La vanguardia en el rock fue uno de los grandes estandartes en la música de la década de los sesenta y subsecuentes, y con ella se respaldaba y volvía a confirmar la aseveración visionaria de uno de los filósofos más revisitados en aquella época, el griego Platón, quien había escrito lo siguiente: “El espíritu del cambio se insinúa muy fácilmente por medio de la música, penetra de forma gradual por las costumbres y, reforzado, pasa a la vida privada, luego a las leyes y a la cosmogonía humana en general. Con grandeza debe sonar para transformarlo todo”. Con tal aseveración se alimentaba gran parte de la producción musical de 1968. Entre ella las corrientes y los subgéneros que nacían bajo el signo de la fusión.
VIDEO SUGERIDO: Paul Butterfield – Blues Band (Walking Blues – Live 1968), YouTube (Blues and Jazz Channel)
BXXI-372 1968 RPM (5)
El año 1968 desde el comienzo tuvo movimiento (de signo tanto como de directriz) en el sentido musical. El rock, la sonoridad popular más importante surgida a mediados del siglo XX, tuvo el deseo y la sapiencia de que el futuro traería innovaciones y discontinuidades. Y, aunado a ese conocimiento, la seguridad también de que las transformaciones esenciales acarrearían con ellas polémicas encendidas y censura, lo mismo que legitimaciones hacia los hechos sociales de los que era producto. Toda corriente musical necesita del soporte social y los fundamentos históricos y artísticos para convertirse en una sonoridad de trascendencia. Y los aconteceres de dicho año se lo brindaron a raudales. No hay revolución sin música.
VIDEO SUGERIDO: The Beatles – Ravolution, YouTube (The BeatlesVEVO)
BXXI-373 LAIBACH
Laibach, desde la distancia temporal de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, provoca un acercamiento a la realidad social que vivimos (líquida hasta decir basta), la que bajo la directriz de los distintos gobiernos del mundo usa el más rastrero común denominador en el lenguaje cotidiano para erradicar de significado a los fenómenos sociales que los aquejan. A lo largo de los años su música se ha ido transformando, y su muy interesante y extensa discografía de más de dos decenas de álbumes da cuenta de ello: desde la electronic body music del homónimo Laibach, pasando por el dark wave neoclásico, el experimental electrónico, hasta la música industrial de Spectre.
VIDEO SUGERIDO: Laibach – Sympathy for the devil (Official video), YouTube (Mute)
BXXI-374 PLATILLO FRÍO
No hay problema en darle la vuelta a la isla que es Islandia en coche, si no te importa encontrarte a cada rato “con paisajes de la naturaleza que te cimbran el espíritu, te quitan la respiración y te enfrentan a la vida”. Tras lo cual quedas totalmente exprimido. Todo es tan magnífico como temible: lagunas glaciares, cataratas imposibles y ensordecedoras, baños de aguas termales surgidas del fondo de la tierra, volcanes y cráteres (grandes y chicos), cascadas gigantescas a las que cualquier adjetivo les queda pequeño, géiseres imprevisibles, acechantes manchas glaciares, montañas misteriosas, grietas y cuevas naturales, playas de oscura lava volcánica, campos geotermales, llanuras inmensas, acantilados tenebrosos, ricos parques nacionales, fiordos pictóricos y un largo etcétera geográfico de nombres impronunciables.
VIDEO SUGERIDO: Lockerbie – Esja, YouTube (Marco Bokeh)
BXXI-375 CAN
Un par de discípulos de Karlheinz Stockhausen formaron, hacia el fin de los años sesenta del siglo pasado, un grupo precursor de la electrónica dentro del terreno del rock y lo denominaron Can. Nombre y concepto se erigieron quizá en la piedra angular más importante de los prodigiosos siguientes años para el desarrollo de la música (1968-1979). Tiempo en que la cultura rockera supo asimilar estas formas sonoras y crear una gran historiografía con sus diversidades. Can contribuyó al big bang de tal universo de masas sonoras con los recursos de los elementos electrónicos, étnicos (exteriores a su país) y la primigenia idea del trance. En la música que sus miembros preconizaban hubo espacio para muchos géneros.
VIDEO SUGERIDO: Can – Vitamin C, YouTube (CarlosBetinsky)
Con la idea inicial no hubiera tenido mucho chiste poner a unos cantautores a improvisar con guitarras acústicas en un cuarto y grabarlos mientras tanto, porque de todas maneras a eso se dedicaban las 24 horas del día. Pero, ¿qué tal si se desenchufaba (plug = enchufe) a los otros, a las estrellas del firmamento artístico? ¿Por qué no hacerlo con los músicos y cantantes del pop, consentidos por el playback, o a los grupos de rock empapados en recursos técnicos, o con los reyes de los decibeles del heavy metal? Eso, pensó el productor Alex Coletti, ya sería otra cosa y muy diferente. En los inicios de Unplugged (el programa) se separó el grano de la paja, lo auténtico de lo trucado. Después ya no sería lo mismo. La industria no se autodispara.
VIDEO SUGERIDO: 10,000 Maniacs – Don’tTalk, YouTube (Ifcabob)
BXXI-367 ASCENSEUR POUR L’ECHAFAUD
Miles Davis viajó a París para tocar como solista invitado durante unas semanas. Fue en el curso de este viaje cuando conoció al cineasta francés Louis Malle. Éste le dijo que admiraba su música y que le gustaría que escribiera el soundtrack de su nueva película, Ascensor al Cadalso (o al Infierno, según el programador en español). Accedió a hacerlo. Fue una experiencia extraordinaria, pues nunca antes había compuesto música para una película. Miraba las copias de las secuencias y tomaba ideas musicales para luego componer y escribir. Dado que la película era un thriller, hizo tocar a los músicos en el interior de un viejo edificio, oscuro y lúgubre. Pensó que eso daría atmósfera a la música, y así fue.
