GARAGE/26

Por SERGIO MONSALVO C.

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 CONTACTO EN DETROIT

El Duende de la Perversión, el Chuky del rock, se llama James Newell Osterberg y nació el 14 de abril de 1947 en Muskegon, Michigan, a bordo del trailer bautizado por sus padres como “Vagabond”. El cambio de nombre a Iggy lo adquirió en 1964, cuando era baterista de The Iguanas. Luego se unió a grupos como The Prime Movers y The Dirty Shames, antes de abandonar la universidad e irse a Chicago a aprender a tocar el blues con Sam Lay de la Paul Butterfield Blues Band.

En Chicago, Iggy se dio cuenta de que lo negro no era lo suyo. Su sonido eran los ruidos industriales, las explosiones, las máquinas, los ruidos blancos. Regresó a Michigan y fundó Iggy Stooge and the Stooges, con él como cantante y compositor, Ron Asheton en la guitarra, Scott Asheton en la batería y Dave Alexander al bajo. En 1968 consiguieron un contrato con la compañía Elektra y graban The Stooges y Fun House. En sus actuaciones rinden tributo a su influencia: The Kinks.

Canciones como “I Wanna Be Your Dog”, “Funhouse” y “Dirt” adquieren fama y magnitudes legendarias por sus actuaciones totalmente hedonistas, que denigraban a la sociedad y a su audiencia, mientras Iggy se contorsionaba en el escenario. Se especializaba en el sadomasoquismo provocando, según algunos críticos, “las peores actitudes en el público durante sus conciertos”. Iggy se adelantó a su época. Fue punk sin saberlo; hizo un mito de su cuerpo y a su personalidad, objeto de culto.

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En los setenta Iggy era un junkie, un loco que con botellas rotas se cortaba la carne del pecho; que se revolcaba sobre colillas encendidas; que cantaba con los labios ensangrentados; que jalaba a sus fans del pelo; que vomitaba sobre el escenario; que se punzaba y hería el cuerpo con los palos rotos de la batería; el músico que se anticipó a Alice Cooper, a los Sex Pistols y al trash metal; que en una especie de autoexorcismo público llegó hasta el borde de lo soportable.

En 1970 los Stooges se separan e Iggy va a curarse de su adicción a la heroína. Al salir de la clínica conoce a David Bowie en Nueva York. El primer trabajo en conjunto se llamó Raw Power; corría 1973. Los reformados Stooges entraron a un estudio londinense de la CBS para grabar el L.P. que marcaría nuevos hitos. Eran los Asheton; James Williamson en la guitarra y composición; Iggy (que agregó el “Pop” a su nombre) como compositor y cantante; y Bowie en la producción.

 En 1973, cuando la música de garage era más sotanera que nunca, ellos le cantaron a la violencia urbana, a la enajenación social, a las drogas duras y a las perversiones sexuales. No tenían “éxito ni futuro” y se burlaban de ello por completo. Son antihéroes que demostraron de forma directa que no hay nada mejor que la cópula con el hada eléctrica. Los devastadores Stooges asombraron a la nueva generación punk. Hoy se adivina su huella detrás de un gran número de bandas.

A los Stooges les correspondió el título de grupo pionero. En el proto-punk del sublime Iggy Pop se dieron cita la demencia, la violencia y la decadencia de los tiempos a niveles semejantes.

VIDEO SUGERIDO: Iggy & The Stooges – Search And Destroy, YouTube (Robert Caruso [Official])

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THE ANIMALS

Por SERGIO MONSALVO C.

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 LA SECTA DEL BLUES

Antes de finalizar el primer lustro de la década de los sesenta, la Gran Bretaña experimentó la propagación del rhythm and blues y del blues. Los más importantes grupos se valieron para ello de bluseros originales como John Lee Hooker, Jimmy Reed, Sonny Boy Williamson o Muddy Waters, pero también de artistas asimilados al terreno del rhythm and blues propiamente dicho, como Ray Charles por ejemplo.

Gracias a esta actitud, los jóvenes músicos ingleses comprometidos con el blues retuvieron la atención de un vasto público que abarcaba ampliamente también a las minorías de entendidos.

Londres, en aquel entonces, tenía a los Yardbirds y a los Rolling Stones, Manchester a los Hollies y Liverpool a los Beatles. El nordeste de Inglaterra, Newcastle, para ser más preciso, aportó a un grupo de jóvenes obreros duros y desmadrosos que vociferaban el blues igualmente fuerte: The Animals. Uno de ellos era Eric Burdon, a quien la música de Ray Charles, Chuck Berry y Bo Diddley lo enloquecía.

Todos los del grupo (Hilton Valentine en la guitarra; Chas Chandler en el bajo; Alan Price en los teclados; John Steel en la batería y Burdon en la voz) se habían criado en el ambiente minero, con la cerveza oscura espesa y con las difíciles condiciones de vida de su lugar de procedencia.

