orígenes como turista. Cuando ese concepto era valioso.

VIDEO SUGERIDO: Metronomy – She Wants (Music Video), YouTube (Metronomy)

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

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ÁLBUMES SUPREMOS-4 (AÑOS 80’s)

Por SERGIO MONSALVO C.

ÁLBUMES SUPREMOS (FOTO 1)

 Hay discos que jamás dejan de llamar la atención. ¿Por qué? Porque son clásicos. Pero ¿qué es lo que los convierte en clásicos? En el mundo grecolatino, durante la época de Sófocles, el término “clásico” se utilizó para designar a las personalidades de primera clase, es decir, a los miembros más sobresalientes de la cultura.

En el campo que nos convoca, la música, el rock fundamentalmente, posee por supuesto su material clásico, y éste en primera instancia no es lo incomprensible, sino lo misterioso disfrutable. Es aquello con lo que se puede deleitar (individual o colectivamente) toda la vida; lo que continúa conmoviendo y sorprendiendo; es aquello que es imposible hacer mejor (en su momento y circunstancia).

En el arte, cualquier arte, lo clásico resulta fascinante porque contiene un secreto, tanto para sí mismo como para quien lo contempla o escucha, y se mantiene vivo porque dicha fascinación prodigiosa envuelve siempre, sin faltar, y esa poética se verá legitimada constantemente por sus principales avales: valor y tiempo.

AÑOS 80’s*

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 2)

 1.- Police (Zenyatta Mondatta, A&M, 1980)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 3)

 2.- Depeche Mode (Music for the Masses, Mute, 1987)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 4)

 3.- Pixies (Surfer Rosa, 4AD, 1988)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 5)

 4.- Tom Waits (Rain Dogs, Island Records, 1985)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 6)

 5.- The Smiths (The Queen is Death, Rough Trade,1986)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 7)

 6.- U2 (Joshua Tree, Island Records, 1987)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 8)

 7.- Prince (Sign of the Times, Paisley Park, 1987)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 9)

 8.- Guns’n’Roses (Appetite for Destruction, Geffen Records, 1987)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 10)

 9.- R.E.M. (Document, I.R.S. Records, 1987)

 

ÁLBUMES SUPREMOS 80'S (FOTO 11)

10.- The Cure (Desintegration, Fiction Records, 1989)

 

 

 

 

 

 

*Lista definitivamente subjetiva, como todas las listas.

ÁLBUMES SUPREMOS (REMATE)

BABEL XXI – SINOPSIS (43)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (211-215)

SINOPSIS 43 (FOTO 2)

 BXXI-211 THE TRAVELING WILBURYS

The Traveling Wilburys hicieron canciones de amor entre el deseo y la frustración, citas de sí mismos presentadas con cierta sonrisa y todo tipo de juegos con la guitarra. Muchos son los puntos destacados de sus discos ricos en material (¡rock & roll de raíces!). Lo seguro es que el proyecto en su origen había considerado una continuación; sin embargo, luego tuvo que ser  como cuarteto sin otro guitarrista invitado de la misma categoría y, finalmente, desapareció cuando se redujo a trío, ya que Roy Orbison falleció a fines del mismo año de la aparición del Volume 1, dejando este disco como un testamento musical. La muerte de George Harrison en el 2001, a su vez, acabó con la posibilidad de supervivencia del grupo, tras el Volume 3 (Tom Petty moriría a la postre en el 2017).

 

VIDEO SUGERIDO: Traveling Wilburys – Inside Out, YouTube (TravelingWilburys)

SINOPSIS 43 (FOTO 3)

BXXI-212 LOS LOBOS

Hace más de 30 años publiqué el libro La canción del inmigrante (Tinta Negra Editores‑As de Corazones Rotos, 1989). En él busqué abarcar parte de la historia de los México-estadounidenses (chicanos), de su cultura y del rock surgido de la raza de aquellos lares, desde los antecedentes más remotos (Aztlán, en el origen) hasta llegar al grupo que ha retratado social y musicalmente –del huapango y otros estilos tradicionales al rock duro y viceversa– la forma más pura del ser chicano: Los Lobos. En el libro desarrollé su cronología artística iniciando con su formación en la highschool californiana hasta el lanzamiento del álbum La pistola y el corazón (1988). A partir de ahí con tales músicos siguieron sucediendo cosas; y las más de ellas, notables.