VIDEO SUGERIDO: Miles Davis – Nuit Sur Les Champs-Elysees, YouTube (kazu4lity)
BXXI-368 1968 RPM (1)
El profesor británico Tony Judt (Londres, 1948-Nueva York, 2010), el más reconocido historiador del siglo XX a nivel mundial, escribió lo siguiente en su libro Postguerra: “El contenido de la música popular en aquellos años era muy importante, pero su forma contaba aún más. En los sesenta la gente prestaba una atención especial al estilo. La novedad de la época fue que el estilo podía sustituir directamente al contenido. Se trataba de una música que se rebelaba en su tono, se amotinaba. La música, por decirlo así, protestaba por uno”. Efectivamente, la protesta se dio por doquier con resultados ambivalentes. Dicha circunstancia tuvo en la música su pulso y su sonoridad, su soundtrack: 68 revoluciones por minuto (rpm).
VIDEO SUGERIDO: The Monkees – “Daydream Beleiver” (Official Music Video), YouTube (The Monkees)
BXXI-369 1968 RPM (2)
El músico galo Hector Zazou, artista avant-garde y de la experimentación tanto de la música como del performance y del video, además de partícipe del mayo francés del 68, reflexionó profundamente en uno de sus libros sobre la estética sonora de dicho año: “Cuando yo era adolescente, igual que mis amigos universitarios, escuchábamos el rock y lo cantábamos fuerte en nuestras barricadas callejeras del mayo aquél. Desde entonces he oído nuevos discos durante décadas, pero de vez en vez vuelvo a oír aquellos temas, sin olvidarlos, y nunca dejo de preguntarme lo mismo: ¿Qué hay tan fuerte, tan auténtico, en la música de los años sesenta para que se puedan sentir aún hoy sus grandes ecos?”.
VIDEO SUGERIDO: SLY & THE FAMILY STONE – DANCE TO THE MUSIC. LIVE TV PERFORMANCE 1969, YouTube (MOMOFUNKONE)
BXXI-370 1968 RPM (3)
Aquel tiempo se destacó por los intentos para lograr cambios en todos los órdenes de la vida. En el sentido musical los motivos fueron variados y consecuentes y sus circunstancias por demás propicias, por ejemplo: el vuelco completo al conjunto de valores musicales provenientes de épocas anteriores; las impactantes modificaciones sociales y políticas que se perfilaban a nivel global y local; los avatares del mercado masivo para la música grabada; el comercialismo y su canalización mediática; el desarrollo tecnológico; la explosión informativa y los climas favorables para la experimentación. De ese caldo de cultivo surgieron personajes interesantes y músicos de dimensiones extraordinarias y universales.
VIDEO SUGERIDO: Aretha Franklin – Chain Of Fools Live (1968), YouTube (Tcuploadable)
Como en todas las cosas de la vida, en la actividad groupie también ha habido clases y jerarquías. Desde hijas del proletariado hasta de la aristocracia y la plutocracia; desde escolapias y meseras hasta miembros del jet set internacional y hollywoodense. Sus edades de ejercicio: entre los catorce y los treinta años más o menos. En esta historia el comienzo se dio con Elvis Presley y los baladistas sucedáneos. Muchos gritos, pero lo demás muy medido, muy secreto (casi todas eran menores de edad y las penas por trasgredir los límites demasiado altas social y judicialmente). Luego llegaron los sesenta, la beatlemanía y los Rolling Stones y la palabra fan cobró otro significado. La relación entre ellas y los artistas se hizo intensa y física.
VIDEO SUGERIDO: Jim Croce – Five Short Minutes, YouTube (sofsofsof)
BXXI-362 PIRATAS Y ROCKEROS
Joseph Conrad, que sabía largamente del asunto marítimo, escribió que “los barcos son muy semejantes los unos a los otros y el mar siempre es el mismo, pero no hay nada misterioso para el marino fuera del propio mar, que es el amor de su vida y tan inescrutable como el destino”. A su vez, otro enterado como Samuel Johnson explicó que un barco tiene la desventaja añadida de ponerte en peligro y que a “esos hombres a los que llega a gustarles la vida en el mar es porque no son aptos para vivir en tierra”. De ahí la fascinación que siempre han despertado cualquiera de sus historias, de sus andanzas y de sus cantos. Así que ahora piratas y rockeros se juntan para cubrir esa fascinación aderezada con la música.
VIDEO SUGERIDO: Tom Waits & Keith Richards – Shenandoah.!!, YouTube (Pablo Bates)
BXXI-363 LO CONTEMPORÁNEO
En lo musical lo contemporáneo se compone de un sinnúmero de células nuevas, con grandes dosis de información sobre el presente, con una rítmica polisémica y el dinamismo del lento aprendizaje. Un elitismo flotante en el enrevesado mar de lo común. Células unidas en su conjunto por sutiles y determinantes lazos y por su actitud cambiaria en cuanto a las relaciones del ser humano con la música. Esos sutiles lazos de los que hablo se sostienen indisolubles en el hoy, en su cuestionamiento. Porque cada uno de los intérpretes de tales músicas está consciente de que cualquier transformación que pudiera producirse, debe provenir de la música misma para ponderar todo quehacer humano.
