BABEL XXI – SINOPSIS (56)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (276-280)

 

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SINOPSIS 56 (FOTO 2)

 BXXI-276 SERGE GAINSBOURG

Se cumplieron 30 años del fallecimiento de Serge Gainsbourg y, a final de cuentas y más allá de los análisis y los homenajes a su persona, queda una certidumbre: sus canciones serán imperecederas. Importa poco lo que sobreviva del personaje. Lo que permanecerá al escuchar sus obras es que en melodías, arreglos y textos uno se volverá inteligente por el tiempo que dure alguno de sus refranes o un par de versos. Gainsbourg se fue (en 1991), pero siempre lo escucharemos en off. La cultura francesa creada por él está ahí: como poeta de los juegos de palabras; como soberano del arte de la canción y como cantautor a la vez literario y popular.  De su obra la mayoría recuerda algo del autor-compositor-intérprete francófono más importante del siglo XX.

VIDEO SUGERIDO: Serge Gainsbourg & Jane Birkin – Je t’aime…moi non plus – Original videoclip (Fontana 1969), YouTube (mtorringa)

SINOPSIS 56 (FOTO 3)

BXXI-277 HORACE X

Horace X riega su manifiesto musical con un brebaje de High Energy, hecho a base de un reggae de alto voltaje al que se llega tras las huellas de la ruta celta, por un lado; por la de los vientos de la épica balcánica, por otro, y por las de las voces furibundas del Medio Oriente desértico o del hip hop de la Urbe, así, en general, o del soul, del rock, del ska o de lo que sea. Pero en tal odisea se hace acompañar por camaradas musculosos de alientos jazzísticos, de cánticos raggas, del devastador drum’n’bass y de los ondulantes dance beats que se coaligan a velocidades inverosímiles, en una mezcla de lo orgánico y lo digital, lo vivo y lo secuenciado, lo trad y lo avant-garde en un episodio sensorial único: World beat del siglo XXI.

VIDEO SUGERIDO: Horace x Tzip Tzop –Cash, YouTube (Horace Oficial)

SINOPSIS 56 (FOTO 4)

BXXI-278 BRUCE SPRINGSTEEN

Como icono mundial, Bruce Springsteen, siente la responsabilidad, plenamente asumida, de estar a la altura del acontecimiento social que representa; de su propio discurso, planteamiento y convicciones frente a su público (la comunidad rockera), sin dobleces, como desde hace cuatro décadas. El suyo es un arte que ha mantenido el enfoque en la vida de sus personajes con la habilidad de un maestro en el cuento corto. Y que como tal tiene muchas influencias y experiencias como el lector que es y ha sido. Con los libros, la palabra y la poesía, el rock se volvió vigoroso y neuronal desde la década de los sesenta –de la que Bruce es beneficiario–, además de energético e instintivo. Él es un conocedor de ello.

VIDEO SUGERIDO: Bruce Springsteen – Born to Run (Live 1978-08-15), YouTube (Springsteenfan)

SINOPSIS 56 (FOTO 5)

BXXI-279 REVOLVER

Con la nueva obra del Cuarteto de Liverpool de 1966, Revolver (el séptimo de su discografía), se hizo evidente que el rock era un espíritu omnipresente y su presencia lo contemplaba todo. Se expandía por doquier (hacia dentro de la mente humana y hacia otras geografías) y en él cabía lo inimaginable. Ya no sólo era una manifestación juvenil, sino que en su dinámico crecimiento se incluían las preguntas por el Ser y Estar de cada uno en el mundo, por la existencia del Otro, por la vida interior y exterior y, debido a estas cuestiones, se experimentó para averiguarlo y la música fue la compañera de viaje y la vocera principal de sus bitácoras, con expresiones, lenguajes y sonidos ignotos. Resultó en una obra maestra.

VIDEO SUGERIDO: The Beatles – Doctor Robert, YouTube (musicman73100’s channel)

 

SINOPSIS 56 (FOTO 6)

BXXI-280 DAVID BOWIE

Al ir pasando por las salas de la exposición Bowie is confirmo, para mí, aquello de que los humanos somos criaturas que se cuentan historias a sí mismas para entender qué clase de entes somos. Relatos como el de este personaje se convierten en lo que conocemos, en lo que entendemos y en lo que somos y, como en su caso, también en lo que nos convertimos y en lo que tal vez podemos llegar a ser. Porque Bowie is nos enfrenta a un ser que siempre buscó ser moderno al estilo rimbaudiano, con toda la poesía que conllevó tal experiencia vital. Rimbaud, aquel visionario maldito, escribió en Una temporada en el infierno un mandato con el que todo rockero de corazón, como Bowie, se identifica: “Hay que ser absolutamente moderno”.

