EL BEAT DE LA IDENTIDAD

Por SERGIO MONSALVO C.

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(1973)

En 1973 comenzó el escándalo Watergate en los Estados Unidos, mismo que terminaría con la renuncia de Richard Nixon a la presidencia.

Un golpe militar encabezado por Augusto Pinochet derrocó, en Chile, al gobierno democráticamente elegido de Salvador Allende, quien murió durante el hecho.

En uno de los actos más absurdos de la historia, Henry Kissinger recibió el Premio Nobel de la Paz.

En 1973, exuberancia y ambientes siniestros son los que proyecta con su música Thin Lizzy, un grupo dublinés que arrasó de la noche a la mañana con el mercado de los sencillos en Inglaterra. Conducidos por el bajista y cantante Phil Lynott, se convirtieron en una de las agrupaciones más importantes de la Gran Bretaña.

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Por esta época, Status Quo decidió llevar a cabo un cambio radical, tanto en su imagen como en su música, sustituyendo sus atuendos mod por los omnipresentes jeans, el pelo largo y las canciones de boogie desatado. La industria discográfica los rescató del olvido y de la nada su convirtieron en banda representativa de los festivales ingleses.

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Queen fue un grupo que se formó a partir de los restos de Smile, con Brian May y Roger Meadows. Éstos reclutaron al cantante y diseñador de modas Freddie Mercury y al bajista John Beacon. Se apuntaron en el glam rock, pero abarcando el heavy metal con mucha sutileza. Lograron captar a los grandes públicos con su estilo vocal y ambiguas actitudes en el escenario.

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Grand Funk Railroad fue el arquetipo de los grupos de heavy metal de la Unión Americana durante esta época. Lidereado por el guitarrista Mark Farner, este trío oriundo de Michigan se erigió en representante del llamado “white noise”. Una banda explosiva y populista que se mantuvo en el candelero hasta finales de la década, cuando desaparecieron del mapa luego de vender millones de discos.

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1973 fue un año flojo para el rock, especialmente en los Estados Unidos, donde se llevaba a cabo un atracón de autosuficiencia. No así en la Gran Bretaña, donde la escena continuaba sacando buenos grupos. Una combinación muy afortunada, con David Bowie como productor y la lírica del ex Velvet Underground Lou Reed, dio a luz uno de los discos más importantes del rock de todos los tiempos: Transformer. Con él, Reed se confirmó como uno de los poetas más significativos del género y con una repercusión que aún permanece vigente.

VIDEO SUGERIDO: Lou Reed – Walk On the Wild Side (Live), YouTube (yosh95wilde)

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PUNK / 3

Por  SERGIO MONSALVO C.

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 LA FURIA REFERENCIAL

Llegó 1975. Les tocó portada en las revistas especializadas a Paul McCartney, Led Zeppelin, Santana y otros tantos símbolos con los que una nueva generación se había dejado de identificar. El grupo Doctor Feelgood tuvo un éxito, “Back in the Night”, un boogie danzante, el título más efímero de su repertorio. La monarquía no tembló. Sin embargo, la estética del rock volvió a sus principios. El pub rock representado por este grupo fue ganando adeptos. Regresaron las piezas cortas, la energía y muy pronto la subversión total.

Finalmente, en 1976-1977, en las grandes metrópolis, toda una generación explotó, como una fuerza retenida por demasiado tiempo: los punks metieron sus problemas cotidianos en la música. El sonido de la ciudad, un lugar de violencia y energía pura, les sirvió de inspiración.

Descartaron por estériles muchos instrumentos por ser los atavíos elitistas del profesionalismo y del culto a la técnica. Y sólo con la guitarra, el bajo y la batería se volvieron hacia el sonido más adecuado para expresar ira y frustración, para enfocar el caos, dramatizar la vida cotidiana y compendiar todas las emociones en la angosta brecha comprendida entre una mirada fija y vacía y la sonrisa burlona.

El guitarrista produjo entonces una línea de fuego para cubrir al cantante, mientras que la sección rítmica los enclaustraba a ambos en una cabina de baja presión y, en respuesta a lo que se percibía como el congelamiento total y final del mundo moderno, la música mostró su versión de ello.

Fue en Nueva York donde nació el punk, y eso no hay que olvidarlo. Desde la Urbe de Hierro llegó Patti Smith con su poesía alucinatoria y visceral, inspirada por igual en los beats, los simbolistas franceses y los Rolling Stones. Procedía de una tradición de poetas, artistas y bohemios y siempre trató de tender un puente entre la literatura y el rock.