VIDEO SUGERIDO: The Horrors – Machine (Official Video), YouTube (TheHorrorsVEVO)
BXXI-364 LOVE IS COLDER THAN DEATH
Las sensaciones que produce la música de Love Is Colder Than Death no pueden ser fácilmente definidas, no pertenecen a una sola dimensión. La misión musical de un grupo así aparece como el determinante fundamental de una nueva figura artística, la que lejos de sensiblerías románticas cursis es consciente de las múltiples posibilidades que ofrece la época. Una donde los discursos y la tecnología se cruzan inmisericordemente, pero donde también la dimensión musical asciende de manera portentosa hacia constelaciones artísticas y humanas, con pretensiones tan renovadas como habitables de actualidad. Tal propuesta no puede adecuarse a esquemas preconcebidos sobre los géneros musicales ni es el hábitat para mucha gente.
VIDEO SUGERIDO: Love Is Colder Than Death – Wananbi, YouTube (LICTD S)
BXXI-365 ROCKABILLY À LA FRENCH
En Francia el movimiento del rockabilly comenzó al final de la década de los cincuenta con primeras páginas y los medios a sus pies, llegó a su apogeo a mitad de los sesenta e hizo fade out al final de esa década, pero nunca se fue realmente. En el underground ha continuado su flujo interminable. Por ahí han pasado los nombres de Be Bop Creek, The Badmen, Les Bracos, Don Cavalli o Earl & The High Tones, quienes han cimentado las bases musicales y de actitud necesarias para mantenerlo incólume. En el caso actual se trató del festival veraniego de Gerlafingen, en Suiza, con énfasis en la aportación francesa. Para la ocasión aparecieron en escena grupos como Long Black Jackets y Jack Calypso, con una auténtica lección de historia.
VIDEO SUGERIDO: EASY LAZY C. AND THE SILVER SLIPPERS, YouTube (bebopcapitol)
Una vez en la capital mexicana, Maples Arce se impresionó con aquellos aspectos de un creciente centro urbano tan diferente de su existencia provinciana. Descubrió como deleites insospechados el cine, el fonógrafo y el jazz, la sonoridad contemporánea (interpretada por King Oliver, Louis Armstrong, Johnny Dodds y Sidney Bechet, principalmente) sobre la que había leído tanto en los escritores europeos. Estos elementos de la modernidad iban a adquirir una importancia singular en su poesía estridentista. El cine y el jazz se desarrollaron como géneros artísticos desde el final de la Primera Guerra Mundial. El jazz desempeñó desde entonces un papel persuasivo e influyente en el trastorno social y las vanguardias de toda índole lo adoptaron.
VIDEO SUGERIDO: El Café de Nadie ó El Estridentismo Mexicano – Vanguardias Mexicanas, YouTube (Jane Burden Morris)
BXXI-357 ST. VALENTINE’S DAY
Algunos músicos se han fotografiado con la mujer amada y puesto la foto en la portada, invitando con ello al escucha a ver y sentir ese instante en la cubierta de su disco, el cual se convierte paradójicamente en una peregrinación hacia la profundidad audible tanto de un corazón ajeno como del propio. Y con esta manera de hacerlo se adentran con mirada penetrante en el anhelo por un amor eterno y palpable. Cada detalle de la composición en estas portadas tiene la convicción no sólo de lo que se sentía en aquella ocasión, sino también de lo que no puede compararse con nada más, ni repetirse. Es el caso de obras que han pasado a formar parte de la historia, como las de Bob Dylan, de Miles Davis o Nick Waterhouse.
VIDEO SUGERIDO: Bob Dylan – To Fall in Love With You, YouTube (Mitchell Benjamin)
BXXI-358 ANANDA SHANKAR
El misterioso sur de Asia, es decir el subcontinente indio, ha ejercido una influencia muy significativa sobre el rock desde la década de los años sesenta. Según la mitología del género, la India (y Pakistán por extensión) es una tierra de sensibilidades expansivas. Es el yin de las fuerzas primarias frente al yang de la ciencia occidental contemporánea. Esa injerencia ha sentado sus precedentes vía la Gran Bretaña, con hitos culturales como los Beatles (con aquel primer acercamiento del beat rockero a las ragas); y Ravi Shankar, por el otro; con discípulos filosóficos de diversos Maharishis viajando hacia allá, o musicales como Ananda Shankar, a la inversa, el prionero del indo-funk de quien se incorporaron al género sus experimentos y búsquedas.
VIDEO SUGERIDO: Ananda Shankar – Walkin On (HQ), YouTube (mwired2)
BXXI-359 GURU
El rapero evolucionado que desee improvisar de acuerdo con el sentido proporcionado por la música del jazz, cuenta con dos opciones: La primera, desprenderse de la semántica para obtener una libertad semejante al género, y variar su discurso como lo disfruta el lenguaje no verbal de los instrumentos. Y, la segunda, desarrollar tal flexibilidad que sea capaz de adaptar su semántica instantáneamente, de acuerdo con los cambios rítmicos, melódicos, armónicos, estructurales, formales y estilísticos de la música. Guru (el ex rapero del dúo Gang Starr, con el que grabó seis discos muy apreciados junto a DJ Premier), nacido en Boston en 1961 y fallecido en el 2010, fue un pionero exitoso de la ola del jazz mezclado con el hip hop al frente del proyecto Jazzmatazz.
