TALKIN’ BLUES

Por SERGIO MONSALVO C.

BOB MARLEY (FOTO 1)

 (BOB MARLEY & THE WAILERS)

 Sly Stone tuvo razón al preocuparse. Por mucho que su grupo (Sly & The Family Stone) se sublimara para su gira de 1973 por el sudoeste de los Estados Unidos, “If You Want Me to Stay”, simplemente no le hacía sombra al cautivador fuego del reggae encendido por los teloneros con su “Slave Driver” y “Get Up, Stand Up”.

Por lo tanto, tras sólo cuatro conciertos, Sly despidió a Bob Marley and the Wailers de la primera gira intentada por el conjunto jamaicano por los Estados Unidos.

 Talkin’ Blues, un documento pleno de maravillosa intimidad de la capacidad desarrollada por los Wailers a mediados de los años setenta, contiene siete tracks de un concierto transmitido por radio en 1973 (en la estación: KSAN-FM de San Francisco) después de la separación de los Wailers en tal gira con la Family Stone.

El alineamiento incluía a los mejores guerreros del camino de los Wailers: Bob Marley, Peter Tosh, el tecladista Earl “Wire” Lindo, el baterista Carlton Barrett y el bajista Aston “Family Man” Barrett, además del mentor del grupo, Joe Higgs, cuyo acompañamiento en la voz y las congas llenaba el hueco dejado por Bunny Livingston (cuya aversión a los viajes lo retuvo en Kingston).

Todas las selecciones del grupo, con sus nuevos arreglos e intercalándose los comentarios extraídos de una entrevista de 1975 con el propio Marley, resultan toda una revelación.

Nada iguala esta interpretación de Marley en cuanto a despreocupación; su inspirada y melódica intervención cuenta con el contrapunto agresivo de Tosh en una versión inolvidablemente apasionada de “Burnin’ and Lootin'”, en tanto que las congas al estilo de Niyabingi de Higgs entretejen un audaz tatuaje con la aportación de Lindo y el pasaje rítmico de los Barrett en “Rastaman Chant”.

Otros puntos que destacan en estas grabaciones de KSAN son una nueva versión de “Walk the Proud Land” (un relato sobre unos fugitivos rude boys intitulado “Keep On Moving” después de haber aparecido en el L.P. Soul Revolution de 1970) y una mordaz interpretación de “You Can’t Blame the Youth” de Tosh.

Las canciones se intercalan con las reflexiones habladas de Bob acerca de la historia temprana y la desintegración de los Wailers. Es fascinante escuchar el relato de Marley acerca de la evolución de la banda desde un grupo de vocalistas consagrado al ska, con dos cantantes de acompañamiento (Beverly Kelso, Cherry Smith), hasta un conjunto de reggae de verdad.

Asimismo, como sus impresiones tristes acerca de la discreta separación de Livingston (“Bunny tiene otros planes, dice que no quiere hacer giras, puedo aceptarlo”) y los pretextos de Tosh para abandonarlos (“Peter dice:  ‘…es algo financiero’; yo no lo entiendo”).

El resto de las piezas de Talkin’ Blues son grabaciones auxiliares o material inédito de las sesiones hechas en 1974 para los L.P.s Natty Dread y Live! (1975), en el Lyceum Ballroom de Londres.

A los fans les encantará la conversación improvisada acerca de las habilidades de Marley como flautista, antes de una muy prendida versión de “Bend Down Low”.

Sin embargo, el momento culminante de Talkin’ Blues es “Am-A-Do”. Marley coquetea descaradamente con las I-Threes al fundir unos riffs à la James Brown con el estilo de la Family Stone para crear un pegajoso ejemplo de ritmo caribeño.

El álbum termina con una versión inédita de “I Shot the Sheriff”, extraída del primero de dos conciertos en el Lyceum. Esta versión es más rocanrolera y dura que la de la segunda noche que se aprecia en Live! y se erige en una exaltada despedida de Robert Nesta Marley y de los Wailers: “¡Dios los bendiga a todos, hasta que los volvamos a ver!”

BOB MARLEY (FOTO 2)

Tornamesa

“DON’T TALK TO ME ABOUT LOVE”

Por SERGIO MONSALVO C.

ALTERED IMAGES (FOTO 1)

(ALTERED IMAGES) 

El grupo Altered Images, fundado en marzo de 1979, figuró entre el gran número de conjuntos New wave, jóvenes y frescos producidos en aquellos años por la muy activa y viva escena musical de Glasgow (Escocia) y sus alrededores. 