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Esta tradición tuvo comienzo con los beatniks y se desarrolló por medio de folkies como Bob Dylan, cantautores como Leonard Cohen y el expresionismo del Velvet Underground, hasta la llegada de Patti a la cabeza de su grupo. Sus letras mezclaban oscura poesía mística y visionaria, imaginería sexual y política populista, y las interpretaba con una voz rasposa que contenía más furia y abandono de los que cualquier rocanrolera se hubiera atrevido a manifestar jamás.

Plagada de referencias a Arthur Rimbaud y a MC5, uno de los raros grupos “revolucionarios” de la Unión Americana, brotó su primera obra, Horses. En su funda en blanco y negro giraban el tono y el espíritu del punk neoyorkino. En él estaba contenido el Velvet Underground y los devastadores Stooges. Letras y música que asombraban a una nueva generación.

Los efectos de la explosión punk se multiplicaron polarizándose y dando la bienvenida a otras voces, sonidos e ideas. Nueva York contribuyó, además, con el fuego de grupos como Television, quienes con el transcurrir de su desarrollo hicieron olvidar las definiciones genéricas hasta convertirse en bandas de características abiertas.

Television poseía un estilo distintivo provocado por el entrelazamiento de las guitarras y voces de Tom Verlaine, Richard Lloyd y Richard Hell. El grupo tuvo su centro de operaciones en el club CBGB’s donde fue el primero en tocar y darle fama al lugar. En 1977 lanzaron el álbum Marquee Moon —hoy clásico— que enfatizaba el trabajo de ambos guitarristas y compositores comprometidos entre el punk, la New wave y el art-rock.

VIDEO SUGERIDO: Television – Marquee Moon, YouTube (SpaceOdyssee0)

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PUNK (REMATE)

EL BEAT DE LA IDENTIDAD

Por SERGIO MONSALVO C.

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PULSOR 4×4/19

(1972)

En 1972, en Londonberry, Irlanda, 13 civiles resultaron muertos por los disparos de los soldados ingleses durante lo que se dio en llamar el “Domingo Sangriento” (Bloody Sunday).

Las últimas tropas estadounidenses abandonaron Vietnam.

Terroristas palestinos mataron a miembros del equipo olímpico israelí.

En 1972, luego de tres años de intentarlo, el grupo Genesis, de tendencia progresiva, logró que sus teatrales puestas en escena y su característico material les ganaran una devota audiencia. Sin embargo, con el éxito también llegó la separación de su cantante principal Peter Gabriel. Esta crisis fue superada cuando el baterista Phil Collins se reveló como un buen sustituto, luego de que más de 400 aspirantes no consiguieron pasar la prueba.

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Vincent Furnier formó su grupo en Phoenix, Arizona, y tras diversos cambios de nombre se decidió por el de Alice Cooper, que adoptó también para sí mismo. El grupo estuvo comiendo en casas de asistencia social hasta que en 1969 Frank Zappa, luego de ver su espectáculo, los contrató para su sello discográfico. No obstante, sus primeros álbumes fueron sonados fracasos. Desapareció del mapa para resucitar en Detroit un año después. Los éxitos comenzaron a llegar, culminando con “School’s Out” en el primer lugar de las listas.

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Los puntales de Steely Dan eran más intelectuales que teatrales, y se anotaron éxitos notables como “Ricky, Don’t Lose That Number” y “Do It Again”. El sofisticado sonido del que hacían gala, instrumentalmente perfecto y oscuro en cuanto a sus letras, hizo de ellos el grupo preferido de los escuchas con inclinaciones intelectuales, pero a mediados de la década sus principales animadores, Donald Fagen y Walter Becker, decidieron permitirse el lujo de no actuar en vivo. Esto no afectó para nada sus ventas.

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Dos exmiembros de Steely Dan decidieron compartir su suerte con los Dooby Brothers, que también aparecieron en 1972 con el sencillo “Black Water”. A pesar de los numerosos cambios de personal y de su relativo anonimato individual, los Dooby consiguieron pulir su estilo e incrementar su audiencia, llegando a vender un total de 30 millones de discos a lo largo de su historia.

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1972 marcó sobremanera la excelsitud interpretativa y el virtuosismo instrumental. Fue la época en que el llamado “Slowhand”, Eric Clapton, tras la máscara de Derek and The Dominos, disfrutó de un buen momento en medio de una tragedia romántica. Clapton tuvo a bien acercar a su grupo al guitarrista Duane Allman, de los Allman Brothers, para grabar un tema que se convertiría en inmortal: “Layla”. Tras la realización del álbum, Duane Allman murió en un accidente de motocicleta y el rock se quedó sin una de sus estrellas más promisorias.