VIDEO SUGERIDO: Guru’s Jazzmatazz – “Trust Me”, YouTube (2packali)
BXXI-360 SINGAPUR
Singapur es una de las ciudades más importantes a nivel mundial (en Asia es parte de los llamados “Cuatro Tigres”, junto a Hong Kong, Corea del Sur y Taiwán). Los medidores internacionales así la han colocado porque su desarrollo enmarca las siguientes características: dinámica urbana, un efecto directo y tangible en los asuntos mundiales como economía, finanzas, educación, deporte, infraestructura diversa e influencia en términos de cultura y política, entre otros muchos asuntos. Es decir, cuando se habla de ella es acerca de una ciudad punta en todos los rubros que caracterizan a una urbe moderna, objeto tanto del turismo más selectivo (médico, culinario, académico, artístico) como de las empresas multinacionales.
VIDEO SUGERIDO: ROZIAH LATIFF & THE JAYHAWKERS – “OH ABANG”, YouTube (Joe Chelliah)
El resultado que obtuvo Radiohead con Ok Computer condujo al oyente a territorios inexplorados. Una aventura que encendía la imaginación entre sus muchas cualidades. Hoy, cuando la capacidad de concentración es tan pobre y limitada, totalmente fragmentaria, discos como éste (y su espejo digital Oknotok) resultan un desafío y, por igual, el premio recibido por la atención sostenida y alerta tras su escucha completa. Es un placer profundo que no se agota en un instante ni en decenas de años. Ha expandido su destello durante 20 años y creo que (con el añadido remezclado) lo seguirá haciendo en las décadas por venir, como corresponde a las obras ejemplares, que al parecer son la única asignatura en la agenda de un grupo como Radiohead.
VIDEO SUGERIDO: Radiohead – No surprises, YouTube (Radiohead)
BXXI-352 APOCALÍPTICOS E INTEGRADOS
Apocalípticos e Integrados es un libro que deslumbra por su inteligencia; por la amplia zona de conocimientos que abarca, y por el impulso que anima al lector a tomar conciencia de su entorno; a leer a fondo en la presencia ideológica de las cosas y a prestar especial atención a las imágenes. Y hacer todo eso sin prejuicios, pero con sentido crítico. Para de esta manera descubrir en el trabajo de los nombres destacados e ilustres alguna propensión a lo ramplón o a lo kitsch, que lo tienen y las más de las veces se les celebra inopinadamente y hasta se hace dogma de ello. Pero, por otro lado, Eco (su autor) también conmina a extender la capacidad de disfrute sobre las cosas que lo merezcan dentro de la cultura popular.
VIDEO SUGERIDO: Gorillaz – Dirty Harry (BRITs Animation) (Screen only”), YouTube (Gorillaz)
BXXI-353 FORMICA BLUES
El nombre del grupo resultó ambiguamente pre-estéreo, además de sugerir la consabida enfermedad trasmitida por los besos. El conjunto fue otra de esas agrupaciones inglesas con la fórmula mencionada: productor más cantante femenina, que recordaba incluso a Everything But the Girl, además de al señero Portishead. Mono estuvo integrado por el compositor y productor Martin Virgo y la cantante Siobhan De Maré, quienes consiguieron con este dueto inglés formado en 1996 un coctel hipermoderno muy disfrutable en el que lo techno, aunado a un hip hop suave y un drum ‘n’ bass amable, dio como resultado un imago retro-beat plagado de evocaciones a décadas como la de los sesenta y al cine de Claude Lelouch.
VIDEO SUGERIDO: Mono – Silicone (HD/HQ Sound), YouTube (Orbitron88)
BXXI-354 DJANGO REINHARDT
La importancia de la música gitana dio su gran salto cualitativo en el siglo XX cuando Jean Baptiste “Django” Reinhardt, un integrante de la tribu sinti, nacido en Bélgica (Liberchies, en 1910), inventó un nuevo estilo para ella y para la interpretación de la guitarra en el campo del jazz, el cual se apoderó de Europa para luego extenderse a todas las geografías por donde pasó este artista. A Reinhardt se le puede atribuir, sin duda alguna, el mérito de haber sido el primero en elevar el jazz europeo al nivel del estadounidense, país en donde su reconocimiento fue abierto y asimilado sin cortapisas. Para los sinti, desde entonces, Django representa un tótem musical.
VIDEO SUGERIDO: Django Reinhardt: Three- Fingered Lighting, YouTube (EuroArtsChannel)
BXXI-355 ROCK VS ESCUELA
En el principio, dada su entrega ontológica al instinto como valor supremo, la hostilidad del rock hacia la educación fue una actitud consecuente, digamos “natural”, de su ser y estar en el mundo como venero musical representativo de una nueva generación. Aquel tema se preludió en la cinta Blackboard Jungle (de 1955) e impactó con su presencia y ritmo en el soundtrack (acompañando los créditos de la misma). Tiempo después, en la película Rock and Roll High School, filmada en 1979 y estelarizada por los Ramones, la intuición y el sentimiento como paradigmas románticos del género se apuntaron una victoria tan arquetípica como arcaica sobre la tiranía educativa del intelecto.
VIDEO SUGERIDO: Dead Kennedys – Nazi Punks Fuck Off (Live), YouTube (The Founder of Myself)
En los tiempos del punk y la new wave, el sonido de Morphine se describía como No wave o punk-jazz, géneros de los que se ocupaban bandas como The Lounge Lizards, por ejemplo, aunque el grupo mismo lo denominó como “low-rock”. Hoy a eso se le conoce como rock alternativo. Su combinación del rock de vanguardia con mucho ambiente, erótico y con influencia jazzística de garage, llevó a compararlos con Tom Waits (por la voz cálida, llena de humo, de Sandman), Chet Baker o Nick Cave, entre otros. El grupo desarrolló su espíritu minimalista desde el primer álbum con pocos instrumentos, ases artísticos y el mismo groove ardiente. La reducción como concepto estilístico, arte que practicaba el trío en forma soberana.