VIDEO SUGERIDO : David Bowie – Starman (1972) HD 0815007, YouTube (Clara 0815007)

 

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

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ADAM ANT

Por SERGIO MONSALVO C.

ADAM ANT (FOTO 1)

 LA HORMIGA  Y EL DISFRAZ

Figura menor del punk británico, Adam Ant (cuyo verdadero nombre es Stuart Leslie Goddard, nacido en Londres, Inglaterra, en 1954) disfrutó un breve periodo de éxito como ídolo adolescente entre 1981 y 1983, antes de iniciar su carrera como actor.

Goddard formó parte como cantante de los grupos ingleses Bazooka y Joe and the B-Sides. Andy Warren (bajo), Lester Square (guitarra), Matthew Ashman (acompañamiento) y Dave Barbarossa (batería) fueron junto con Goddard los fundadores de Adam and the Ants.

Este conjunto se inspiró en la imagen de los Sex Pistols y sus primeras canciones incluían referencias a los temas de rigor del estilo punk, incluyendo el cuero, el sadomasoquismo (con la canción “Whip in My Valise”) y la parafernalia nazi.

De esta manera apareció su primer L.P. en 1977, Young Parisians, con la compañía Decca. Luego se fueron a la marca independiente Do It que les editó sus dos siguientes discos: Xerox (1978) y Dirk Wears White Sox (1979).

No obstante, Adam and the Ants tuvo poco impacto como grupo de punk auténtico. Debido a ello, en 1980 se pusieron en manos de Malcolm McLaren, el Doctor Frankenstein del rock. Éste tomó el bisturí y comenzó la operación.

Con dos de los Ants (Ashman y Barbarossa), acompañados por la “cantante” Anabella (quien había sido sirvienta de McLaren), fundó el grupo Bow Wow Wow, antes de rehacer la imagen del conjunto original.

Contratados por Columbia, los nuevos Adam and the Ants (con Marco Pirroni como guitarrista) lograron cierto éxito con el sencillo “Kings of the Wild Frontier” en 1980, antes de que “Dog Eat Dog” llegara a los primeros lugares de las listas de popularidad.

El nuevo enfoque del grupo era intensamente melodramático. Adam Ant posaba con complicados vestuarios de bandido, pirata o gay y protagonizaba videos multicolores dirigidos por Mike Mansfield.

Durante 1981 tuvieron seis exitosos sencillos en Inglaterra, incluyendo “Stand and Deliver” y “Prince Charming”.  Remitiéndose a los ritmos de tambores africanos (burundi) y a monótonos coros a lo Gary Glitter, Adam Ant se hizo de un extenso público preadolescente.

En 1982, Adam Ant lanzó su carrera como solista con “Goody Two Shoes”, su primer éxito en los Estados Unidos, donde se dio a conocer a través principalmente del impacto visual de sus videos.

ADAM ANT (FOTO 2)

Posterior a esto obtuvo otros éxitos con “Friend or Foe”, “Puss in Boots” (1982, producido por Phil Collins) y “Apollo Nine” (1984). “Vive le Rock” (1985), el sencillo escogido para la promoción del L.P. con el mismo título, su cuarto con Columbia, fue un fracaso comercial.

A partir de entonces Adam Ant puso sus miras en el teatro y el cine. Volvió a la música con Manners and Physique para MCA en 1990. La producción tuvo un moderado éxito, destacándose en Inglaterra y Estados Unidos el sencillo “Room at the Top”.

A éste le siguió en 1995 un nuevo álbum, Wonderful. A comienzos del siglo XXI surgió algo sorprendente, la idea de que Adam Ant había hecho escuela. Una nueva generación de artistas influenciados por su música le brindaron un tributo interpretando versiones de sus éxitos durante los años noventa, entre ello se incluía a Superchunk, Nine Inch Nails, Sugar Ray y Elástica, entre otros.

En el año 2006 Ant publicó su autobiografía, Stand and Deliver, donde lo más destacable y trend topic era su padecimiento de trastorno bipolar, el cual aparentemente había afectado toda su vida.

VIDEO SUGERIDO: Adam And The Ants – Dog Eats Dog (Video), YouTube (Golden Eighties)

ADAM ANT (FOTO 3)

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BABEL XXI – SINOPSIS (55)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (271-275)

 

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BXXI-VINTAGE FOTO 1

 BXXI-271 VINTAGE TROUBLE

Con el nuevo siglo brotó una diversidad hipermoderna como destino para los hacedores del arte: el vintage. La música aportó con esta vertiente la posibilidad de estar en una escena actual ofreciendo otra de antaño en el mismo espacio, a discreción –entre 50 y 30 años mediante, como mínimo. Dejando al escucha atento la oportunidad de reconocer el tejido original sobre el que se construye lo nuevo. El estilo musical vintage de quienes lo practican es sinónimo de pasión, energía y, sobre todo, de entera libertad para concebir algo diferente dentro del marco estético de tiempos rememorados. Ejemplos emblemáticos de ello son las agrupaciones Vintage Trouble y St. Paul & The Broken Bones.