VIDEO SUGERIDO: Los Lobos – Good Morning Aztlan, YouTube (1016vortex)

SINOPSIS 43 (FOTO 4)

BXXI-213 HOUND DOG TAYLOR

Bruce Iglauer es el arquetipo del hombre apasionado del blues y al mismo tiempo del hombre hecho a sí mismo, al estilo de la Unión Americana. Creó la compañía Alligator Records, en 1971, con el único fin de darse el placer de producir un solo álbum, el de su artista preferido del South Side (el ghetto negro) de Chicago: Hound Dog Taylor & The House Rockers. En vista del éxito obtenido con él, amplió sus ambiciones y reinvirtió las ganancias de cada disco en el siguiente. Trabajaba solo en un pequeño local y él mismo se encargaba de hacer la ronda por las estaciones de radio, las distribuidoras y los vendedores al menudeo entre Chicago y Nueva York. Así creció y se ganó una reputación. En pocos años se convirtió en la marca más importante del blues.

VIDEO SUGERIDO: Hound Dog Taylor – Hideaway, YouTube (LOLLYPOPPE)

SINOPSIS 43 (FOTO 5)

BXXI-214 ANTON CORBIJN

Las imágenes de Anton Corbijn, tanto fijas como en movimiento creadas a lo largo de casi cuatro décadas –de Art of Noise a Tom Waits en decenas de videos o fotos– y que incluyen varios largometrajes laureados: Control (biopic de Ian Curtis), The American (con George Clooney), A Most Wanted Man (con Philip Seymour Hoffman) o Life (pasajes de la vida de James Dean), le han conferido el título de “Maestro del arte oscuro” en tres diferentes medios que se caracterizan, además, por sus miles de oficiantes en competencia. Pero, ¿qué es lo que convierte a Corbijn en maestro tanto videoasta (con grandes ejemplos con Depeche Mode, U2 o Nirvana), como fotógrafo (lo mismo retratista –no sólo de músicos sino también de otras áreas— que como hacedor de portadas de discos o cinematográfico? Aquí lo diré.

VIDEO SUGERIDO: Coldplay – Viva La Vida (Anton Corbijn Version), YouTube (Coldplay Official)

SINOPSIS 43 (FOTO 6)

BXXI-215 COLE PORTER

El fuerte del compositor Cole Porter radicaba en las canciones individuales, perturbadoras y glamurosas con ritmos frágiles y animados, la mayoría de las veces con textos de doble sentido que las volvían controversiales y siempre dispuestas a escandalizar a la recatada audiencia burguesa. John Carlin, abogado neoyorquino que trabaja para el bufete encargado de administrar el legado musical de Porter, tuvo la idea de rendirle un homenaje al importante creador de aquellos temas en el aniversario de los cien años de su nacimiento y, al mismo tiempo, brindar apoyo a las instituciones mundiales que investigan las causas del SIDA y asisten a los enfermos de dicho mal. Para ello ideó el proyecto Red, Hot and Blue que cumple 30 años y 15 álbumes en su haber.

VIDEO SUGERIDO: So in love – k.d. lang, YouTube (cloud74buster)

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

Roberto Hernández C.

Horario de trasmisión:

Todos los martes a las 18:00 hrs.

Por el 1060 de AM

96.5 de FM

Online por Spotify

Radio Educación,

Ciudad de México

Página online:

http://www.babelxxi.com/

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BABEL XXI – SINOPSIS (42)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (206-210)

SINOPSIS 42 (FOTO 2)

 BXXI-206 YE-YÉ

Debido a la explosión del rock británico durante la década de los sesenta, las producciones de las regiones anglosajonas (incluyendo la estadounidense, por supuesto) produjeron un gran eco e hicieron más ruido que lo ejecutado en otras partes del planeta, como en Francia, por ejemplo. Cuando por fin, con un lustro de retraso, la prensa especializada y los medios de comunicación internacionales se fijaron en el moderno movimiento musical de ese país, surgieron a la luz infinidad de nombres que habían dado lugar a corrientes originales como la del Ye-Yé, por ejemplo. El origen de todo el fenómeno fue la nueva juventud francesa, preponderantemente femenina, que se encontró frente a un espejo en que se podía ver reflejada.