VIDEO SUGERIDO: Morphine – Cure For Paine (Live at Super Rock, Lisbon ’95), YouTube (instorm1)
BXXI-347 TINDERSTICKS
Ya no le pude decir que el sonido rulfiano surgiría (¿o se aparecería?) en el año 2001, ya en pleno siglo XXI. Casi medio siglo después de que Pedro Páramo dijera esta sombra es la mía. Dicha música brotó. Y lo hizo en el desierto de una época que preludió el fin del mundo como se le conocía, como una flor de liz de belleza extraviada, mientras acá en Comala el aire seguía con su propia extremaunción, sin dar cuenta de asunto tan mundano.
Aquel sonido provendría de la doble i (intuición/imaginación) que constituía la personalidad de un músico llamado Stuart Staples. Con esa voz impactante en su tristeza, con su calidez y fragilidad unitarias. Herida y hacedora de atmósferas compungidas con los Tindersticks.
VIDEO SUGERIDO: Tindersticks – Dying Slowly, YouTube (wordsofexpectation)
BXXI-348 CUERDAS DIVERGENTES
En la actualidad son los cuartetos de cuerda quienes más han hecho por el acercamiento y enlace entre los géneros clásico y rockero. Para constatarlo basta con echarle una revisada a los programas de las salas de concierto internacionales. Pero también a los catálogos de las compañías disqueras, que ya tienen en su haber infinidad de grabaciones en este sentido. Muchas de estas dotaciones de cuerdas han venido a engrosar el flaco panorama de antaño. Ese cambio de actitud, ese cambio generacional, entre las huestes clásicas, atrajo a un nuevo público, más abierto y receptivo. Obviamente también tuvo que ver la precariedad de los propios músicos y su necesidad de exploración.
VIDEO SUGERIDO: The String Quartet Tribute To Guns N’ Roses – Welcome To The Jungle, YouTube (ladystripe)
BXXI-349 NAVIDAD VII
La temporada decembrina tiene, entre otros, un elemento muy señalado: el canto navideño. Una tradición que data del siglo XIII. En la actualidad hay miles de temas en este sentido, interpretados en todos los géneros por grupos o solistas. Sin embargo, en medio de la gran oferta al respecto destaca sobremanera una serie que con el paso del tiempo se ha convertido en la más importante, en cuanto a compilaciones se refiere: The Very Special Christmas. Para la portada de tal antología, los hacedores del proyecto se acercaron al pintor, grafitero, escultor y activista Keith Haring para solicitar su colaboración, la cual quedó plasmada en su particular Maddona, una imagen icónica insertada en música bien seleccionada para la época.
VIDEO SUGERIDO: Jon Bon Jovi – Please come home for Christmas (Subtitulado), YouTube (diegovlz10)
BXXI-350 NORTHERN SOUL
En los años setenta, en Inglaterra los trabajadores luchaban por conservar el empleo y contra el lema de Margaret Thatcher, la Primer Ministro inglesa: “La sociedad no existe, sólo existen los individuos. Sólo son pobres los que quieren serlo”. En medio de aquello la explosión punk libraba una enconada batalla por derribar el sistema a escupitajos. En el ínterin, se filmó un programa de televisión en donde los británicos descubrieron que multitud de jóvenes del norte del país, hijos de la clase obrera, habían hecho suya una particular forma de ser y de estar en aquel país, y que viajaban los fines de semana a discotecas gigantescas con el objetivo único de bailar toda la noche hasta que despuntara el sol, sin que importara nada más.
VIDEO SUGERIDO: The Tomangoes – I Really Love You – Northern Soul Top 500 # 13, YouTube (Second Line Vinyl)
La posverdad, en la segunda década de este siglo, no es un fenómeno meramente informativo. Implica ya comportamientos y entendimientos sociales y morales, dimensiones históricas, geográficas, económicas, tecnológicas, religiosas y psicológicas. La creciente inflación de prefijos: pos (t), trans, neo, ultra, hiper, supra, sub, anti, etcétera, que padecemos en este tiempo de siglas revela la fragmentada identidad cultural de nuestra época. Hoy nos encontramos en una tierra de nadie, un paisaje sin fronteras y con una cantidad impresionante de referencias. Tantas que muchos no las entienden y millones han dejado de interpretarlas, contrastarlas o reflexionarlas, en beneficio de las mentirosas posverdades.
VIDEO SUGERIDO: POSVERDAD LA PALABRA DEL AÑO 2016, YouTube (SERVIMAT)
BXXI-342 MASA Y MUERTE
Las disecciones a fondo de la masa, de la muerte y de sus formas constituyen aportes de Elias Canetti al mundo del pensamiento contemporáneo, del cual se han beneficiado tanto la sociología como la antropología. Gracias a él se comenzó a investigar acerca de la producción en masa, la estandarización, la expansión global de la industria cultural, etcétera, lo mismo que sobre la negativa falta de compromiso con lo desconocido, las fobias sociales y las metafísicas. Ahí es donde la cultura del rock también se enganchó a sus conocimientos y personajes destacados de la misma, digamos su intelligentsia (esa clase de personas creativas orientadas al desarrollo y la diseminación de la cultura), han aplicado sus axiomas.