VIDEO SUGERIDO: Fender Studio Session: Vintage Trouble Performs “Run Like the River”, YouTube (Fender)

BXXI-BB FOTO 1

BXXI-272 B. B. KING

  1. B. King había aprendido a tocar en la guitarra casi todo lo que escuchaba a base de intuición y experiencia, lo cual se podía aplicar por igual a los sonidos escuchados Bukka White, que a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Lonnie Johnson o Albert King, sus influencias principales; y a los que sólo existían en su mente, ese misterioso lugar que le habría de proporcionar su propio espacio (donde el sonido del Delta se infiltraba en la urbe). No importaba cómo lo hiciera, pero cuando tocaba se sumergía en un mundo que le decía algo y él con su instrumento le daba voz a ese algo para que tuviera sentido. Y ello, además, con una obligación extra: imprimirle un valor estético, volverlo un sujeto u objeto de belleza. Era un artista.

VIDEO SUGERIDO: B B King – Sweet Little Angel (Live), YouTube (BBKingVEVO)

BXXI-STRIP FOTO 1

BXXI-273 STRIP MUSIC

La música ha acompañado a las strippers desde la Babilonia mitológica hasta hoy, con todas sus características y tradiciones diversas. Sin embargo, a través del tiempo el acompañamiento sonoro se ha ido especializando y adaptando a la época. El del último siglo tiene joyas y tesoros que por fortuna y gracias a la tecnología han sido recopilados y guardados en todos los formatos, pero también se han ido incrementado gracias al gusto de las féminas en cuestión. Así que cuando me hablaron de un club en la ciudad donde vivo, que brindaba el concepto de más alta calidad en este sentido, me apresuré a conocerlo para corroborar que, efectivamente, el gusto seguía manteniendo la tradición, la clase y el estilo de legitimidad artística.

VIDEO SUGERIDO: 07 Lula Garou – Cirque du Burlesque March 2013, YouTube (benbbritt)

BXXI-UN HOMBRE FOTO 1

BXXI-274 UN HOMBRE MALO

John Fogerty (en principio y a final de cuentas el cerebro y alma del grupo Creedence Clearwater Revival) cumplió cabalmente con el precepto artístico de universalizar con sus canciones el viaje interior por el corazón y la música de una geografía humana y pantanera, y su obra vendría a ser la parte sonora de lo ya desarrollado literariamente por Mark Twain y William Faulkner. Ese fue el hilo conductor de sus álbumes durante tres años (1968-1970). Su pluma, guitarra y voz la reveló al mundo. Sin embargo, luego del disco Pendulum ya no habría más allá. Todo se quebró. Tras el rostro luminoso y la exitosa carrera del grupo también nacieron y se desarrollaron la ambición inescrupulosa, el rencor desmedido y la envidia superlativa.

VIDEO SUGERIDO: John Fogerty – Who’ll Stop The Rain, YouTube (Mi Nani)

BXXI-DELMORE FOTO 1

BXXI-275 DELMORE SCHWARTZ

A los 23 años Delmore Schwartz publicó el que sería su texto más famoso: “En los sueños comienzan las responsabilidades”. Y un año después un libro de cuentos con el mismo título. Éste tuvo una excelente recepción en los círculos literarios neoyorquinos y fue considerado uno de los escritores más talentosos del momento junto a John Berryman, Randall Jarrell y Robert Lowell. Los elogios y la aceptación pública y académica significaron una gran carga de presión e inquietud para el hipersensible Delmore que se enfrentó al éxito mediante el alcohol y las drogas. A pesar del deterioro que ello atrajo, durante las siguientes décadas siguió escribiendo historias y poesía desencantadas que influirían en el ala de la intelligentsia rockera.

VIDEO SUGERIDO: Lou Reed – My House, YouTube (LouReedDiscography)

 

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

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BABEL XXI-537

Por SERGIO MONSALVO C.

 

BXXI-537 (FOTO)

BRINGING JAZZ!

(LIBROS CANÓNICOS/ 30)

Programa Radiofónico de Sergio Monsalvo C.

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BABEL XXI – SINOPSIS (54)*

Por SERGIO MONSALVO C.

 

BABEL XXI (FOTO 1)

 (266-270)

 

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SINOPSIS 54 (FOTO 2)

 BABEL XXI-266 THE DØ

 

El tercero y más reciente álbum de The Dø lleva por título Shake, Shook, Shaken, una obra que los reafirma como excéntricos entes creativos y los  pone en la cima de las agrupaciones que realmente han marcado la ruta de la música popular en lo que va de la última década. Esta vez lo hacen al componer ritmos electrónicos pulidos con tempos sacados del pop más clásico. Un cuadro que cobra sentido bajo sus impecables melodías y milimetrada estética avant-garde. Trabajo que completa una trinca sobresaliente y que les llevó tres años en su hechura (con el mínimo aparataje: computadora portátil, software y teclado). Lo bautizaron con sólo esas tres palabras (surgidas de un puro verbo irregular inglés).