Todos los integrantes de la agrupación se conocían desde la escuela, a la cual siguieron asistiendo durante la fase inicial de su carrera dentro del pop, pese a los inconvenientes que este ritmo de vida les imponía (al grabar los demos, con frecuencia tenían que subirse al tren al terminar las clases, irse a Londres, donde llegaban ya cercana la medianoche, grabar en el estudio y tomar el primer tren de regreso para llegar a tiempo a la escuela).

En agosto de 1979, la banda se presentó por primera vez en vivo en el pub Countdown, con Clare Grogan como cantante, Jim McKinven en la guitarra y los teclados, Johnny McElhorne en el bajo y acompañamiento, Gerard McNulty en la batería y Tony McDaid también en la guitarra o el bajo, alternativamente.

Llamaron la atención del disc jockey inglés John Peel, quien distribuyó los primeros demos del conjunto. El bajista Steve Severin, de Siouxie & the Banshees, los contrató como teloneros para la gira de este grupo por Inglaterra, la cual se llevó a cabo en marzo de 1980.

Se hizo notable la enorme diferencia que mediaba entre ambos grupos, entre la oscura ambigüedad de Siouxie (a la que se calificó de música para adultos) y el pop adolescente de Altered Images (según tres de sus compañeros, la cantante Clare se había quedado estancada en la voz y la mentalidad de una niña de 12 años).

El mismo Steve Severin produjo, casi un año más tarde, el primer sencillo de esta formación, denominado “Dead Pop Stars” y que fue creado después de la gira por los clubes del país; el texto versaba sobre una visión crítica e irónica de la fama efímera que brinda el negocio de la música. 

El sencillo fracasó comercialmente debido a que la voz de Grogan no era apreciada en forma general y porque, según cantidad de escuchas: “Altered

Images parecen más bonitos que encantadores”.

El siguiente single tuvo una suerte distinta. “Happy Birthday”, producido por Martin Rushent, se convirtió en el hit  sorpresa de 1981 y llegó al primer lugar en las listas inglesas.

La prensa especializada comenzó a reaccionar hacia ellos, pero el grupo insistió en darse aires de misterio (desde la exclusión de sus apellidos en cualquier crédito) y sin manifestar concepto directriz. Afirmaban que su única pretensión en la vida era que la gente se divirtiera, y ellos mismos darían el ejemplo.

La compañía disquera que los contrató (Epic) los presentó como punks y pronto quedó convencida de su error. Las canciones del conjunto, compuestas en forma colectiva, sin duda sonaban agresivas y desatadas, pero también cultivaban la armonía, la originalidad y la alegría inocente del pop. 

“Happy Birthday” (Epic, 1981) fue igualmente el título de su primer L.P., grabado de nuevo bajo la dirección de Severin (para el también su primer álbum). El material dependió de manera fundamental de la voz, lo cual resultó insuficiente.

Para el álbum Pinky Blue (Epic, 1982) recurrieron de nuevo a Martin Rushent como productor. Al respecto el bajista Johnny opinó: “Con Martin, una canción mala suena bien; y una buena, sensacional”.  El L.P. contenía tres sencillos que se volvieron hits, “Song Sung Blue” (de Neil Diamond), “See Those Eyes” y “I Could Be Happy”, con los que crearon el marco regocijado que requería la voz de Grogan para imponerse con éxito, con un sonido lustroso y brincón.

Altered Images, empeñados en devolver la inocencia al pop, cambiaron de nueva cuenta de productor e hicieron llamar a Mike Chapman para que los asesorara, el cual les proporcionó el sonido popular y clásico de Phil Spector en su sencillo más memorble “Don’t Talk toMe About Love”.

VIDEO SUGERIDO: Don’t Talk To Me About Love – Altered Images, YouTube (bluegutter)

ALTERED IMAGES (FOTO 2)

Tornamesa

MY BACK PAGES: HAIRCUT

Por SERGIO MONSALVO C.

HAIRCUT (FOTO 1)

(GEORGE THOROGOOD)

Sin olvidar que ante todo el rhythm and blues es una bestia, Thorogood y sus Destroyers han afilado sus garras desde hace 40 años de manera cada vez más delicada, y sus discos finamente bestiales también le conservan sus honores de rebelde al mismo tiempo que le entregan un certificado de maestro.