VIDEO SUGERIDO: El Poder de la Masa, YouTube (Francisco Krüger)
BXXI-343 CUMBRES BORRASCOSAS
El ascenso y derrumbe de Sid Vicious en la existencia de un junkie, habitante de esas cumbres borrascosas, y el asesinato de Nancy Spungen, su novia y abierta instigadora, al parecer carente de motivos, poco antes de que una sobredosis provocara la propia muerte del ex miembro de los Sex Pistols (quien este año hubiera cumplido los sesenta), posee cualidades poéticas y narrativas, y cualquier enfoque que se le dé intensifica lo absurdo de dichas muertes al afirmar que se desconocen los motivos. Sin complicar la historia, unos cuantos trazos anchos sirven para hacer la elegía de una pareja fatal, de un arquetipo punk y para reforzar aquella tendencia contemporánea que hace de la elegía misma una expresión más pública que personal.
VIDEO SUGERIDO: Sid Vicious – Something Else, YouTube (micro98)
BXXI-344 TELÉFONO
Hasta el comienzo de los años noventa no era conocida ninguna novela sobre el sexo a través del teléfono. Sin embargo, con el texto Vox de Nicholson Baker se suplió esa falta y el autor fue capaz, sin problema alguno, de llenar 150 páginas con un diálogo sicalíptico mantenido por la línea telefónica. Los hallazgos como éstos ejemplifican la relación entre cuerpo y tecnología (como sostuvo el filósofo McLuhan). En la comunicación modifican la percepción que se tiene de quien habla. La voz humana revela a las personas, como bien lo apuntó a su vez el escritor Jean Cocteau. Por eso la suavidad, la aspereza, la vibración, la brillantez, el tono, corrigen a menudo la imagen que tenemos de sus dueños, y es que la voz no sólo revela, también delata.
VIDEO SUGERIDO: How to Flirt on the Phone – Flirting Lessons, YouTube (Howcast)
BXXI-345 ALBERTA HUNTER
Alberta llegó de la estación del ferrocarril en Chicago. Era 1905. Venía acomodada en la sección para la gente negra. La segregación usual e infamante. Cuando el tren tembló en su última frenada pensó que todos estaban como ella, nerviosos de haber llegado por fin hasta ahí, pero también aterrorizados ante lo que pudiera haber del otro lado, a la salida. Se encontraban entregados y rendidos ante el halo de la ciudad. Supieron inmediatamente que aquél era su sitio. Llegaban después de planearlo mucho o sin hacerlo, olvidándose por completo de los campos de algodón, del maltrato, de los despedidos, del desahucio sin aviso previo. Una de las razones para amarla era por el fantasma que dejaban atrás.
VIDEO SUGERIDO: Alberta Hunter – the love i have for you, YouTube (FePiu)
[Aclaración pertinente: El texto que presento a continuación lo escribí y publiqué en el año 2006, una década antes de que el deseo manifestado ahí se hiciera realidad. Por lo tanto, es menester tomar en cuenta lo anterior a la hora de su lectura.]
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PRESAGIO DEL PORVENIR
Si de lo que se trata, a la hora de designar al Premio Nobel de Literatura, es apoyar la reflexión directa de la obra en asuntos de la realidad política inmediata —anterior o presente—, como en los casos de Elfriede Jelinek y Harold Pinter, por mencionar a los premiados más recientes, ahí les va otro argumento a favor de Dylan: a “Masters of War”, el tema suyo que más ha sido nombrado por analistas políticos, sociólogos, maestros de Ciencia Política en distintas universidades de América, Asia, África y Europa y por dirigentes de organizaciones no gubernamentales, se le nominó como la Mejor Canción Política de todos los tiempos en el 2005 y el grueso de la lista en tal sentido ya es parte de estudios y tesis en dichas universidades.
El tema fue grabado el 23 de abril de 1963 en los estudios neoyorquinos de la compañía Columbia y forma parte de su segundo álbum, The Freewheelin’ Bob Dylan. En la canción se percibe coraje, el grano de su voz dimensiona la sensación. Y este coraje, la ira, le otorgó a Dylan el status de un James Dean del neofolk, el cual a final de cuentas lo empujó a replantearse direcciones: ¿la amplificada, eléctrica y más agresiva, quizá?
La pieza “Masters of War” (cuya estructura se remite a “Nottamun Town”, una melodía medieval pesadillezca enraizada en el arte de la pantomima), es todo menos un lamento pacifista. Dylan utilizó en ella al viejo personaje brechtiano del hombre que se enriquece con la guerra, como símbolo de un nuevo complejo en el aparato militar industrial.
Pluralizó y señaló a esos criminales de cuello blanco, corbata y lujoso escritorio —que se dedican a intensificar y comercializar la carrera armamentista, con lo cual amenazan al propio futuro del mundo—, e incluso les deseó la muerte en el último verso, jurando velar sus tumbas hasta haberse convencido de su fallecimiento. Con ese contenido y el recurso en los acordes de la guitarra en tono menor, lo que provoca una despiadada irritación, llevó a todos a pensar en el asunto.
Y aunque la canción se grabó sólo acompañada de dicha guitarra, su empuje y carácter iracundo resultó el presagio del rock y las turbulencias de los años venideros. “Masters of War” suena como si se hubiera escrito ayer. Desgraciadamente, su venenosa pasión tiene más sentido hoy que nunca, décadas después de su creación. Ésta data de cuando John F. Kennedy era inquilino de la Casa Blanca y muy poco antes de su asesinato en Dallas, a cargo quizá de aquéllos.
LA FACULTAD DEL CONOCIMIENTO
En la misma tesitura, la revista Rolling Stone —reputada publicación que se ha especializado en dar a conocer la bitácora del rock desde la década de los sesenta, y la más sobresaliente del periodismo mainstream en este sentido— con motivo de los cincuenta años del género realizó una encuesta a nivel mundial para integrar una lista de las cien canciones más trascendentes del mismo en su primer medio siglo.