 

VIDEO SUGERIDO: The Dø – Anita No! – Stokholm – Debaser – 2015 – 13.03, YouTube (nofmusic)

 

 

Bob Dylan

BXXI-267 BOB DYLAN 75

 

Shadows in the Night, un álbum de caprichoso manifiesto y voluntad estética (de sonido bello y delicadamente triste) será el disco dylaniano del ecuador de su séptima década vital. Llevará, como muchos otros suyos, una enorme lista de acotaciones para explicarlo y, entre ellas, la sutileza no señalada de dedicárselo a los críticos, a los que dice despreciar pero a los que no deja de seguir para cotejar sus propios argumentos (ya sea en las canciones, en las pocas entrevistas que concede o en los manifiestos que lanza de vez en cuando), verse reflejado y continuar redefiniéndose como desde el principio, como lo hizo recientemente al recibir el Premio MusiCares Person of Year 2015, por ejemplo.

 

VIDEO SUGERIDO: Bob Dylan – Stay with Me, YouTube (BobDylanVEVO)

 

 

SINOPSIS 54 (FOTO 4)

BXXI-268 JAZZ ROCK (I)

 

Hasta 1967, más o menos, los mundos del jazz y el rock se habían mantenido separados casi por completo. No obstante, conforme el rock se volvió más creativo, incluyente, mejoró el oficio de sus músicos, y al aburrirse del hard bop algunos miembros del mundo del jazz, los dos lenguajes empezaron a intercambiar ideas y, ocasionalmente, a unir fuerzas. En el área del rock una forma más de fusión derivó del jazz interpretado por las grandes bandas de Duke Ellington, Count Basie y Stan Kenton. Grupos como Blood, Sweat & Tears, Chicago y Tower of Power, así como los señeros Electric Flag incluyeron una sección de metales, mediante la cual el sonido de la big band jazzística ingresó en el rock.

 

VIDEO SUGERIDO: The Electric Flag Michael Bloomfield “Over Lovin’ You” Live at Monterey, YouTube (Herbie Cline)

 

 

SINOPSIS 54 (FOTO 5)

BXXI-269 JAZZ ROCK (II)

 

En el jazz el disco Bitches Brew de Miles Davis y la fundación del grupo Lifetime por Tony Williams, en 1969, por lo general se consideran como el principio oficial de la fusión, que a partir de ahí y hasta comienzos de los años ochenta se le denominaría como “jazz-rock”. Esta definición original del término ha sido la mejor hasta la fecha (ya que era una mezcla de la improvisación jazzística con la fuerza y los ritmos del rock), aunque la palabra “fusión”, con la que luego se le nombró, se ha empleado de manera tan liberal durante el último cuarto de siglo que prácticamente ha perdido todo sentido. A comienzos de la década de los setenta, ésta ya había adquirido una identidad propia aparte, como estilo creativo del jazz.

 

VIDEO SUGERIDO: Mahavishnu Orchestra: you know you know, YouTube (bazonics)

 

 

SINOPSIS 54 (FOTO 6)

BXXI-270 D’ANGELO

 

¿Qué se debía esperar del nuevo álbum de D’Angelo? La respuesta representaría el siguiente paso. Demostraría que maduró tras tres largos lustros y que eso se haría notar. Lo primero que tenía que hacer era no querer ser demasiado perfecto ni pulido, dejar que todo el material tuviera su propia vida. Lo consiguió. El talento del virginiano cuajó de nuevo en una obra maestra: Black Messiah. Un fresco que presenta su aprendizaje con la guitarra eléctrica y lo torna más combativo al opinar sobre las Panteras Negras, la negritud de Jesucristo o la ecología. Hay beats de batería y capas vocales insospechadas, pianos minimalistas, blues futurista, góspel cubista y funk expresionista. Nada menos.

 

VIDEO SUGERIDO: D’Angelo and The Vanguard – Sugah Daddy, YouTube (D’AngeloVEVO)

 

 

 

 

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JAZZ Y CONFINES POR VENIR-12*

Por SERGIO MONSALVO C.