George Thorogood se ha impuesto como uno de los grandes del blues moderno. Se ha convertido en un clásico a fuerza de tocar. Y cuando está realmente en forma, cuando se siente poseedor de la electricidad que de verdad sabe generar, entonces presenta un disco como Haircut, que de un solo golpe hacen parecer completamente insípido todo lo que se escucha en otras partes.

Thorogood alcanza lo esencial del rock. Y uno termina por decirse una vez más que, considerándolo todo, este género es un fenómeno espléndido que inculca nueva vida a la existencia.

No se encuentran en la generalidad de sus álbumes innovaciones arrolladoras, sólo blues y boogies sudorosos, tocados por un tipo que realmente los ama. Y esto basta para producir un festín generoso, con guitarras ásperas y cortantes, metales que truenan llenos de regocijo y una serie de cóvers que en su momento hicieron exclamar al mismísimo John Lee Hooker lo siguiente:  “¡Maldito chamaco, les va a quemar los huevos a todos si sigue tocando así!”  Y saben qué, tenía razón.

VIDEO SUGERIDO: George Thorogood & The Destroyers – Get a Haircut, YouTube (V Guimaraes)

HAIRCUT (FOTO 2)

Tornamesa

MY BACK PAGES: “HOTEL CALIFORNIA”

Por SERGIO MONSALVO C.

HOTEL CALIFORNIA (FOTO 1)

(EAGLES)

La imagen de la portada del disco Hotel California del grupo californiano The Eagles, publicado en 1976, corresponde en la realidad a la del hotel Beverly Hills ubicado en el Sunset Boulevard de dicho condado, en California. El cual, por cierto, cumplió un siglo de fundado en el 2012.

Tras la aparición del álbum, y su posterior éxito, muchos hoteles alrededor del mundo reclamaron haber sido los inspiradores para la escritura de la canción homónima,  y muy especialmente el Hotel California situado en la localidad de Todos Santos, en Baja California Sur, México.

Sin embargo, no fue así. Pertenece al mencionado hotel californiano también conocido como “Pink Palace”. Aunque los polemistas no quitan el dedo del renglón.

La imagen de la portada fue obra del fotógrafo David Alexander y del diseñador artístico John Kosh, quienes subieron a 18 metros de altura en una grúa para poder sacar la fachada del mencionado hotel justo a la caída del ocaso sobre los árboles. La toma la efectuaron desde el Lido de Hollywood.

Otra polémica se dio alrededor de la canción homónima, la cual se abrió casi al instante de su lanzamiento y no deja de tener apariciones de cuando en cuando con alguna señalada razón.

Ian Anderson, el flautista, cantante y compositor del grupo Jethro Tull, en repetidas ocasiones ha hecho referencia al posible plagio cometido por The Eagles en tal tema con su canción We used to know, del álbum  Stand Up de 1969. Mismo que fue promovido por los británicos en el transcurso de una gira por los Estados Unidos en 1970 y en la que los Eagles fueron el grupo abridor. Juzguen ustedes ambas piezas.

VIDEO SUGERIDO: Eagles – Hotel California (Live At The Capital Centre, 1977), YouTube (Huzinccom)

HOTEL CALIFORNIA (FOTO 2)

Tornamesa

GONE AGAIN (PATTI SMITH)

Por SERGIO MONSALVO C.

GONE AGAIN (FOTO 1)

(PATTI SMITH)

Hace 40 años, Patti Smith se encontraba a la cabeza de uno de los grupos de punk estadounidenses más importantes, The Patti Smith Group, con el que sacó cuatro álbumes impresionantes e influyentes.

Luego desapareció de los escenarios.

Cuando el 10 de septiembre de 1979, Patti abandonó el foro en Italia después de un último encore en Florencia (un cover de “My Generation”), nadie sospechó que fuera a tardar 17 años en volver a pararse en las tablas con un grupo de rock.

La legendaria suma sacerdotisa del punk neoyorkino se retiró así,  abruptamente, del mundo musical para fundar una familia. En marzo de 1980 se casó con Fred “Sonic” Smith, el ex guitarrista del mítico conjunto MC5, con el que se estableció en las afueras de Detroit.

Este retiro voluntario fue interrumpido en 1988 por el lanzamiento del álbum Dream of Life y el sencillo “People Have the Power”, pero no se habló en ningún momento de un verdadero regreso al podio.