El cuestionario fue dirigido a miles de destacados artistas y científicos de diversas disciplinas y nacionalidades. Escritores, poetas, traductores, cineastas, bailarines, arquitectos, escultores, pintores, actores, directores y músicos, así como periodistas y críticos, crearon dicho listado en el que como respuesta a la pregunta “¿cuál ha sido la canción que ha cambiado el rumbo de su vida?”, la casi totalidad contestó que “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan.
Paradigma para clarificar la complejidad contemporánea y una respuesta para un nuevo conocimiento. Éste ya no procederá de ahondamientos ni de nombres monumentales, sino de muchas mentes maestras en archipiélago planetario. El filósofo James Surowiecki asegura que una multitud como ésta puede ser más inteligente (tomar mejores decisiones) que cualquiera de sus miembros siempre que se den tres condiciones básicas: que la multitud sea suficientemente diversa; que sus componentes puedan pensar de manera independiente, sin manipulación, y que haya algún mecanismo fiable, democrático, para recoger sus opiniones.
Opiniones heterogéneas, combinadas, destinadas a formar una inteligencia diversa, nutricia y compleja gracias a sus interrelaciones. A un resultado así Edward Wilson, biólogo emérito de la Universidad de Harvard, lo llama consilence, esa facultad del conocimiento nacida de descubrir e interpretar los cruces entre disciplinas.
Es decir, en el caso de esta canción y de este autor, la intelligensia global emitió su consenso sin ningún interés ni presión de por medio. Emociones, experiencias y sensibilidades a corazón abierto, comprobables y citables. ¿Qué mayor alarde democrático, señores académicos?
“Ya no me importa lo grande que sea una vieja canción folk o lo que signifique la tradición. Los tiempos cambian y yo quiero ponerme a hacer rock. Mis palabras son como fotografías y esa música me ayudará a dar tono y color a esas fotografías”.
Eso lo confesó Bob a principios de 1965. En mayo del mismo año grabó “Like a Rolling Stone” y todo lo anterior quedó postergado. Con ello hizo una revolución estética y psicológica, electrificó la poesía. Puso en palabras lo contemporáneo, lo retrató. “Tengo que hacer una canción nueva sobre lo que yo sé y acerca de lo que yo siento”, dijo.
Hacia allá se movía su lenguaje y hacia allá trasladó al mundo. Experimentó con los sonidos conectados al pulso cotidiano y con las raíces al viento. Construyó estilos, rítmica vivencial, nuevas visiones. Enarboló las palabras contra los que estaban autodestruyéndose, contra los personajes enajenados, apartados de la realidad, segregados de su auténtica naturaleza, oscurecidos por el sofisma de la ilusión y sin vida interna.
La canción resultó un cataclismo, produjo polémica. Se creó en los oyentes un sobrecogedor sentido de la inmediatez, tensando la fibra y el nervio con un irónico sentido férrico y literario: “Había una vez…” (Once upon a time…). La protesta y la propuesta. La virulencia de las emociones, un fuego existencial que consumió a seguidores antiguos y le ofrendó nuevos: numerosos, perdurables e interrelacionados.
ARGUMENTOS MISCELÁNEOS
(AUTOSERVICIO)
1) Dylan como autor ha publicado decenas de libros entre poesía, narrativa, autobiografías, dibujos y cancioneros, así como casi medio centenar de discos (en estudio, en vivo y compilaciones, de los cuales una docena son estimados como clásicos dentro de la historia de la música; las entradas a sus conciertos se agotan y ha vendido 40 millones de ejemplares). Sobre él se han editado, por otra parte, 600 títulos aproximadamente (ensayos, biografías, análisis de su obra) y 85 songbooks (cancioneros), en Internet hay 50 millones de hits con links bajo su nombre.
2) Uno de sus libros, Poems Without Titles, entró en los récords de Guinness al ser vendido en una subasta por 78 mil dólares a un anónimo coleccionista europeo. Caso insólito para el rubro de la poesía. Se trata de un poemario de 16 páginas, escrito a mano en 1960. O sea que se cotiza.
3) Ha sido guionista, productor, actor, musicalizador y co-director de cerca de una veintena de películas y documentales. La cinematografía es una disciplina por la que siempre ha mostrado interés como experimentador. Don’t Look Back (dirigida por D.A. Pennebecker), Renaldo y Clara (por él) y No Direction Home (de Martin Scorsese) son algunos ejemplos.
4) Su vida y textos han inspirado también producciones que conjugan música y teatro. La muestra más reciente es The Times They Are A-changin’, título tomado de una de sus propias melodías y estrenada en Broadway, Nueva York, bajo la dirección de Twyla Tharp.
5) La radio estadounidense XM Satellite lo contrató para conducir un programa semanal –“Theme Time Radio Hour”– donde hablaba de lo habido y por haber, ponía discos (algunas rarezas) y comentaba de música, gustos y propuestas tanto suyas como de algún invitado del medio artístico (seleccionaba piezas que no eran de su autoría, de las cuales recordaba anécdotas, sucesos, acompañados de reflexiones acerca de la vida); así como de temas de interés general. Eran emisiones monográficas de una hora de duración, en las que Dylan se enfocaba en temáticas variadas (sin vanalidades): lo mismo sobre el cosmos, algún punto geográfico, los transportes, la bebida, las estaciones del año, las cuestiones familiares; al igual que sobre las rupturas amorosas, los pequeños vicios o los libros canónicos. Había encanto, humor y brillantes historias a su cargo –citas literarias y leyendas–, de las cuales él disfrutaba tanto como el público. La trasmisión se escuchaba también por Internet para todo el planeta (www.xmradio.com). Otro oficio del poeta: comunicación directa y con retroalimentación.