VIDEO SUGERIDO: Layla – Derek and The Dominos, YouTube (shippenthusiast)

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EL BEAT DE LA IDENTIDAD/18

Por SERGIO MONSALVO C.

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(1971)

En 1971, un golpe de Estado entronizó en Uganda al general Idi Amín, de infausta memoria.

La Gran Bretaña adoptó el sistema decimal para su moneda. Como siempre los ingleses llegando tarde.

En tal año estalló la guerra entre la India y Pakistán. Bangla Desh obtuvo su independencia.

En 1971, los integrantes del grupo Yes, superando el desánimo general por la segunda crisis del rock tras la muerte de varios de sus representantes y la reciente de Jim Morrison, lograron finalmente el reconocimiento con The Yes Album. Rick Wakeman, Jon Anderson y Steve Howe se abrieron un camino que aún no llega a su fin. Las portadas de sus discos se vuelven modelo a seguir.

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Carole King empezó en los años cincuenta como autora de canciones formando equipo con su marido Gerry Goffin. Grabó algunos temas sin éxito en los sesenta, pero en 1971 volvió a entrar a los estudios y obtuvo un disco de oro con el sencillo “It’s Too Late”. Su álbum, Tapestry, vendió más de 13 millones de copias y se mantuvo seis años en las listas de popularidad. El fenómeno dio auge a la corriente del cantautor.

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Elton John pasó por el grupo de Long John Baldry y de Bluesology como parte de su aprendizaje. Para poder sobrevivir se dedicó a acompañar a las estrellas del soul norteamericano que visitaban Inglaterra. También se puso a componer por encargo. De ahí su asociación con el letrista Bernie Taupin, la cual se mostró muy productiva. Elton reveló luego sus talentos como cantante y pianista, y desde 1971 pocos dudan que sea una de las mayores estrellas del pop que haya habido hasta el momento (hoy en proceso de retiro y con un biopic como testimonio de vida). Su excentricidad es legendaria.

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Musicalmente, con 1971 llegó la segunda gran crisis de la historia del rock; ejemplo de ello fue la existencia de los Osmond Brothers, que dieron lugar a una inanimada y antiséptica escena musical. No obstante, había artistas que se rebelaban contra ello; uno de éstos fue Rod Stewart, quien era miembro del grupo de los Faces, pero no podía negarse que los álbumes que realizaba como solista eran superiores a los del grupo. “Maggie Mae” fue el sencillo que lo catapultó a la fama.

VIDEO SUGERIDO: Yes – A Venture – The Yes Album (1971), YouTube (Anglerfish Deepcuts)

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GARAGE/31

Por SERGIO MONSALVO C.

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 THE KNACK Y CÓMO LOGRARLO

A finales de los años setenta, el power pop se convirtió en una vena importante para el rock de garage con grupos como Plimsouls, The Romantics o The Knack, entre otros. El término para esta corriente fue utilizado por Pete Townshend en los sesenta para definir la música que hacían los Who y algunos compañeros de la Ola Inglesa.

Quizá el grupo más representativo del power pop entre décadas fue The Knack, el cual se formó en Los Ángeles, California,  y cuyos integrantes sacaron el nombre para la banda de una película de Richard Lester —el mismo de A Hard’s Day Night y Help de los Beatles— y la estética en sonido y look del new wave brit de los setenta.

Las influencias primordiales de The Knack fueron los Rasperries, los Who y los Kinks. Su sonido fresco y directo, aunado a una lírica inspirada, riffs intensos, melodías pagadizas, ritmos vibrantes, armonías vocales y estribillos contagiosos, les abrieron el camino al éxito y a las listas de popularidad de ambos lados del Atlántico.

En 1979 al grupo se lo disputaron varias compañías, pero Capitol Records fue quien lanzó al mercado Get The Knack, su álbum debut. El disco fue producido por Mike Chapman y fue grabado en el corto lapso de 10 días. En él, la banda reveló un apreciable talento compositivo que los inscribió en la historia del rock por temas que se volvieron clásicos.

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“My Sharona” es quizá su tema más conocido y representativo del power pop de la época. Comienza con una musculosa intervención de la sección rítmica, de marcada pulsión sexual, para dar paso a un riff característico, incisivo, a un implacable ritmo y a un solo de guitarra memorable. La ansiosa voz pone la cereza en el lascivo pastel musical.

Sin embargo, “My Sharona” no fue su único tema trascendente en aquella primera década de existencia (se disolvieron en 1981). También en su cuenta se pueden enlistar canciones como “That’s what the little girls do”, “Good girls don’t” y “That thing you do”. Los homenajes intrínsecos a sus influencias en ellos son por demás evidentes.