Sin embargo, en 1996, sí llegó el momento.

Con dos integrantes del antiguo Patti Smith Group, el guitarrista Lenny Kaye y el baterista Jay Dee Daugherty, acompañados por los guitarristas Tom Verlaine (de Television) y Oliver Ray, el bajista Tony Shanahan y el tecladista Luis Resto, Patti se metió al estudio de grabación. El productor Malcolm Burn y Lenny Kaye cuidaron la calidad del sonido, y apareció entonces el disco Gone Again.

Antes que nada, Gone Again es un conmovedor y fascinante tributo, un disco muy profundo en el que la Smith salda cuentas con el dolor de haber perdido a su marido Fred “Sonic” Smith (fallecido en 1994), a su hermano Todd, a su tecladista Richard Sohl y a su antiguo amigo y compañero, el fotógrafo Robert Mapplethorpe. Demasiadas muertes juntas.

La elección era suya y su poesía y música tuvieron la fuerza para cumplirle. El álbum resultó intenso de principio a fin.

GONE AGAIN (FOTO 2)

“Quería crecer como artista para poder entregar un mejor trabajo –afirmó Patti, en su momento–. No soy muy productiva al escribir canciones. Por eso, cuando tengo algo qué dar, quiero que sea de valor. Existen ya muchísimos libros, cuadros y discos. No quiero agregar la enésima obra mediocre a todo eso. Espero que lo que haga tenga valor, porque ya hay suficiente contaminación ambiental. Además, cuando se saca un disco hay que ser responsable de él, puesto que se está reclamando una hora del valioso tiempo de alguien, una hora de su vida; que sea, en todo caso, una hora valiosa”. 

La cantante no firmó sólo los textos, sino también tres cuartas partes de la música. La canción del título y “Summer Cannibals”, que apareció como sencillo, son piezas del desaparecido Fred Smith, dos temas con sendas y poderosas declaraciones sobre las raíces y la lucha.

La canción “About a Boy” es la oda que Patti dedicó a otro muerto querido: Kurt Cobain: “Desde la dulce furia del caos/ desde la calle profunda y desolada/ hacia otra clase de paz/ hacia el gran vacío…”

“My Madrigal”, por su parte, con su atmósfera clásica, fue en gran medida de carácter autobiográfico, al igual que la canción final “Farewell Reel”, dirigida directamente a Fred, su esposo muerto.

En el aspecto musical cubrió un amplio terreno, con el agregado de elementos de folk y world music. Entre los invitados figuraron Jeff Buckley, voz y laúd egipcio, la cellista Jane Scarantoni y la hermana de Patti, Kimberly, en la mandolina. El cover de “Wicked Messenger”, de Bob Dylan, fue un poco parte de su eterno homenaje al cantautor, su ídolo confeso.

En cuanto a su seriedad y temática, el disco hace pensar en Magic and Loss de Lou Reed, pero también en Grace del hoy desaparecido Jeff Buckley. Hay muy pocos álbumes y artistas de este calibre. El disco Gone Again fue el comeback más que logrado de una apasionada portadora de la antorcha del rock como lenguaje universal: Patti Smith.

VIDEO SUGERIDO: Patti Smith – Summer Cannibals, YouTube (Patti Smith)

GONE AGAIN (FOTO 3)

Exlibris 3 - kopie

MY BACK PAGES: JIMI HENDRIX

Por SERGIO MONSALVO C.

 

JIMI HENDRIX (FOTO 1)

 

EL ARCANO Y SUS FÁBULAS

 (50 AÑOS RIP)

 Jimi hendrix nació el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Washington, y murió el 18 de septiembre de 1970 en Londres, Inglaterra.

Durante los breves cuatro años que duró su reinado como superestrella, Jimi amplió el vocabulario de la guitarra eléctrica en el rock más que cualquier otro antes o después de él. Fue un maestro en sacarle a su instrumento todo tipo de sonidos imprevistos, frecuentemente a través de experimentos innovadores de amplificación que producían un feedback astral y distorsiones estruendosas.

Sus estallidos frecuentes de ruido, como huracanes, y sus espectaculares presentaciones –tocaba la guitarra detrás de la espalda y con los dientes, o bien le prendía fuego—en ocasiones han distraído de sus considerables dones como compositor, cantante y maestro de un amplio abanico de estilos propios del blues, el rhythm and blues y el rock.