JAZZ Y CONFINES POR VENIR (PORTADA)

III

LA FRESCURA

DEL VIEJO MUNDO

POR VENIR 12 (FOTO 1)

Pensar que Europa pudiera algún día dictar moda en el jazz constituía hasta hace muy poco tiempo una auténtica fantasía. Sin embargo, las cosas han cambiado, y para corroborarlo están Nils Petter Molvaer (Noruega), Jazzkantine (Alemania), Hans Dulfer y Saskia Laroo (Holanda), Courtney Pine o el proyecto Rebirth of Cool (Inglaterra), entre otros. Ellos se instalan dentro de las tendencias electrónicas que se escuchan en los clubes de dance y antros electrónicos donde dictan ley los DJ’s y las tornamesas.

El suyo es un jazz que causa sensación en el Viejo Continente, Asia y América. Un jazz que apuesta por el cambio utilizando toda suerte de parafernalia electrónica y bases de ritmos pregrabadas. Un jazz que se escucha y se baila.

Este nuevo jazz europeo ofrece una alternativa al que se hace en los Estados Unidos. De cualquier manera, hay muchos buenos músicos que continúan desarrollando y trabajando los sonidos difundidos originalmente por el sello ECM (fundado en Alemania en 1969 por Manfred Eicher y que se caracteriza por sus ecos, reverberancias, sonido etéreo, atmosférico y frío). No cabe duda que la tradición musical de la Unión Americana es aún muy importante en este continente, sobre todo la de los años sesenta y setenta.

Sin embargo, también se cree que desde entonces no ha salido nada nuevo de la tierra del Tío Sam. Hoy, estos músicos se han encontrado con una forma artística muy europea, la que toma en cuenta al mundo de la electrónica. Así surge la mezcla de jazz con este universo que tiene como sus capitales fundamentales a Berlín, Ámsterdam, Londres y Oslo. Ahí se hacen experimentos con la música contemporánea y el techno, de manera muy diferente a lo que se hace en los Estados Unidos.

Para estos jazzistas la máquina es una herramienta flexible e intentan hacer música con la técnica del DJ. Pertenecen a una generación que no creció con los standards comunes sino con los propios, empezando con los de Bitches Brew. Ésa es su tradición, pero también lo es Brian Eno, John Hassel y Prince. Asimismo, cada uno dirige a su particular compañía discográfica. En cuestiones empresariales también tienen claro el asunto.

POR VENIR 12 (FOTO 2)

VOLUNTAD ECLÉCTICA

El nuevo jazz europeo es un depósito de diversos estilos musicales que tienen en la vibe (vibración, sentimiento) el sustento más importante. El responsable original de todo ello fue el inglés Gilles Peterson, quien comenzó la mezcla del funk, reggae, soul, gospel, rap, hiphop y house a finales de los años ochenta en el club londinense Dingwalls.

La fusión de todos estos genes causó una profunda impresión tanto en los asistentes al club como en los músicos, que estaban hartos de la estandarización de las producciones del jazz estadounidense. Así que se pusieron a trabajar de forma intensa y, luego de una década permeando Europa, ha surgido una generación cuyos estilos novedosos han sabido crear una de las culturas más bogantes y propositivas de fines y principios de siglo.

En la actualidad el jazz europeo de avanzada es una combinación de sonidos acústicos y electrónicos; el look de sus representantes es más del pop posmoderno que del jazz tradicional; no le temen al rock ni a los sonidos de su tiempo a la hora de presentar su propuesta musical.

Son instrumentistas de excepción con un tempo y una técnica sobresalientes (donde el remix es un arte y no producción en serie), pero también la forma en que usan sus talentos hace que sólo sea música lo que fluye. Nada de exhibicionismo virtuoso, sólo música. Sus fuentes de inspiración van de la música clásica al psychodelic-trance, de Radiohead a Apex Twins, pasando por Björk.

Su incontenible avance tiene que ver con que hayan comenzado a desarrollarse plenamente en sus instrumentos; a aprender, a saber más y a querer mostrar sus propios conceptos musicales. Por supuesto el camino natural era el jazz, puesto que es un género que exige más y en el cual se deben entender acordes complejos.

De ninguna manera consideran que haya limitantes para un músico. Para nada. “Los límites están en uno mismo”, han declarado cada uno por su lado. Sienten que algunos músicos ya no escuchan, sólo repiten sin cesar lo que hacen siempre hasta el aburrimiento, sin acercarse a la escena pop y electrónica de avanzada.

Para los nuevos exponentes, el jazz, el dance, el pop, el folclor o cualquier otro estilo no son más que colores diferentes dentro de la música. Así que toman cosas de todos ellos y a su mezcla la enriquecen con mucha improvisación.

VIDEO SUGERIDO: NILS PETER MOLVAER – Vilderness, YouTube (Jazz 4 All)

POR VENIR 12 (FOTO 3)

 

*Capítulo del libro Jazz y Confines Por Venir. Comencé su realización cuando iba a iniciarse el siglo XXI, con afán de augur, más que nada. El tiempo se ha encargado de inscribir o no, a cada uno de los personajes señalados en él. La serie basada en tal texto está publicada en el blog “Con los audífonos puestos”, bajo la categoría de “Jazz y Confines Por Venir”.