 

VIDEO SUGERIDO: Sylvie Vartan – Le locomotion, YouTube (merliños merlos)

 

 

SINOPSIS 42 (FOTO 3)

 BXXI-207 JOHNNY RIVERS

Este es el perfil de un dios que fue único y diferente dentro de la escena del rock. Se forjó a sí mismo; vivió en los vértices del triángulo geográfico  fundamental del género (Nueva York, Luisiana, California); creó un sonido particular; una coreografía para sus presentaciones, cuya estética prevalece hasta nuestros días en diversos ámbitos de la cultura popular. Se atrevió a hacer convivir géneros que parecían antagónicos; vendió más de 30 millones de discos en su momento; su nombre prevaleció durante toda una década en las listas de popularidad y, sin embargo, es un personaje “olvidado” oficialmente por los historiadores a pesar de sus comprobables y numerosos merecimientos. Su nombre: Johnny Rivers, aún vive y continúa tocando.

VIDEO SUGERIDO: Johnny Rivers – “Maybelline”, YouTube (NRRArchives2)

SINOPSIS 42 (FOTO 4)

BXXI-208 BILLIE HOLIDAY (I)

Billie Holiday nació el 7 de abril de 1915, y continúa siendo el punto de referencia cuando se trata del canto en el jazz. El romance, la melancolía, la desesperación: “Lady Day” (su sobrenombre) supo abarcar como nadie más toda la escala de los sentimientos humanos. Su vida, en la que la música y los hombres, la bebida y las drogas lucharon por ocupar el primer lugar, parece la trama de una película dramática (que por cierto se hizo basándose en ella, pero sin su talento). Pero la verdadera Lady, la que metió el blues en todas sus canciones está en los discos, en su magnífico legado. Ahí está Billie Holiday en toda su gloria y triste esplendor. Con músicos selectos en circunstancias no siempre ideales. Celebrémosla así.

VIDEO SUGERIDO: Billie Holiday, Lady Sings the Blues, YouTube (Window Into My Soul)

SINOPSIS 42 (FOTO 5)

BXXI-209 BILLIE HOLIDAY (II)

Las prácticas con la remezcla del jazz electrónico han creado un desdoblamiento musical constante, el cual permite una reescritura permanente en tal sentido, interminable y polifónica. De esta forma los territorios de Billie Holiday y los nuevos productores se diferencian y se asemejan en una imaginería que se despliega con una producción rica, intrincada y elástica. El instrumento del remix (que cuenta con la magia de poner a cantar o tocar a los vivos con los muertos; o a los lejanos en el tiempo y el espacio), así como el infinito poder de la imaginación, es el credo primigenio de estos hacedores, apoyado por la tecnología electrónica para innovar e improvisar con el pretexto de homenajear a la gran voz del jazz.

VIDEO SUGERIDO: Billie Holiday – He Ain’t got Rhythm (Poppyseed Remix), YouTube (ruffnecky3)

SINOPSIS 42 (FOTO 6)

BXXI- 210 GARBAGE

La onda póetica expansiva iniciada por Charles Baudelaire y continuada por A.R. Ammons, tiene en el grupo Garbage a su soundtrack más representativo de los tiempos que vivimos: un sumidero en la acumulación de restos y desperdicios de toda índole, en donde la vida se ha visto degradada por el perverso devenir del mundo. Garbage (con tres  músicos y productores estadounidenses y una cantante escocesa) es uno de los mejores grupos emergidos de los años noventa que continúa con vida y sorprendiendo con cada nuevo trabajo, para el que se toman todo el tiempo requerido, principalmente porque sus textos deben describir las situaciones desesperadas a las que ha llegado el estercolero contemporáneo.

VIDEO SUGERIDO: Garbage – Run Baby Run (Official Video), YouTube (Garbage Music Videos)

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

Roberto Hernández C.

Horario de trasmisión:

Todos los martes a las 18:00 hrs.

Por el 1060 de AM

96.5 de FM

Online por Spotify

Radio Educación,

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