Cuando Hendrix se convirtió en una superestrella internacional en 1967, parecía acabado de bajar de una nave espacial marciana, pero de hecho había cumplido con un largo y mundano aprendizaje como integrante de numerosos grupos de rhythm and blues, tocando en clubes nocturnos para el público negro en los Estados Unidos.

Desde comienzos y hasta mediados de la década de los sesenta trabajó con grandes del rhythm and blues y del soul, como Little Richard, los Isley Brothers y King Curtis, como guitarrista de respaldo. En ocasiones llegó a grabar como sesionista (el sencillo “Testify” de los Isley Brothers, de 1964, es el único de estos primeros tracks que permita vislumbrar siquiera la genialidad que desarrollaría posteriormente).

Sin embargo, a las estrellas no les agradaba que les quitara atención y Hendrix se vio obligado a cumplir como acompañante, lo cual no le permitía  desarrollarse como solista. El paso lógico era que lo intentara solo, lo cual hizo en Nueva York a mediados de los sesenta. Ahí tocó con varios músicos en clubes locales y formó parte por un tiempo del grupo del cantante blanco de blues-rock John Hammond, Jr.

Fue en un club neoyorkino que el bajista de los Animals, Chas Chandler, se encontró con Hendrix. La agrupación original de los Animals estaba a punto de desintegrarse y Chandler, quien deseaba establecerse como mánager, persuadió a Hendrix de cambiarse a Londres y de grabar como solista en Inglaterra. Ahí se armó un grupo en torno a Jimi, con Mitch Mitchell en la batería y Noel Redding en el bajo; le pusieron el nombre de Jimi Hendrix Experience.

El trío ascendió al estrellato en el Reino Unido con una velocidad asombrosa, pues “Hey Joe”, “Purple Haze” y “And the Wind Cries Mary” llegaron al Top 10 durante la primera mitad de 1967. Los tres tracks también formaron parte de su álbum debut, Are You Experienced?, una obra maestra psicodélica que tuvo muchísimo éxito en los Estados Unidos después de que Hendrix causó sensación en al Festival de Pop de Monterey en junio de 1967. El resto de su vida es parte importante de la historia del rock y está completamente datado, hasta su muerte en 1970.

 En la actualidad todos los géneros lo tienen presente: los representantes del blues rock y del hard, la psicodelia y el avantgarde, las cuerdas clásicas y la electrónica: todos ven en Jimi Hendrix a su antepasado genial y santo patrono. Desde luego también los jazzistas.

JIMI HENDRIX (FOTO 2)

Durante las últimas semanas de su vida, Hendrix se ocupó en un proyecto de big band bajo la dirección de Gil Evans. Ya no pudo ser realidad, pero inspiró a Evans para que en 1974 llenara de público un concierto en el Carnegie Hall con las composiciones de Jimi.

El mismo año sacó el disco correspondiente (Gil Evans Plays the Music of Jimi Hendrix) y su admiración por el guitarrista volvió a rendir frutos años después, en colaboración con Sting. El viejo y legendario compositor-director y sus arreglistas lograron traducir de alguna manera la música de Hendrix a los colores de una orquesta de jazz, con una fuerte dosis de sonidos suaves y transparentes. Según el propio Evans, se trató de tener presente el estilo de Jimi en la guitarra.

Desde entonces, los tributos a Hendrix son cosa de todos los días, más en los aniversarios redondos de su muerte. En 1990, la delegación neoyorkina reunida en torno a Geri Allen, Craig Harris y Oliver Lake se solazó al recorrer los festivales de jazz con su particular homenaje hendrixiano.

Los guitarristas de entonces —Jean-Paul Bourelly, David Torn— repitieron el acto en otros años, al lado de Cassandra Wilson, Jack Bruce y Don Byron. Y la Knitting Factory mandó de gira también a miembros de su catálogo con su propia interpretación.

En su presentación del 2004, en el North Sea Jazz Festival, el vietnamita Nguyén Le mostró su versión personal de lo mismo, entre muchos otros a lo largo de las últimas tres décadas.

También en CD se encuentran muchos homenajes. Stone Free (Reprise/WEA) reúne a 14 agrupaciones diferentes en la adoración del difunto. El espectro abarca desde el blueman Buddy Guy hasta el jazzista Pat Metheny, del rapero Ice-T a las catacumbas de The Cure.