 

 

Jazz

y

Confines Por Venir

Sergio Monsalvo C.

Editorial Doble A

Colección “Textos”

The Netherlands, 2021

 

 

POR VENIR 12 (REMATE)

BABEL XXI – SINOPSIS (53)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 

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(261-265)

 

SINOPSIS 53 (FOTO 2)

 BXXI-261 OMAR SOULEYMAN

A pesar de que el lenguaje siempre va a ser un obstáculo para el conocimiento de la obra de Omar Souleyman fuera de la región de Medio Oriente, su oferta musical sí le llega al oyente acostumbrado a las fusiones (tecnología con rusticismo) y al que le  dice cosas de esa manera, ya que las emociones contenidas en sus piezas, además de la melancolía, hablan de amor, tristeza, desamor, sentimientos compartidos por todos, por doquier. No obstante, las grandes diferencias que existen en el mundo, mucha gente busca áreas de encuentro donde haya algo en común. Un cambio de perspectiva procede del acercamiento con la música a distintas culturas. Punto de vista en el que se puede aprender y entender al otro.

VIDEO SUGERIDO: Omar Souleyman – Wenu Wenu (Official Video), YouTube (ribbonmusic)

SINOPSIS 53 (FOTO 3)

BXXI-262 MUSO

En uno de los extremos de la escena hiphopera alemana se encuentran los raperos experimentadores, tanto del sonido como de la palabra, que señalan y enfatizan de manera artística sus reclamos sociales. En ese nicho se encuentra Muso, sobrenombre del rapero Daniel Giovanni Musumeci, un músico procedente de las huestes intelectuales de tal movimiento teutón y que ha sabido relacionarse con sus congéneres del mismo nivel en distintos géneros al suyo. Circunstancia semejante lo ubica como un constructor de puentes en busca de la diversidad, la cual será siempre bienvenida como ingrediente para un género que se ha caracterizado por su enfangamiento musical en lo conservador y repetitivo.

VIDEO SUGERIDO: MUSO – MALIBU BEACH (Official Version), YouTube (Chimperator Channel)

SINOPSIS 53 (FOTO 4)

BXXI-263 DENGUE FEVER

Al ciclo de intercambio musical entre los Estados Unidos y Camboya le ha llevado medio siglo completarse. Primero fue incansable e ininterrumpidamente del continente americano al asiático y en la actualidad, tras 50 años, está de vuelta, enriquecido en ambos sentidos a través de su ya larga historia. El ínterin ha sido acompañado por la creación de una sonoridad especial que encierra la influencia catalítica ejercida por un subgénero importado que engendró una fértil escena musical en dicha región asiática: el rock de garage. Aquí entró en juego el factor histórico cuando en Camboya se desarrolló dicho subgénero a partir de su asimilación cultural, la cual se extendió a través de otras naciones del continente.

VIDEO SUGERIDO: Dengue Fever – Sin Bong, YouTube (DENGUE FEVER)

SINOPSIS 53 (FOTO 5)

BXXI-264 FLORENCE & THE MACHINE

La británica Florence Welch con esa presencia suya, tan poderosa de sibila roja, deslumbra con sus apariciones telúricas; con sus cantos sobre brujería y amores complicados; con su mezcla de influencias diversas (de Annie Lennox a Tom Waits); por The Machine, un aparato sonoro variable que puede consistir en un simple piano o por una banda de 32 músicos, la banda con la que busca hacer sentir y comprender a los escuchas. Welch con su obra y persona narra su tiempo, sus sentimientos, sus demonios y traumas y con ello crea una imagen femenina, una de la cultura popular que la rodea y –de forma colateral— de la fantasía particular que busca personificar en el diván del escenario.

VIDEO SUGERIDO: Florence + The Machine – No Light, No Light (Live The Voice) YouTube (maximdoolaard380)

SINOPSIS 53 (FOTO 6)

BXXI-265 JUSTIN TOWNES EARLE

Lo que Justin Townes Earle componía e interpretaba era dark americana: un country contemporáneo con el foco puesto, primero, en la autenticidad artística. Esa área donde la sinceridad del músico no trata de exagerar las interpretaciones o las expresiones emotivas. Y, en segundo término, se canaliza hacia esa combinación de las raíces folk y country con otros elementos del rock como el rockabilly o el garage, parajes en donde en lugar de obtener lo que se quiere se tiene lo que se necesita. Suma que al final se ubica en el saco de lo alternativo o indie. Desde su primer track, grabado hace casi una década, se supo que con Justin Townes Earle se trataba de un artista de admirable sofisticación y letras agudas y con hondura. Lamentablemente, falleció en el 2020.