Estas son en síntesis algunas razones para que se le otorgue el Nobel de Literatura. Bob Dylan ha sido un autor constante, comprometido y coherente consigo mismo, un artista preocupado por su entorno, un divulgador de la poesía (propia y de otros como William Blake, Rimbaud, Walt Whitman, Ginsberg, Kerouac, et al), es un icono de la cultura mundial, un paradigma para comprender la época…en fin.
Hace 100 años le dieron el premio a un poeta (el italiano Giosué Carducci por su profundidad y búsqueda crítica en el lenguaje). El último que lo recibió fue Wislawa Szymborska hace diez años (polaco al que se le alabó su precisión e ironía sobre la realidad humana). ¿No es tiempo ya de celebrar ese centenario, esa década, de que la poesía sea de nuevo reconocida y popular con argumentos semejantes? ¿De que Dylan le signifique un aire de frescura al Premio y un nombre para reclutar lectores y promotores hacia el género? ¿Cuántas razones más necesitan, señores académicos? ¿Hay alguna que entiendan? Quizá si les dijera que: “Había una vez…”
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Con la publicación de Mexico City Blues, Jack Kerouac se sentía, según escribió después en la nota introductoria del libro, «un poeta jazzístico que interpretaba un largo blues en una jam session de domingo por la noche». Hiciera lo que hiciera, su lenguaje siempre se trataba de música, ya fuera la del hablado o en la construcción de textos, hecha con soltura y a menudo comparable con una especie de improvisación musical. Él (como los demás beats) había dado comienzo a un periodo de libre experimentación en la literatura, la música, la moda y el vocabulario, que muy pronto se convertirían en los años sesenta. Él encabezaría, junto a otros escritores, el movimiento beat y el advenimiento de la contracultura a mitad del siglo XX.
VIDEO SUGERIDO: Beat Generation – Jack Kerouac – On the Road, YouTube (Ida Brandáo)
BXXI-337 GOYA
Después de haber visto esa muestra con “Las Pinturas Negras” sales del Museo del Prado impresionado por lo visto y evocado, por la profundidad y visión de un tipo como aquél, Francisco de Goya. Y te alejas pensando en la importancia para el arte que un cuadro como “Saturno devorando a su hijo” ha llegado a tener, por todas las cuestiones que desata y no sólo plásticas; y en que esas escenas tan inhumanas ahora se repiten por todas partes. Para el rock Goya también ha sido un referente. Ha conectado con él a través del heavy metal, sobre todo, y de su collage bordado de imaginería, el cual se ha manifestado abundantemente en las portadas de muchos discos respectivos, sean del subgénero que sean.
VIDEO SUGERIDO: Las enigmáticas pinturas negras de Goya, YouTube (WiGumAthletic 1)
BXXI-338 BORN UNDER A BAD SIGN
En cierto momento, sentado en aquella barra, a William Bell se le prendió el foco con una idea: “Oye, ¿Y si escribimos una canción con ese tema, el del eterno perdedor que le achaca su mala suerte al hecho de haber nacido bajo el signo equivocado; sobre esas personas de fracasos tan comunes con las cosas de la vida que al final de cuentas desprenden cierta magia. Algo con mucho blues”. Frente a él Booker T. estuvo de acuerdo y regresaron al estudio para trabajar el asunto. El título para la pieza brotó fácil y limpio: “Born Under a Bad Sign”. Unos días después el guitarrista Albert King entró al estudio para grabarla. Por ello, a la postre, la historia lo colocaría como parte de la realeza del blues, junto a B.B. King y Freddy King.
VIDEO SUGERIDO: Albert King – Born Under A Bad Sign, YouTube (Boogie N Blues)
BXXI-339 POR AMOR AL SAX
Muchos de los placeres de la vida se guardan en espacios pequeños. Es una consigna vital que en este caso tiene un valor innegable. Dentro de un estuche que abarca sólo unas decenas de centímetros se encuentra un sax, instrumento que al salir de él y ponerse bajo la luz de un ocaso o del misterio noctívago provoca un desfile de sentimientos y experiencias inenarrables. La historia de las pasiones humanas está contenida en él, gracias a la sensibilidad de sus muchos intérpretes. Épocas, eras, estilos y técnicas fluyen por los dedos de músicos fundamentales para el desarrollo de la música y de las emociones. La sensualidad, sin lugar a dudas, es la llave esencial de este instrumento. De ahí el amor por él.
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BXXI-340 FDK TWIGS
Esta artista es producto de su tiempo, de sus necesidades y cuestionamientos, no obstante, la actual cultura británica en la que está inscrita, y que busca por todos los medios alejarse del roce con el resto del planeta, con los otros, le niega esa posibilidad, así como sus instintos básicos, sus preguntas y placeres consecuentes. Y si a eso se agrega el racismo el asunto toma además otro cariz. Porque FDK Twigs es negra, producto de ascendencias jamaicana, española, brasileña e inglesa. Y serlo ahora en aquella isla es también un handicap. Twigs posee para el vulgo y dirigentes políticos derechistas –que hoy gobiernan– un aspecto raro, interpreta una música rara y es una mujer rara con un nombre raro. Demasiada rareza para ellos.
VIDEO SUGERIDO: FKA twigs – Lights On, YouTube (jazzerakano)
CON LOS AUDÍFONOS PUESTOS 