Virtuosos de las cuerdas de todo tipo (incluyendo al violinista Nigel Kennedy y al Kronos Quartet) en la cumbre fundamentalista. Los resultados de tales homenajes son ambivalentes. Unos son copias más o menos perfectas de la experiencia sonora original; otros, animadas pero fallidas reuniones con un poco de sampleo, pero sin ingredientes propios de consideración, como el caso de In from the Storm. The Music of Jimi Hendrix (BMG/RCA).

Defunkt, asimismo, emprendió el asunto de manera tosca y directa. En el Blues Tribute (Enemy/EFA) dedicado a Jimi Hendrix y Muddy Waters. No hay matices, pero el mensaje se comunica. Tiene muchas más ideas el flautista Robert Dick: su CD Third Stone from the Sun (New World/FONO) subraya el elemento espacial en la música de Hendrix, hundiéndose en las profundidades del espíritu hendrixiano con un cuarteto de cuerdas que reproduce los solos de Jimi y una flauta que convierte su sonido en meteoritos resplandecientes.

Hay varias grabaciones que valen la pena por curiosas hechas por cuartetos de cuerdas: Soldier y Auryn (además del mencionado Kronos).

Y al final aparecen los guitarristas que se han dejado avasallar por el ejemplo de Hendrix. Algo forzado, pero digno: el puente tendido por Christy Doran entre el rock y el avant-garde. La tradición de la Europa Oriental aparece personificada por el dúo de Joe Sachse con Pinguin Moschner.

Como ejemplo de música de cámara virtuosa está James Emery con el String Trio of New York. Y una celebración particularmente bella y sensible le salió al alemán Andreas Willers (con la disquera Nabel). De veras se percibe que Jimi vive a través del mundo actual.

 Lo único cierto en realidad es que tras la muerte del guitarrista, todos los géneros hicieron explosión, desde el reggae hasta el funk, el blues, el rap y el jazz, la música contemporánea y de ambiente, el techno y todos los punks y neos que uno quiera. Los espíritus comenzaron a abrirse en un fenómeno cultural sin precedente que pudo aparecer gracias a la vuelta de tuerca completa sobre ese pilar fundamental llamado Jimi Hendrix.

 

VIDEO SUGERIDO: Jimi Hendrix – Lover Man, YouTube (Jimi Hendrix)

 

JIMI HENDRIX (FOTO 3)

 

 

 

Tornamesa

MY BACK PAGES: GARBAGE

Por SERGIO MONSALVO C.

GARBAGE (FOTO 1)

 (GARBAGE)

 El álbum debut de Garbage, homónimo del nombre del grupo y una de las sorpresas de 1995 resultó sorprendente y orgullosamente rockero. La voz de Shirley Manson cumplió de más en todos los sentidos.

Los tres músicos, por su parte, metieron las doce canciones en un vestido de alambre de púas inventivo y noisy, y la interpretación entre sensual y siniestra de Manson esculpió de manera convincente cada uno de los temas

Los textos de Garbage se expresaron con un cinismo excepcional y condujeron al escucha a un viaje por las cavernas más oscuras del espíritu, muerte y desgracias, obsesiones religiosas, frustraciones sexuales, relaciones destrozadas y demás desperdicios de la realidad humana.

De acuerdo con sus integrantes, el principal objetivo del grupo Garbage era escribir buenas canciones. No se preocupaban tanto por el estilo, que de cualquier modo se mantuvo a la postre contemporáneo y alternativo.

Básicamente les interesaba representar el momento en el que el mundo se encontraba (y encuentra) en la actualidad. Por ello en términos generales cada uno de sus discos, a partir de ahí, es más oscuro que el anterior.

Los temas más recurrentes fueron el miedo y el odio ante lo que veían. Las vueltas que le habían dado al mundo con sus giras les han dejado huellas. Principalmente los textos describían las situaciones desesperadas de las que la gente o el planeta no ha logrado salir.

El grupo no ha sentido la presión de superar el éxito obtenido desde ese primer disco. Lo que buscaron con cada nueva producción fue (es) satisfacerse a sí mismos en cuanto a la expresión de sus intenciones. Son críticos severos y saben manejar la ironía.

“Hay que trabajar en primera instancia para uno mismo. Sentirse congruentes con lo dicho y cantado. Siempre hay que hacer algo de lo que puedas estar orgulloso aunque de lo que hables sea de esas flores del mal de las que escribió Baudelaire o de la basura que describió Ammons. Lo demás corre por cuenta de los escuchas. No deben creer que es en otra dimensión donde se decide y solucionan las cosas”, han declarado.