VIDEO SUGERIDO: Justin Townes Earle – Father From Me (Audio Stream), YouTube (Justin Townes Earle)

 

 

*BABEL XXI

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PULSOR 4×4 – 52

Por SERGIO MONSALVO C.

PULSOR 2005 (FOTO 1)

 EL BEAT DE LA IDENTIDAD

 (2005)

 A fines de enero de ese año en el desierto del Sahara se registró una sorprendente ola de frío. A unos 800 kilómetros al sur de Argel una densa capa de nieve cubrió el suelo. La última vez que esto pasó fue en 1979. La Tierra mandaba avisos.

La británica Ellen MacArthur estableció en 71 días y 14 horas el récord de la vuelta al mundo de manera solitaria a través de un velero.

El 14 de febrero en San Bruno, California, se fundó el sitio web YouTube por Chad Hurley, Steve Chen y Jawed Karim.

El escritor, actor y director teatral Harold Pinter obtuvo ese año el Premio Nobel de Literatura.

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De la penumbra parecieron surgir las notas de las cuerdas puestas desde ese momento al servicio de las emociones. Todo un menú de ellas. El tiempo  dejó de contar en cuanto se puso el disco. El crescendo de la pieza “Hope There’s Someone” difuminó las sombras y dejó intuir la presencia de Antony Hegarty tras esa levísima cortina sonora. La cual iría subiendo lentamente conforme surgían las palabras de su garganta. “Creo que no hay arte sin sufrimiento”, había dicho Hegarty.

Eso está de manifiesto en I Am a Bird Now, un disco (de Antony & The Johnsons) que demostró cómo la belleza puede llegar a convertirse en algo tenso, inquietante y hasta siniestro. La voz andrógina de Antony es bella y tersa, pero lo que comunica en su profundidad es algo que nos revela el terror que puede existir en la melancolía, en la desolación de los amores perdidos, en la angustia de la infelicidad. Con el agregado de esa portada con Candy Darling, la musa travestida de Andy Warhol, en un lecho agónico.

PULSOR 2005 (FOTO 2)

Por otra parte, James Murphy, acaso el autor que dotó de contenido al revival del pospunk, actuó como catalizador del exitoso cruce entre electrónica y música indie, con su grupo LCD Soundsystem. Éste apareció en escena en el momento apropiado, principios de los años cero, para reivindicar una serie de referencias sonoras que nadie parecía extrañar. Dicha banda incorporó al escenario musical una corriente como el punk funk y recuperó, asimismo, la filosofía vanguardista de tal música mutante.

Una corriente que a finales de los setenta del siglo pasado se fraguó en sellos discográficos como Ze y Factory. LCD Soundsystem mezcló todo eso con el krautrock, el house, el minimalismo y el trance y, desde su primer álbum (el homónimo del 2005) en su haber se convirtió en un referente imprescindible para sonorizar una época que comenzaba bajo los estatutos del terror y la aprehensión.

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El concepto musical de los Gorillaz (tecnología de punta en 3D, dibujo animado, música de vanguardia) ha llevado consigo el espíritu de la época desde que apareció en el 2001 con una mezcla que fluctúa entre el hip hop, el pop, el trip hop, el rock alternativo y la rítmica afrocubana pasando por el punk, la electrónica, el reggae-dub, el breakbeat, britpop o el ambient: mixtura a la que en muchos lugares se le ha denominado dark pop o –como ellos mismo la denominan– zombie hip hop. Eclecticismo puro fundamentado en la música negra, sobre todo.

Demon Days (2005), su segundo álbum, obtuvo mejores resultados aún que el debut homónimo. De él se extrajeron los sencillos “Feel Good Inc.” y “Dare” y se reafirmó el concepto de la música como aparato social (del Método Suzuki al hipermodernismo), expandiéndolo con el uso de los coros London Community (gospel) y Children’s Choir of San Fernandez y más invitados (De la Soul, Neneh Cherry, Roots Manuva, Shaun Ryder, Bootie Brown, el también desaparecido Ike Turner, et al), el extinto actor Dennis Hopper y la nueva producción corrió a cargo del DJ Danger Mouse, Jason Cox y James Dring.

VIDEO SUGERIDO: Gorillaz – DARE (Official Video), YouTube (Gorillaz)

PULSOR 2005 (FOTO3)

PULSOR 4x4 (REMATE)

BABEL XXI – SINOPSIS (52)*

Por SERGIO MONSALVO C.