Originalmente se denominaron Alan Price Combo. Tras una presentación en el Down Beat Club de Newcastle, Eric Burdon se integró como cantante. Esto sucedió durante 1962. Una noche de diciembre de 1963, Giorgio Gomelsky, un productor, los descubrió en el club a Go-Go mientras servían de teloneros para Sonny Boy Williamson, que se encontraba de gira por Inglaterra.

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Graham Bond les sugirió el nombre The Animals debido a la fuerza con que tocaban. De ahí se trasladaron a Londres al año siguiente. Pronto comenzaron a aparecer en las listas de popularidad. Su primera grabación fue “Baby Let Me Take You Home”, seguida de la ya hoy clásica “The House of the Rising Sun”.

Los éxitos de ventas y de lista se fueron acumulando en discos como The Animals (1964), Get Yourself a College Girl (1965), Animal Tracks (1965) y Animalisms (1966). Tras ellos Price abandonó al grupo para iniciar una carrera como solista; lo reemplazó Dave Rowberry. A éste le siguió una infinidad de cambios de personal.

Burdon entonces decidió renovarlos y los convirtió en The New Animals, nombre con el que se mantuvieron con vida hasta fines de los sesenta, coqueteando con la psicodelia (“San Franciscan Nights”, “Monterey” y “Sky Pilot”).

En los setenta Burdon retornó a la escena con el grupo War y obtuvo muy sonados éxitos (“Spill the Wine”, uno de tales). En 1977 los Animals volvieron a reunirse modernizando su sonido para los nuevos públicos y sacaron el disco Before We Were So Rudely Interrupted. Luego pasó otro buen tiempo para que volvieran a intentarlo. En 1983, lo hicieron y editaron el disco Ark, tras el cual cada uno siguió su propio camino hasta desaparecer. Eric Burdon aún anda en él.

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BIGGER THAN BOTH OF US

Por SERGIO MONSALVO C.

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 HALL & OATES

Estos pioneros del soul blanco, Daryl Hall y John Oates, crecieron en Filadelfia y se conocieron en 1967 en un coro de estudio. Oates había sido integrante de Masters y Hall, ex de Kenny Gamble and the Romeros y Temptones, luego formó el grupo de soft rock Gulliver, con el cual sacó un álbum para Elektra.

En 1969 empezó a escribir en colaboración con Oates. La editora musical Chapell los contrató como equipo de composición. Tiempo después Oates viajó a Europa y Hall trabajó como músico de estudio con los Intruders, Stylistics y Delfonics.  En 1972 ambos cantantes y guitarristas le dieron forma concreta a su asociación y fueron contratados por Atlantic. Con Arif Mardin como productor presentaron una cruda mezcla de folk rock denominada Whole Oates.

Pequeñas dosis amalgamadas de soul, gospel, rhythm and blues, folk y pop compusieron el material de su segundo L.P., Abandoned Luncheonette (1973).  Al año siguiente apareció el álbum conceptual War Babies, bajo la producción de Todd Rundgren.  Tras este trabajo cambiaron de disquera (a la RCA) y bajo el nuevo sello grabaron Bigger Than Both of Us (1976), pletórico de exitosos sencillos y ventas millonarias.

Los cinco discos aparecidos entre 1977 y 1979 conservaron su alto nivel técnico, instrumental y vocal, pero sin avance artístico alguno.  Así desfilaron: No Goodbyes, Beauty on a Back Street, Livetime, Along the Red Ledge (que contó con la participación de George Harrison); X-static agregó el toque discotequero, pero sin dar mayor impulso a la carrera de Hall and Oates.

El cambio se dio en 1980 con Voices, obra producida por ellos mismos y en la cual colaboraron Sara y Janna Allen como compositoras. Este acetato se mantuvo en las listas del Billboard por 100 semanas consecutivas e incluyó dos de los sencillos más destacados de 1981: “Kiss on My List” y “You Make My Dreams”.

De esta manera tuvo comienzo la fase más fructífera del grupo, con los discos siguientes: Private Eyes, H2O, Rock and Soul Part 1 (Hall produjo Sacred Songs, su primer disco como solista, en compañía de Robert Fripp en 1976, pero la RCA lo editó hasta 1980).  Después de Big Bam Boom sacaron el L.P. en vivo Live at the Apollo (1985) con ocasión de un concierto de beneficencia llevado a cabo en Harlem a favor del United Negro College Fund.

En 1986 Hall realizó su segundo álbum solista llamado Three Hearts in the Happy Ending Machine (con Bob Geldof y Joni Mitchell); mientras tanto Oates produjo al grupo Parachute Club y compuso material para los australianos de Icehouse.  Hall and Oates entró de nueva cuenta al estudio para grabar Ooh Yeah! (Arista, 1988), el cual, junto con Change of Season (BMG, 1990), habla de la intención perfeccionista del dúo en la técnica auditiva y el refinamiento en la composición. Sin embargo, este material de probada y pulida producción condujo al dúo, desde entonces, directamente al fatal reino de la autoparodia, en el que se instalaron para las siguientes décadas.

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VIDEO SUGERIDO: Do What You Want, Be What You Are – Hall & Oates, YouTube (konekoxox)

 

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