The Knack fue un grupo emblemático de los años ochenta y de la Generación X en particular. Emergente de una sociedad masificada y consumista, que no oculta el rechazo que le produce saberse parte de tal época, ni tampoco de la mediocridad de la que son parte. Fatalismo existencial y  un profundo sentimiento hihilista.

The Knack fue un suculento bocado de la realidad fragmentada. Ira y necesidades musicalizadas que evocaban y presagiaban al mismo tiempo.

VIDEO SUGERIDO: The Knack – My Sharona live, YouTube (satussy)

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Por SERGIO MONSALVO C.

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 LA CUENTA PRIMITIVA

Fue en Nueva York donde nació el punk, en el club CBGB, y de ahí tomó vuelo hacia Inglaterra. Los Ramones fueron los primeros, y al parecer sus slogans también serán los últimos en extinguirse. Ellos solos anunciaron la vuelta del rock de garage (piezas cortas, baladas mínimas), pregonaron el punk (nihilismo, velocidad de ejecución) y sacudieron los cimientos del hardcore.

Su ascendencia es tan vasta que sería imposible pasar por alto su influencia. Con el tiempo se convirtieron en una referencia tal que ya no hay que evocar su sombra; ella lo sigue a uno. Los Ramones son un hecho establecido: encarnan la esencia del rock en bruto. Y por futiles que parezcan, son un asunto serio.

La historia recuerda del mes de agosto de 1974 como el de la renuncia de Nixon a la presidencia de los Estados Unidos. Pero hubo cosas más importantes: el primer concierto de los Ramones en el CBGB’s, en el East Side de Manhattan. Este lugar se convertiría en la plataforma giratoria del punk neoyorquino (Patti Smith, Television, Blondie, etc.).

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Radicaban en Forest Hill, Queens, y el grupo apenas tenía seis meses de existencia cuando se presentaron. Estaban cansados de todo lo que escuchaban entonces. Querían hacer una música que no fuera progresiva; devolver la energía al rock.  Lo salvarían sometiéndolo de nueva cuenta a la única ley que vale: la vuelta hacia el origen.

En enero de 1976, firmaron con la compañía Sire por mediación de su agente Danny Fields, ex mánager de los Stooges, MC5 y del Velvet Underground. Grabaron su primer disco por 6,400 dólares. Se declaró la guerra relámpago. Se olió el cemento, volvió la inhalación directa, no rebasaban los dos minutos por canción (no había solos).

Su audacia fue inverosímil. A partir de ahí las obras siguientes fueron hechas con la misma precipitación, con un sonido igualmente rudimentario y una oscilación entre el candor y la crudeza. En los Estados Unidos se les ignora. Es el tiempo de la música Disco. Inglaterra los comprende mejor. Los futuros miembros de los Sex Pistols, Damned y Clash captan el mensaje: ¡Todos al garage! Son raros los grupos tan incitantes.

“…1, 2, 3, 4”. La cuenta de la creación a través del primitivismo; el invento de la música a través de la velocidad. El asunto es volver al comienzo del rock and roll. Ahí se cae en cuenta que los Ramones no son sólo un grupo, una leyenda o un mito: son un concepto. Y a cada vuelta del tiempo, ese concepto se desdobla en uno semejante.

Como buenos rocanroleros los Ramones abordaron su tiempo con el mito genérico. El rockabilly, la ola inglesa, el surf-rock, los girly groups de Phil Spector, el Velvet Underground, y el proto-punk de MC5, The Stooges y el glam callejero de The New York Dolls y T.Rex.  El choque de la paranoia y el optimismo en canciones monofónicas fun-fun-fun

Los Ramones nunca gritaron “No future”, ni anunciaron el Apocalipsis, pero lo pronosticaron con el mejor humor. Por debajo de su alboroto, los neoyorquinos manejaron el surf-punk como nadie.  “Surfin’ Bird” les bastó para recordarles a yanquis e ingleses el camino para la anarquía.

Los Ramones le devolvieron al rock a su expresión más pura e  insistieron en señalar a los Genesis que había que derribar. Eran unos cruzados sin interés por conquistar un imperio. Claro, su historia se alargó. Fueron veinte años de ebullición rockera antes de fundirse uno a uno como bulbos sobrecargados. El rock es incitación y los Ramones sus fotógrafos.

Los Ramones fueron demasiado duros para rendirse. Nunca cambiaron al rock and roll por una calculadora.

VIDEO SUGERIDO: The Ramones – Blitzkrieg Bop (Live), YouTube (CRFromHell)

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