BABEL XXI (FOTO 1)

 (256-260)

 

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SINOPSIS 52 (FOTO 2)

 BXXI-256 ROCK & ROLL 65 (III)

En sus orígenes el punk fue un fenómeno musical y social que se manifestó a mediados de los años setenta como reacción contra el pop artificioso, la vacua moda Disco y el onanismo del rock progresivo y metalero, emparejado con el descontento social de una nueva generación de jóvenes, lo mismo en Nueva York (donde se originó), que después, en un país atormentado por la conciencia de clases y por el retroceso económico, como Inglaterra. Con orgullo y la capacidad para burlarse de sí mismos, los punks adoptaron tal término para denominarse. Así como la decisión de no permitir que los ricos se apropiaran del mundo, comenzando por el rock, el vehículo por antonomasia de la identidad.

VIDEO SUGERIDO: Blondie – Femme Fatale – 1975 – CBGB’s, YouTube (HistorieDuRockEnVidéos Blondie)

SINOPSIS 52 (FOTO 3)

BXXI-257 ROCK & ROLL 65 (IV)

En los años ochenta, Bob Geldof, líder de la banda irlandesa Boomtown Rats, llamó la atención sobre la hambruna africana y organizó la Band Aid y el concierto Live Aid (que en lo musical también marcó un parteaguas estilístico: de la new wave y el new romantic al synth pop y al uso del sintetizador en detrimento de la guitarra). Resultó importante que hechos gigantescos como éstos fueran respaldados por infinidad de músicos. Asimismo, hubo eventos que apoyaron diversas causas y demostraron que los rocanroleros de cepa miran más allá de los límites de sus países para tocar asuntos más grandes en el mundo, como el concierto de Knebworth en Londres o el histórico de The Wall tras la caída del Muro de Berlín.

VIDEO SUGERIDO: Bruce Springsteen – Dancing In the Dark, YouTube (BruceSpringsteenVEVO)

SINOPSIS 52 (FOTO 4)

BXXI-258 ROCK & ROLL 65 (V)

Los mitos, los íconos, ritos e hitos acompañados de la sonoridad electrónica definieron de la década de los noventa en adelante muchas de las actitudes, formas de ser, maneras de pensar y hasta gestos comunes del mundo entero. No fue un apocalipsis ni la explosión de nada, sólo el punto de llegada –crítico, eso sí– de un momento histórico, y al mismo tiempo una nueva y seductora partida para ampliar las fronteras de todo. La música siguió rompiendo los diques que estorban al entendimiento y a la comunicación. Los oídos debían estar más abiertos que nunca para interpretar los signos de aquel presente: grunge, britpop, trip hop, rock experimental, cyberpunk, unplugged, variaciones del metal, indie, anti-folk, rock industrial y alternativo, entre otros.

VIDEO SUGERIDO: Nirvana – Smells Like Teen Spirit, YouTube (NirvanaVEVO)

SINOPSIS 52 (FOTO 5)

 BXXI-259 ROCK & ROLL 65 (VI)

Los años cero, es decir la primera década del siglo XXI, tuvieron una coyuntura socioeconómica crítica a nivel global que atentó contra su particular realidad al hacer de la ambigüedad su contexto. El rock continuó su proceso evolutivo con propuestas innovadoras como las de Radiohead, Gorillaz o los White Stripes, en tres diversos campos. En el pop, por su parte, la invocación del antaño fue clave para entender cualquier manifestación musical de tal década, con el aleatorio recurso del vintage. Y cupieron las preguntas de si era mejor que tal género robara las diversas estéticas de antaño a que no tuviera ninguna; o si debía seguir comprando todos los lugares comunes de la nostalgia, al no poseer una que le fuera propia.

VIDEO SUGERIDO: Nude – Radiohead (Live from the Basement), YouTube (Julio Mendoza)

SINOPSIS 52 (FOTO 6)

 BXXI-260 ROCK & ROLL 65 (VII)

A mediados de la segunda década del siglo XXI el rock, con su amplia, expansiva y omnipresente cultura, aún les causa escozor a los conservadores ideológicos de toda ralea. Comenzó hace 65 años con el rock & roll clásico, el cual fincó los pilares y hoy hay que sanear dicha verdad y el ambiente que la rodea desde la composición hasta las listas de éxitos, a fin de investigar en sus fundamentos para informar y formar a las noveles oleadas de escuchas que tanto lo necesitan. La revaluación de la importancia que tiene el género es quizá el compromiso cultural con mayor sentido en estos momentos, cuando todo impulso parece relegado a las máquinas, al criterio de los DJ, a los raperos sin bagaje, a las coreográficas boy bands del pop y al flagelo de lo transitorio.

VIDEO SUGERIDO: Music for the Revolution – Uprising, Occupy Wall Street Style, YouTube (lolwtfbbqsauce13)

 

 

*BABEL XXI

Un programa de:

Sergio Monsalvo C.

Equipo de Producción: Pita Cortés,

Hugo Enrique Sánchez y

Roberto Hernández C.

Horario de trasmisión:

Todos los martes a las 18:00 hrs.

Por el 1060 de AM

96.5 de FM

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Radio Educación,

Ciudad de México

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