VIDEO SUGERIDO: Garbage – The World Is Not Enough (Official Video), YouTube (Garbage Music Videos)

GARBAGE (FOTO 2)

 

Tornamesa

40 BLUE FINGERS…

Por SERGIO MONSALVO C.

CHICKEN SHACK (FOTO 1)

 (CHICKEN SHACK)

Uno escucha los discos en los que participaron las blueseras británicas, como Christine Perfect, no sólo para saber cómo argumentaban con sus composiciones y voz, sino también para disfrutar con el transcurso en la construcción de sus argumentos.

Ésta fue una manera de defender su participación en un género, que si al principio les fue extraño, con su exposición a tales emociones les resultó en parte de su esencia tanto genérica como artística, en el panorama creativo que abrieron con él.

Es decir, las mujeres como ella tuvieron en el blues, al comienzo de sus carreras, el mismo problema que los hombres del medio: la necesidad de un público que realmente escuchara lo que tenían que decir.

Algo parecido se podría decir de sus personalidades, un filón de literatura, ensayo o biografía inagotable en sus caracteres y en toda esa pátina de claroscuros con que suelen estar muchas de ellas construidas.

Sumergirse en esas historias, adentrarse en sus territorios musicales, implica la ruptura de esos límites con los que se señala lo que recibe el nombre de “blues”, algo que como les había enseñado Muddy Waters durante sus visitas al Reino Unido: “Es más que un género musical”.

Ellas trascendieron los arquetipos y los clichés y fomentaron unos nuevos encarnados en la concreción de sus estilos, en los que las circunstancias perdieron toda consistencia sin imponer su orden, porque ellas, como sus semejantes masculinos resultaron ser “negras del corazón”.

La cantante y pianista Christine Perfect ha rememorado en diversas entrevistas  aquellas reuniones juveniles en los pubs donde los jóvenes locales se citaban para escuchar por primera vez el rhythm & blues de los artistas negros estadounidenses. Los discos llegaban a esos locales a través de los mismos asiduos o por los marinos que los traían de allende el Atlántico y los cambiaban por los tragos.

“Era música magnífica, diferente, nos encantaba. Hacíamos grandes coros en esas tabernas acompañando la voz de Elvis, Little Richard, Fats Domino, Chuck Berry y el rhythm and blues de Muddy Waters, Howlin’ Wolf y demás blueseros de Chicago”.

Todas aquellas noches le sirvieron a ella para practicar in situ, para buscar el tono en el que más se acomodaba, el estilo con el que más se identificaba.

VIDEO SUGERIDO: Chicken Shack – It’s Okay With Me Baby, YouTube (jimmytheferret)

Como nieta e hija de músicos, Christine Perfect había nacido en Bouth, Inglaterra, en 1943. Al mostrar talento para el piano la familia la condujo a recibir una educación clásica. Sin embargo, como adolescente descubrió el rock & roll, lo que la condujo a aquellos pubs para escuchar más de aquello.

Y mientras estudiaba escultura en una escuela de arte conoció a dos compañeros con los que formaría una banda amateur de blues (Sounds) durante su estancia escolar, la cual se disolvió al graduarse sus miembros.

En busca de expectativas económicas Christine trabajó como escaparatista de tiendas departamentales y a la postre, junto a sus antiguos compañeros retomó el proyecto musical bajo el nombre de Chicken Shack en 1968, como tecladista, compositora y cantante (su disco más destacable 40 Fingers Freshly Packed & Ready To Serve).

Su voz e interpretación en los teclados la volvieron distintiva en el medio. Tanto que Peter Green, líder de la banda Fleetwood Mac, la invitó a colaborar con ellos. Ahí conoció al que sería su esposo John McVie. A la postre adoptaría su apellido e iniciaría una larguísima historia con tal grupo en dos tiempos, igual de productivos.

VIDEO SUGERIDO: Christine Perfect with her Chicken Shack – Man Old World, YouTube (amemigustailblues)

CHICKEN SHACK (FOTO 2)

 

Tornamesa

NATURAL FAKE

Por SERGIO MONSALVO C.

NATURAL FAKE (FOTO 1)

 (DE-PHAZZ)

 A mediados de la primera década del siglo XXI, el jazz electrónico con las medidas de los  soft y long drinks, de la bossa nova, del lounge y de latin mood, a base de exóticos cocteles hi-fi y estética retro, inició su camino como downtempo-jazz

La sofisticada geometría geográfico-sonora que comenzó el andar de éste último con el triángulo Inglaterra-Italia-Noruega, se fue transformando con la adición del cuadro alemán hecho por De-Phazz. En lo musical surgió como una corriente, avanzó a movimiento y evolucionó a género.

El eclecticismo de estos alemanes abarcó, además de lo ya citado, músicas originarias en las décadas de los años 50 y 60, jazz tradicional, cha cha chá, drum’n’bass, mambo, reggae, trance, latin rhythms, ragas, pop, world beat, blues, soul, cajas de ritmos, cuts y grooves cariboasiáticoafricanos, sonoridades atmosféricas y ambientales y el remix (con toda su magia en el tiempo y el espacio).

Así como el infinito poder de la imaginación de su líder y mente maestra: Pit Baumgartner, igualmente el credo primigenio sobre la belleza apoyado por la tecnología para innovar. Y todo con el fin último de poner literalmente a todo el mundo a gozar. Un auténtico deseo hipermoderno.

Haber evolucionado de esta manera ha hecho que el jazz haya seguido extraordinariamente en contacto con la fuerza impulsora de sus orígenes: la mezcla. El estilo downtempo-jazz, como el jazz en general, es cualquier cosa menos un género hermético. Lo que hace de él una cuestión artística vital es su asombrosa capacidad de absorber la historia de la que forma parte, brindando siempre estilos frescos así como el planteamiento de nuevas preguntas sobre el porvenir.

En el mundo en general, las sociedades avanzan en el vacío sobre el sentido último del ser humano. Para evitar la depresión por las esperanzas frustradas en el acontecer cotidiano, los artistas del estilo mencionado en la música de club europea han proporcionado una respuesta ante la crisis: la construcción del placer mediante la música de baile o el relax de la escucha nítida y persuasiva.

El downtempo-jazz encarnado por De-Phazz, en su disco clásico Natural Fake (del 2005) es, pues, además de un estilo con ya más de una década de existencia, una metáfora epistemológica de la contemporaneidad que busca precisamente al sujeto y su sentido como ente hedonista. Los integrantes del hoy octeto echaron mano del jazz en su antigua sabiduría para intentar hacer feliz a la gente de las tribus cosmopolitas. Proporcionándoles un artefacto cultural sensible que se hace vida en la práctica con el movimiento de su satín sonoro.

Y para todo ello De-Phazz se ayudó de las herramientas y los mecanismos que utilizan las nuevas escuelas del sonido, de los lenguajes y técnicas del down tempo, del trip hop, de los instrumentos inventivos de la electrónica contemporánea, para facilitar con su reunión tanto los procesos cognoscitivos como los emotivos que, juntos, están en la base de la formación del urbanita en el preludio del siglo XXI.

La verdadera función de las hermosas piezas y líneas melódicas que componen el mencionado álbum, es servir como recurso para mostrar rítmicas, timbres, texturas, colores. Es un viaje al sonido en el sentido más lúdico del término, uno de los múltiples viajes propiciados por la música nacida del maridaje entre los organismos y las máquinas. Es un arte que transforma en música al entorno.

El puñado de piezas que lo componen (“Astrud Astrunette”, “Eternity Is”, “Love is Natural” o “Close to Jazz”, entre ellas) está marcado por la fascinación y el atractivo de las ingeniosas combinaciones. Baumgartner ha hecho de cada tema del disco un coctel maravilloso que, en conjunto, son un disparo al corazón, besos ligeros o instantes de embelesamiento, arropados en mezclas asombrosas y con el destilado rítmico de laboriosa sencillez.

Y como sucede con las buenas preparaciones, los sentidos danzan alegres hasta el final de la música, dejando al degustador pletórico y ahíto. Con la sensación de haber rozado lo perfecto, un espejismo de consoladora armonía, un atisbo de orden atmosférico con la belleza sonora que lo enmarca todo. Lo dicho: De-Phazz es un coctel nu-chic para el nuevo ser hedonista.

VIDEO SUGERIDO: De-Phazz – Backstreets of My Mind (Natural FakeCD).wmv, YouTube (sbniram)

NATURAL FAKE (FOTO 2)

 

Tornamesa